ACTIVIDAD PARANORMAL- UN FILME CON UN INUSITADO RECORD EN TAQUILLA

¿QUÉ PASA MIENTRAS DUERMES?

Dirección: Oren Peli.

Reparto: Micah Sloat, Katie Featherson, Mark Fredrichs, Amber Armstrong y Ashley Palmer.

País: Estados Unidos.

Año: 2007.

Género: Terror.

Duración: 86 minutos.

Clasificación: Mayores de 15 años.

Estreno en México: 25 de diciembre de 2009.

Por Julia Elena Melche.

Con un presupuesto de alrededor de 11 mil dólares, una casa y una cámara, Actividad Paranormal se ha convertido en un éxito de taquilla, recaudando 104 millones de dólares desde su estreno en octubre de este año hasta la fecha.

La idea del filme nació cuando el director, nacido en Israel y avecinado en Hollywood, Oren Peli, compró una casa en el sur de California, donde se escuchaban ruidos y los objetos se caían a medianoche. Durante dos años los ruidos nocturnos continuaron y Peli decidió instalar cámaras de video para saber lo que sucedía. Con este material, decidió realizar una cinta de terror, a manera de falso documental, que trae a la mente El Proyecto de la Bruja Blair (Myrick y Sanchez, 99).

La historia se centra en una joven pareja, formada por Katie (Featherson) y Micah (Sloat), quienes se mudan a una casa en los suburbios de un nuevo fraccionamiento. De repente empiezan a ser perturbados por extraños sucesos que se intensifican durante la noche, particularmente mientras duermen. Para indagar lo que sucede, colocan una cámara de alta definición a los pies de su cama.

Se trata de una cinta que echa mano de todo el efectismo posible para conseguir la atención del público durante la hora y media de su duración; escenas nocturnas en inquietantes tomas fijas, silencios, sonidos repentinos, golpes violentos y juegos de sombras. En un inicio la película avanza en medio de tensión, angustia y atmósferas agobiantes, pero pasada la media hora se vuelve reiterativa y previsible como El Proyecto de la Bruja Blair.

Los protagonistas se mueven entre cortes abruptos, avances rápidos de cámara y la improvisación, mediante una cámara subjetiva que los sigue por toda la casa. Una puerta que se cierra y una lámpara colgante que se mueve sin motivos aparentes son algunos de los elementos que se utilizan para aterrorizar, el resto son presencias de entes sugeridas e imágenes de sombras borrosas.

Sin duda, la cinta ha conseguido su gran éxito gracias a los medios publicitarios y su excelente marketing. Al igual que El Proyecto de la Bruja Blair termina siendo una broma mareadora de nulos acontecimientos.

AVATAR - LA JOYA DE LA CORONA DE CAMERON

Dirección: James Cameron

Reparto: Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Michelle Rodriguez, Giovanni Ribisi, Joel David Moore
País: Estados Unidos
Año: 2009
Género: Ciencia Ficción, acción
Duración: 2 hr. 30 min
Clasificación: Mayores de 13, violentas secuencias de acción, violencia ecológica
Fecha de estreno en México: 17 Diciembre

Por: Fabián Quezada León

Estamos ante el nacimiento de una portentosa y nueva manera de hacer cine.
Avatar es la joya de la corona del autoproclamado rey del mundo, (título al que habría que sumar el rey de las taquillas) James Cameron.

Cameron desarrolla en esta cinta una visión de un nuevo mundo rebosante al exceso de vida, animales exóticos y vegetación en contraparte al recuerdo que se menciona de la tierra, un planeta desolado y carente de recursos.

Esta tierra prometida se llama Pandora, es el 2154 del calendario terrestre y una tripulación de ambiciosos humanos va en busca de ese planeta; unos con causas científicas, otros como parte de un experimento bélico.

Entre ellos están Jake Sully (Worthington) un ex marino que acaba de perder a su hermano gemelo y la siempre intergaláctica Sigorney Weaver como la Dra. Grace Augustine. Además claro esta del ambicioso Parker Selfridge (Ribisi).

Jake va a ocupar el lugar de su hermano muerto para manejar su “avatar” un ser mezcla del DNA humano con el de los Na’vi, los azules nativos moradores de Pandora.

Y aunque al comienzo Jake acepta gustoso la misión, como soldado que es, poco a poco se va dando cuenta de las negras intenciones de quienes lo mandan para servir de espía infiltrado en la comunidad Na’vi.

Al extraviarse de su grupo de reconocimiento, Jake va a conocer a Neytiri (Saldana), una sexy nativa que lo salva de ser cenado por las bestias de la selva de Pandora y que va más allá, pues lo lleva a su aldea donde conoce a los demás moradores de la tribu.

Confrontado a mostrar su lealtad y real pertenencia a su nueva raza, Jake se ve envuelto en todo un proceso de desarrollo, un crecimiento hacia la madurez; semejante a los ritos de iniciación que se han practicado en todas las culturas que hayamos conocido. Su renuente maestra es Neytiri que dicho sea de paso es la hija del jefe de la tribu y de la suma sacerdotisa.

La cuestión es que Jake no solo desarrolla habilidades físicas como aborigen; sino que al mismo tiempo, tal vez imbuido por la esencia de Pandora, se une a la base misma del principio de la vida y la conciencia planetaria, una gran red de interacciones entre todos los seres que forman el mundo de Pandora.

Solo que para entonces, ya es demasiado tarde. Los “seres del cielo” o sea los humanos, han decidido apoderarse de todo lo que el planeta ofrezca. Gracias a los acuciosos reportes que Jake les dio. Ahora Jake deberá de tomar una decisión vital que lo llevará a trastocar las fronteras de su existencia como humano y como avatar. La guerra va a comenzar.

En definitiva Avatar va a marcar un punto de referencia en la cinematografía, lleva los avances tecnológicos a simplemente otro nivel y crea su propia leyenda y su mitología a partir de extrema profusión visual.

Cada detalle de los impactantes paisajes ese mundo nuevo, en el que los colores y las formas llevan a una especie de hipnosis, va seduciendo al espectador.

Este mundo es un mundo en el que se deja ver que Cameron no desperdició ni un segundo de la experiencia submarina que tuvo al hacer Titanic, pues muchas de las formas, colores y luminiscencias remiten sin duda alguna a las criaturas fantásticas que moran en las fosas abismales.

La narrativa de la trama sigue una línea muy definida y por lo tanto conocida por los espectadores en la saga del héroe a fuerzas; un ser común que de improviso debe realizar la tarea de enfrentar el destino catastrófico y amanazante para salvar a alguien.

Pero aquí Cameron da a la magnitud de la hazaña caracteres épicos, el desequilibrio de fuerzas y la absoluta crueldad de los adversarios engrandecen la figura del “hombre” común que debe afrontar una misión titánica.

Las secuencias de pelea son espectaculares y de una violencia ecológica estremecedora, (lo más alarmante es que en su debida proporción es un reflejo de lo que en la realidad, mucho más cruenta y menos poéticamente se lleva a cabo en nuestro planeta.)

Esto nos lleva a un punto, que es que Estados Unidos (que es el único país representado en la cinta) encarna al más mecánico destructor /conquistador /deshumanizado que haya contemplado el universo entero (ya llegó a Pandora, así que es universal) que pasa por encima de todo y todos y destruye a su paso irracionalmente lo que sea y a quién sea, guiado únicamente por la ambición, sin ningún pensamiento de conmiseración. Y eso, es una declaración muy fuerte en cuanto más se parezca a la realidad.

Hablando de Avatar van a correr ríos de palabras (porque decir tinta ya suena obsoleto en esta era cibernética) y la realidad es que es un hito. Se ha declarado como la producción cinematográfica más costosa hasta la fecha, pero independientemente de eso, el planteamiento visual es simplemente extraordinario, majestuoso, seductor, supera ampliamente todas las expectativas que a una cinta de este tipo se le pudieran hacer. La combinación de acción en vivo, acción por computadora, efectos, y la tecnología del 3D son arrolladores.

La recomendación es que corras a verla, es un espectáculo digno de contemplarse. Avatar abre en México con 1,125 copias (884 en 35 mm, 235 en 3D, 2 en IMAX en 70 mm y 4 en IMAX digital 3D)

LLAMANDO AL AMOR (THE OTHER END OF THE LINE)

LO QUE UNO ES CAPAZ DE HACER POR AMOR.

Dirección: James Dodson.
Reparto: Jesse Metcalfe, Shriya Saran, Austin Basis, Larry Miller, Michael Chen, Anupam Kher.
País: USA.
Año: 2008.
Género: Comedia romántica.
Duración: 105 minutos.
Clasificación: Adolescentes y Adultos.
Estreno en México: 04 de diciembre de 2009.

Por Jorge Cirerol.

Los dos grandes fábricas mundiales de sueños, Hollywood en el occidente y Bollywood en el oriente, se unen en esta entretenida comedia romántica interracial cuyo telón de fondo se relaciona con la situación que vive la actual economía mundial. Está dirigida por James Dodson (Detrás de las Líneas Enemigas II, 06), quien con el tan conocido dicho popular “para el amor no hay barreras”, construye una historia en la cual cupido, como es común en el género, hará de las suyas sin importar raza, cultura ni religión. Sin embargo más allá del simple producto de mercado, productores de ambos campos, hacen un gran esfuerzo concertado para idear nuevas formas que satisfagan a la par a sus respectivas audiencias.

Por un lado, Priya Sethi (Shriya Saran) es una encantadora joven india de 22 años que trabaja como call card en un centro de llamadas o call center de un banco americano instalado en Bombay. Al tratar con sus clientes norteamericanos ella tiene que usar un nombre de batalla, en este caso es Jennifer David, inventando además que es originaria de San Francisco y haciendo uso de un perfecto inglés para no ser víctima de la xenofobia tan común en estos centros por parte de muchos tarjetahabientes. Procedente de una familia conservadora, está viviendo un momento de indecisión por su cercano enlace matrimonial con Vikram, el hijo de un millonario al que apenas conoce.

Por otra parte tenemos a Granger Woodruff (Jesse Metcalfe), está en el otro extremo del mundo y es un ambicioso publicista neoyorquino que vive un momento clave en su vida profesional, ya que con ello busca conseguir el prestigio que siempre ha anhelado. Está en medio de la creación de una campaña publicitaria para una prestigiosa cadena de hoteles, los Hawksin, que permita atraer una mayor cantidad de huéspedes. Sentimentalmente, está involucrado en una relación tormentosa con Emory Bancks (Sara Foster), una egoísta empresaria que sólo lo usa, pero eso a él no le quita el sueño, pues está más metido en éste proyecto promocional del que dependerá su futuro como publicista que en averiguar si su relación sentimental funciona o no.

Cierto día, Priya o más bien Jennifer se comunica con Granger referente a unos cargos no autorizados en su tarjeta de crédito. Los dos entablan una conversación amistosa, que hace que ella se enamore de la voz detrás de la línea telefónica y al mismo tiempo el joven pide conocerla aprovechando que viajará a San Francisco donde supuestamente vive ella, a un importante evento al que ha sido invitado por el dueño de la cadena hotelera, el magnate Kit Hawksin (Larry Miller). Él siente este un momento el propicio para conocerse.

Priya, entusiasmada e inmersa en un mundo de costumbres entre ellos el de los matrimonios por conveniencia -el amor se construye, dicen en la India-, decide pasar por encima de la autoridad de su padre (Anupam Kher),y utilizando sus ahorros, y viaja a los Estados Unidos para conocer a este hombre. Su intención es presentarse como Jennifer pero un inesperado incidente en el lobby del hotel le impide decir su verdadero nombre a Granger quien a primera vista se enamora de ella sin saber que es aquella joven telefonista. Los jóvenes vivirán tres días inolvidables, sin embargo, el destino les pondrá pruebas, mismas que tendrán que superar, mientras los que están a su alrededor se asombrarán por los acontecimientos y el hecho de que se trata de dos personas educadas totalmente diferente.

Desde el inicio el guión aunque predecible tiene todos los giros necesarios para funcionar y lograr su cometido. Y más cuando la pareja principal esta interpretada por Metcalfe, conocido por su inolvidable papel del jardinero sexy de Gaby (Eva Longoria) en la serie de Sony, Esposas Desesperadas, y por Shriya, una actriz muy popular en la India, con todos los atributos para triunfar en el cine norteamericano. A partir de aquí los dos jóvenes iniciarán una relación en la que no faltarán los choques de culturas, además de los compromisos anteriores de cada uno, y las tan socorridas mentiras piadosas sobre la identidad que en cualquier momento pueden salir a flote. Pero… ¿tendrán la madurez necesaria para podrán superar cualquier obstáculo?

El guión de Tracey Jackson aunque simple y con pocas novedades, quiere resurgir comedias como Pillow Talk (Gordon, 59) con Doris Day y Rock Hudson, en la que se juega con las identidades equivocadas, pero en esta cinta lo que lo que resulta más animado no es tanto el romance en sí, sino el apoyo de la bufonesca familia de Priya quienes dan un excelente toque de humor muy costumbrista al filme.

Un historia que encantará más si vas acompañado, en la que además disfrutarás de una banda sonora que va desde temas como I Left My Heart in San Francisco, pasando por Pretty Woman, The Way You Look Tonight, o Falling in Love With You.

GHOSTGIRL

Por Eudiza Quevedo.

Con una increíble campaña de publicidad que incluye una página de Internet, página de Facebook, Twitter, anuncios de TV y preventas con kits llenos de artículos que volverán locas a todas las adolescentes, llega a México Ghostgirl, destinada a convertirse en el nuevo fenómeno editorial de nuestro país.

Charlotte Usher es una joven común, una romántica desesperada. Está tan enamorada de Damen, que, tratando de encajar y ser popular, terminó asfixiándose accidentalmente en la clase de Física ¡y con un pandita! Casi inmediatamente, se despierta en una mundo paralelo, en dode aún tiene que ir a la escuela, a una clase special llena de adolescentes muerto (todos murieron demasiado jóvenes). Ahora, como "ghostgirl" Charlotte se niega a dejar de lado sus sueños y el mundo en el cual vivió, por lo que utilizará su capacidad sobrenatural para ganar popularidad y, lo más importante, para ganar el corazón de Damen. Invisible tanto en la vida y la muerte, se encuentra en un mundo que no entiende y sigue obsesionada con un mundo de la que ya no forma parte.

Para ayudar en la misión a Charlotte está Scarlet, una chica gótiica y muy inteligente, que es la oveja negra de la escuela y definitivamente no es parte del "rebaño" de Hawthorne. De hecho, su hermana Petula es el clon de la famosa Sharpay de High School Musical y una cruza entre lo peor de Paris Hilton y sus secuaces.

Me encanta el diseño de Ghostgirl. Veo sus letras metálicas, las flores destacando, sus dibujos y sigo diciendo wow. También entré a la página de la creación de Tonya Hurley, su autora y debo confesar que todos los wallpapers y dibujos son fantásticos. Hasta descargué los separadores pa mi libro.

El libro, como pudieron leer líneas arriba, está lleno personajes y situaciones comunes que hemos visto en cualquier película "teen" desde Goonies hasta High School Musical. El chico guapo pero bondadoso, la tipa rubia sangrona con las amiguitas bobas, la chica invisible que busca destacar a cualquier precio.


"En el mundo yo era sólo una persona más, pero anhelaba ser el mundo para una persona"... me recordó a Bella Swan y su filosofía de que sin amor no valgo nada. Citas sobre la muerte de autores muy reconocidos (Poe, Bronte, Virginia Woolf, Plath) combinados con psicología del tipo El Secreto y Paulo Coehlo en cuadros negros. "Bring me back to life" de Evanescence.

Cuando la popularidad es cuestión de vida o muerte, Charlotte Usher se nos atraganta con un osito de goma y ni muerta desistirá de conquistar al chico que ama.

Ghostgirl será sin duda alguna un éxito más en la nueva ola de lecturas juveniles. Y el nuevo estandarte de los que gustan del negro y rosa.

Para más información visita http://www.ghostgirl.com.mx/ y http://ghostgirl-mex.blogspot.com/

LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES

Por Eudiza Quevedo.


Me había resistido vehemente a caer bajo el embrujo de este nuevo fenómeno editorial sólo por no entrar en la onda borreguera. Todo mundo hablaba de "Los Hombres que no Amaban a las Mujeres" y creía que se asemejaba a Dan Brown y su lectura fácil y sin complicaciones. Pero no, por algo la adicción es mundial. Es un verdadero éxito no sólo en Suecia, la patria del difunto Stieg Larsson, autor de estas obras, sino que Europa entera y ahora América Latina se han rendido ante la rara Lisbeth Salander, la heroína de estas historias.

Pero ¿de qué es de lo que hablan? ¿Qué es Millenium? Es una trilogía de libros de misterio, policiacas las llaman algunos, formada por los siguientes títulos: "Los Hombres que no Amaban a las Mujeres", "La Chica que Soñaba con una Cerilla y un Bidón de Gasolina" y "La Reina en el Palacio de las Corrientes de Aire".

La página de Internet de los libros dice sobre el primer libro de esta trilogía:


"Es la crónica de la guerra interna de una familia, un fresco fascinante del crimen y del castigo, de perversiones sexuales, de trampas financieras, un entramado violento y amenazante entre el que sin embargo crece una tierna y frágil historia de amor. Una historia de amor entre la que será la pareja más memorable de la literatura criminal."

Un dato curioso: Stieg Larsson no llegó a ver la fama que alcanzaron sus obras, las cuales escribió de noche y casi en secreto.

El único inconveniente de esta serie es el altísimo precio: casi $400 por libro. Así es que de seguro conoces a alguien que te lo pueda prestar o de plano haz vaquita con los amigos.

La película está por estrenarse en nuestro país y es una maravilla, no pueden de dejar de verla. Mientras tanto, todavía hay mucho Millenium por leer y prometo contarles más al respecto.

LA PRINCESA Y EL SAPO (THE PRINCESS AND THE FROG)

Director: Ron Clements y John Musker.
País: USA.
Año: 2009.
Género: Animación.
Duración: 97 minutos.
Clasificación: Toda la familia.
Estreno en México: 09 de diciembre de 2009.

Por Dulce Ma. Casasola Mendoza.


Desde el 2004, los estudios Disney habían producido películas de animación por computadora (a raíz de su fusión con Pixar); cinco años después, Disney regresa a sus orígenes de la animación tradicional, dejando de lado las nuevas tecnologías, con el estreno de La princesa y el Sapo.

Con esta película que rompe esquemas en cuanto a la historia se refiere, ya que por primera vez en su historia, la protagonista es una joven de origen afroamericano, los directores de este largometraje, Clements y Musker (Policías y ratones; La Sirenita; Aladino y Hércules), han logrado que la crítica especializada de los Estados Unidos, la coloquen dentro de las diez mejores películas del 2009.

La película está ligeramente basada en la novela “The Frog Princess” (El príncipe sapo), de la autora norteamericana de libros infantiles E.D. Baker. La historia retoma el cuento clásico del príncipe sapo, reflejada como una parodia cómica en tono de fábula.

Ubicada en Nueva Orléans durante la época de la música Jazz, la cinta narra la historia del príncipe Naveen, quien es transformado en sapo por el hechizo de un brujo vudú. Con la esperanza de volver a convertirse en humano con el beso de una bella mujer, busca desesperado el favor de Tiana, una joven negra de clase obrera, quien trabaja sin cesar para cumplir su sueño de tener su propio restaurante. Con tal afán ha olvidado el amor, algo que obsesiona a su millonaria amiga, quien busca cazar a un príncipe que llega a la ciudad. Es entonces cuando Naveen, convertido en sapo, encuentra a Tiana, quien accede a su petición y en un giro inesperado de la historia, Naveen no logra su cometido y en cambio es ella quien se transforma en rana. Los dos protagonistas comienzan una aventura por los pantanos de Louisiana, en busca de alguien que pueda revertir el embrujo. En su camino encuentran nuevos amigos como Louis, un caimán trompetista, y Ray, una luciérnaga empedernida, cuyas voces en canción son del tenor Plácido Domingo.

En la versión latinoamericana la voz de Víctor Trujillo da vida al Dr. Facilier, el malvado brujo vudú quien es el villano de la historia. El cantautor cubano Francisco Céspedes realiza la voz de Louis, mientras que el músico mexicano Jaime López se encargó de adaptar la letra de las canciones al español.

La parte musical estuvo a cargo de Randy Newman, intérprete que ha realizado material para gran cantidad de filmes y ha sido nominado en varias ocasiones para los premios Óscar, ganando en el 2002 con “If I Didn’t Have You” de Monsters Inc. Para La princesa y el sapo, Newman reunió varios estilo musicales como el jazz, el blues, el gospel y el zydeco, además de la presentación de siete nuevas canciones. Aunado a esto, la canción de los créditos finales presenta al artista ganador de tres premios Grammy® Ne-Yo, de Def Jam, quien canta “Never Knew I Needed”.

La película es en realidad un musical (lo que se antoja quizá demasiado largo para los niños más pequeños); pero como todas las películas de Disney, sin que ésta sea la excepción, además de canciones tiene todos los elementos de un buen filme: una historia divertida, llena de acción, emoción, que envuelven al final, una historia de amor.

Sin duda, con este largometraje, Disney cierra el 2009 con broche de oro.

LOS LÍMITES DEL CONTROL (THE LIMITS OF CONTROL)

MUY DESCONCERTANTE!!!

Dirección: Jim Jarmusch.
Reparto: Isaach De Bankolé, Alex Descas, Jean-François Stévenin, John Hurt, Tilda Swinton, Gael García Bernal, Luis Tosar, Bill Murray.
País: USA / España / Japón.
Año. 2009.
Género: Thriller de misterio.
Duración: 116 minutos.
Clasificación: Adolescentes y adultos.
Estreno en México: 11 de diciembre de 2009.

Por Julia Elena Melche.

Alejado de los convencionalismos hollywoodenses, el guionista y cineasta independiente Jim Jarmusch, regresa con otra historia enigmática para introducirse al submundo de seres perdedores y con mala suerte.

El realizador de Más Extraño que el Paraíso (84), Bajo la Ley (86), Noche en la tierra (91) y El camino del Samurai (99), entre otras, introduce a un hombre, conocido como El Solitario, quien llega a España para llevar a cabo un trabajo secreto. Ahí entra en contacto con personajes misteriosos que le entregan claves escritas para realizar su misión.

Jarmusch va armando un fascinante rompecabezas, donde el espectador deberá hacer uso de su imaginación. Si bien, el protagonista se perfila como un asesino a sueldo, el enigma de la cinta radica en los misteriosos personajes que van desfilando por la pantalla, particularmente en torno al desconcertante Hombre Solitario, esperando a sus contactos durante largo tiempo en las cafeterías, con la manía por pedir dos expressos en dos tazas separadas, con su rutina del tai chi como método de relajación y su frialdad mecánica como principal característica.

El filme navega entre la ficción y la realidad, entre la ensoñación y el cine negro, entre el thriller y el road movie. Se trata sin duda de una historia que puede ser muy atractiva para algunos espectadores, mientras que para otros puede llegar a exasperar. Sin embargo, no hay que olvidar que se trata de un director obsesionado por las farsas posmodernas y las visiones alternativas de la realidad. Como en sus películas anteriores, Jarmusch coloca a su protagonista en medio de un camino de exploración y en una suerte de juego de azar.

Un filme visualmente riquísimo, con una magnífica banda sonora y que se mueve de manera precisa para que El Solitario se encuentre con un nervioso violinista (Tosar), una atractiva rubia (Swinton), un mexicano medio desaliñado (García), una mujer seductora (De la Huerta) y un viejo guitarrista (Hurt).

Cabe destacar la inmejorable interpretación del actor de Costa de Marfil avecinado en Francia, Isaach De Bankolé, cuya formidable presencia llena la pantalla.

Una cinta sencillamente desconcertante.

PARÍS (PARIS)

Dirección: Cédric Klapisch.
Elenco: Albert Dupontel, Juliette Binoche, Romain Duris, François Cluzet, Fabrice Luchini, Karin Viard, Julie Ferrier, Mélanie Laurent, Gilles Lellouche, Zinedine Soualem, Audrey Marnay, Annelise Hesme, Maurice Bénichou, Xavier Robic.
País: Francia.
Año: 2008.
Género: Comedia dramática.
Duración: 130 minutos.
Clasificación: Mayores de 15 (Breves referencias sexuales y situaciones adultas).
Estreno en México: 11 de Diciembre de 2009.

Por Fabián Quezada León.

Pierre (Duris) es bailarín y está a la espera de que exista un corazón para que le puedan hacer un trasplante. Como no se ha sentido bien… y de hecho los médicos le han prohibido cualquier clase de ejercicio, su hermana Elise (Binoche) que además es una madre soltera, se muda con sus tres hijos a su departamento para cuidarlo.

Pero al hacerlo Pierre y Elise van a reencontrar que la vida de familia tiene sus bemoles, él ya tenía su mundo y ella tiene el de ella, compaginarlos va a ser una tarea de precisión milimétrica. En este tiempo también Pierre se enamora de Laetitia una compañera de escuela, pero desde luego que hay un maestro que también le tiene echado el ojo a la chica. En esas circunstancias la historia se va a desarrollar teniendo como perfil de fondo la Ciudad Luz.

Además de Pierre y Elise existen personajes entrañables que viven sus vidas en torno a Pierre, el cual tras de su enfermedad va a cambiar la percepción del mundo que lo rodea.

Desde su balcón, observa como se mueve la vida de la ciudad en un regocijo de enredos, encuentros y emociones… Una cinta de reencuentros, de amores, de momentos perdidos, de adioses, de situaciones de vida pospuestas, y realizadas.

LA CAJA (THE BOX)

UNA CAJITA MUY TENTADORA.

Dirección: Richard Kelly.
Reparto: Cameron Díaz, James Marsden, Frank Langella, Michael Zegen y Gillian Jacobs.
País: USA.
Año. 2009.
Género: Thriller de ciencia-ficción.
Duración: 75 minutos.
Clasificación: Adolescentes y adultos.
Estreno en México: 11 de diciembre de 2009.

Por Julia Elena Melche.

¿Qué pasaría si alguien te ofreciera una caja con un botón rojo que con sólo oprimirlo te apareciera un millón de dólares, pero al mismo tiempo se llevara la vida de una persona que no conoces? Es el dilema moral que plantea la reciente cinta de Richard Kelly, inspirada en el relato corto, Botón, botón, de Richard Matheson.

Corre el año de 1976 en el estado de Virginia. Norma Lewis (Diaz) es una profesora que trabaja en un instituto privado y vive con su hijo Walter de 9 años y su marido Arthur (Marsden), ingeniero de la NASA. Una mañana aparece en la puerta de su casa un misterioso hombre con el rostro desfigurado (Langella), quien le ofrece la tentadora caja. La mujer tendrá 24 horas para decidirse si la toma o no y en caso que no hacerlo tendrá que regresarla para que el tipo se la proponga a otra persona.

Sin duda, se trata de una atractiva e inquietante historia acerca de la ética moral del ser humano, entre lo correcto y lo que no lo es. Sin embargo, la trama, sus referencias y simbolismos terminan diluyéndose en un montaje y narración extremadamente confusos, que se alargan demasiado y poco atractivos.

Aparecen apuntes metafísicos, conspiraciones, invasiones alienígenas, los avances tecnológicos de la época, y lo que inicia como un prometedor thriller psicológico, deambula finalmente en una inconsistente mezcla de ciencia-ficción, cine fantástico y película de misterio, donde se hace referencia a alegorías sobre castigos divinos y se retoma el mito de Eva y la manzana, ahora representada en un tentador botón rojo.

El realizador trata de exponer las consecuencias que conlleva el apretar el botón y las cuestiones éticas que encierra el hecho. El problema radica en el pobre desarrollo del planteamiento inicial, aunque se consiguen afortunadas atmósferas de agobio y tensión.

Se trata de una cinta que tuvo un magnífico punto de partida, con base en el relato que la inspiró, pero que decepciona por sus excesivas y artificiosas complejidades.

BUENAS COSTUMBRES (EASY VIRTUE)

Dirección: Stephan Elliott.
Reparto: Jessica Biel, Kristin Scott Thomas, Colin Firth, Ben Barnes, Kimberley Nixon, Katherine Parkinson, Kris Marshall, Charlotte Riley, Christian Brassington.
País: USA.
Año: 2008.
Género: Comedia romántica.
Duración: 93 minutos.
Clasificación: Adolescentes y Adultos.
Estreno en México: 04 de diciembre de 2009.

Por Jorge Cirerol.

Se trata de una comedia romántica de época con tintes dramáticos sobre un aristócrata británico sin oficio ni beneficio que se enamora de una mujer norteamericana que no es bien aceptada por su conservadora familia.

Ubicada en los años veinte a fines de la Segunda Guerra Mundial, la narración inicia en el sur de Francia, como una pelicula muda y en blanco y negro, cuando John Wittaker (Ben Barnes), un joven inglés de buena familia, se enamora de Larita (Jessica Biel), una joven americana viuda y de espíritu libre mismo que demuestra al ser la ganadora del primer lugar en el gran Prix de Monte Carlo -aunque la descalifican por ser mujer-. El color aparece cuando sin medir las consecuencias los jóvenes se casan y mientras hacen su viaje de regreso a la casa paterna en la campiña inglesa, avisan a la familia de su locura.

Cuando se conocen, el contraste no tarda en notarse y se desencadena una guerra entre la recién llegada y Veronica (Kristin Scott Thomas), su suegra -aunque el padre, personificado por Colin Firthy, le de igual que su hijo se haya casado o no-, quien no acepta ese tipo de competencia en su propia casa. Larita, que en apariencia podría ser más superficial que su familia política, demuestra ser la que tiene mejor puestos los pies en la tierra.

Se trata de una adaptación de una de novela de Noël Coward escrita para una obra teatral en 1926 y que fue llevada al cine por primera vez en 1928 por Alfred Hitchcock. Ahora el remake está dirigido por el australiano Stephan Elliott, el mismo de Las Aventuras de Priscila, reina del Desierto, (94), quien después de dos fracasos -Woop Woop (97) y Eye of the Beholder (99)- y de un aparatoso accidente de esquí que lo tuvo al borde de la muerte, regresa con esta historia que co escribe junto con Sheridan Jobbins mostrando significativos cambios en relación a la versión original.

El eje de la cinta estará en el choque de estilos, de voluntades y sobre todo de culturas. La narrativa, nada complicada pero llena de ironía y algo de humor negro, permite captar la realidad social de una época donde las tradiciones y los títulos nobiliarios eran lo que importaba más a las familias inglesas aunque estuvieran al borde de la ruina. Con sus personajes, Elliot hace un interesante retrato de un grupo de personas que no aceptan el modernismo, y se aferran desesperadamente a un pasado que probablemente nunca existió en realidad y del que lo único que permanece es la amargura.

A pesar de la aparente gentileza familiar, la señora Wittaker chocará con su nuera desde el primer momento para liberar su hostilidad a fuego lento. Muchas serán las causas de tal rechazo: primero por ser norteamericana. después, porque la joven es mayor que su hijo, usa pantalones, fuma, por el estilo de su cabello que no es bien visto por la aristocracia, porque conduce autos, es feminista y además estuvo casada y la muerte del esposo no fue muy clara. Pero todo esto no importa mucho a Larita quien pronto se da cuenta que lo que sucede es que el cordón umbilical entre John y su madre aún no se ha roto y ella se encargará de deshacerlo aunque para eso tenga que hacer un sacrificio muy grande.

Acompañada de una banda sonora que mezcla música de Cole Porter con melodías recientes nunca consigue amarrar y su tibio tono permanece en una constante complacencia característica de las cintas de este tipo. Una buena opción para un domingo en casa.

BIENVENIDO A WOODSTOCK (TAKING WOODSTOCK)

Dirección: Ang Lee.
Reparto: Demetri Martín, Henry Goodman, Imelda Staunton, Jonathan Groft, Dan Fogler, Liev Schreiber y Emile Hirsch.
País: USA.
Año: 2009.
Género: Comedia dramática.
Duración: 110 minutos.
Clasificación: Mayores de 15 años.
Estreno en México: 04 de diciembre de 2009.

Por Julia Elena Melche.

En agosto de 1969, el director Michael Wadleigh se trasladó a una granja lechera en el pueblo de Bethel en Nueva York, para realizar un documental sobre el Festival de rock de Woodstock, junto con su equipo de producción, entre ellos el entonces novato Martín Scorsese, quien se encargaría de la edición. El resultado fue un magnífico registro del uno de los acontecimientos culturales más importantes del siglo 20, convertido en ícono de una generación de jóvenes norteamericanos en contra de las guerras y de la política militar de su país, en un abierto rechazo al sistema, que pregonaba la paz, el amor libre, la vida en comunas y el ecologismo, y que mereció el Premio de la Academia como Mejor Documental en 1970.

Cuarenta años después, el dos veces ganador del Oscar, como Mejor Director por Secreto en la Montaña (05), y a la Mejor Película Extranjera por El Tigre y el Dragón (00), el taiwanés Ang Lee, decide asomarse al famoso festival de "tres días de paz y música" en Bienvenido a Woodstock, una crónica de los preparativos y del espíritu que se respiró antes de su celebración, "tomando" la idea del Woodstock de Wadleigh como punto de partida, incluso trasladando su mismo estilo visual, división de la pantalla para varios puntos de vista.

Lee se basa de manera libre en las memorias de Elliot Tiber, un joven pintor que tuvo un importante papel involuntario en los hechos cuando en el verano del 69 regresa de Nueva York al lado de sus padres para ayudarlos a salvar su viejo motel llamado El Mónaco que está hipotecado. Cuando se entera que el poblado vecino retiró el permiso para la realización de un concierto de música rock, el chico se pone en contacto con los organizadores, entre ellos el productor Michael Lang, para conseguir la autorización de los lugareños y llevar a cabo el evento.

Más que el desarrollo del concierto, lo que presenta el director son sus orígenes y una descripción superficial día a día; las negociaciones de los empresarios para rentar el terreno, la escasez de alimento, los problemas de alojamiento, la manera en que Elliot (Demetri Martín) aprovecha todo esto para obtener dinero y salir de la deuda familiar y finalmente la ruidosa y colorida llegada de los miles de asistentes. Con canciones de Joan Báez y Janis Japlin, quienes por supuesto nunca aparecen en escena, la cinta recoge la lucha de Elliot por aceptar su homosexualidad, su primer viaje psicodélico con LSD y la forma en que el encuentro con este movimiento hippie y su concepto de libertad le cambia la vida.

Mediante un breve repaso histórico, hay señalamientos sobre la igualdad de derechos de la mujer, de la guerra de Vietnam y del conflicto árabe-israelí, aunque el relato nunca llega demasiado lejos. En cierto modo, es un nostálgico homenaje a una generación llena de buenos ideales e ingenua y soñadora a pesar de las drogas, que se encamina mayormente hacia la épica amable e intimista que a la lectura social, haciendo a un lado una observación profunda de la contracultura de la época.

ASESINO EN CASA (THE STEPFATHER)

Dirección: Nelson McCormick.
Reparto: Dylan Walsh, Sela Ward, Penn Badgley, Amber Heard, Sherry Stringfield, Paige Turco, Jon Tenney, Nancy Linehan Charles, Marcuis Harris, Braeden Lemasters.
País: USA.
Año: 2009.
Género: Thriller.
Duración: 101 minutos.
Clasificación: Adolescentes y Adultos.
Estreno en México: 11 de diciembre de 2009.

Por Jorge Cirerol.

Siguiendo con la permanente fiebre de hacer remakes, ahora toca el turno a Asesino en Casa, nueva versión de una cinta ochentena que llevó el título de El Padrastro, dirigida por Joseph Rubens y que es considerada de culto dentro del género de los thrillers.

La película, dirigida por Nelson McCormick, inicia en un tranquilo barrio de Salt Lake City en Utah, donde un hombre después de teñirse el cabello se baña tranquilamente, se afeita, se pone unos lentes de contacto, y se viste para iniciar su día como cualquier otro. Mientras se prepara algo de desayunar el lente de la cámara se abre poco a poco para mostrar un macabro espectáculo de varios cuerpos ensangrentados en diversas partes de la casa.

Luego de esta escalofriante premisa, el hombre, a quien conoceremos como David Harris (Dylan Walsh) vuelve a aparecer en un supermercado de Oregon mientras hace algunas compras. Accidentalmente se topa con Susan Harding (Sela Ward), una mujer divorciada con tres hijos, con la que de inmediato tiene buena química.

Seis meses después, el mayor de los hijos de Susan, Michael (Penn Badgley), está de regreso después de haber terminado su adiestramiento en una escuela militar. Su novia Kelly (Amber Heard) va por él al aeropuerto y en la casa lo esperan familiares y amigos para festejar con él el feliz regreso. En ese momento se entera que su madre se ha vuelto a casar. Su padrastro es David.

Viendo feliz a su madre, Michael trata de aceptar su decisión sin embargo diversas situaciones hacen que el joven sospeche de que su padrastro no es la persona que dice ser, por lo que empieza a investigar arriesgando con esto la vida de todos en su casa.

Este largometraje cargado de intriga más que de terror, construye el suspenso de su trama con gran lentitud a medida que avanza la película. Muestra desde el principio a un hombre trastornado, un hombre que en su afán de encontrar a la familia perfecta lo han convertido en un asesino serial cada vez que sus planes se desmoronan. Posiblemente si se hubiese omitido todo el principio se habría evitado que la película extravíe el interés con lo previsible ya que con eso, el espectador sabe lo que viene, sólo es cuestión de tiempo.

McCormick, quien no es nada ajeno a este tipo de propuestas, como lo muestra en Noche de Graduación Sangrienta (08) o Mentes Cautivas (02) no logra superar sus anteriores trabajos. Se vale de varios asesinatos en el inter por parte de David para mantener oculta su identidad del psicópata. Hace uso de muchos clichés del género como golpes de sonido, apariciones y desapariciones del demente asesino cuando uno menos se lo espera, así como momentos shock, aderezados con escenas entre Michael y Kelly con poca ropa para dar el toque sensual y evitar que el espectador se aburra.

Aunque de la policía que al principio está investigando el caso nunca se vuelve a saber nada, su apresurado final con algo de acción, persecuciones y revueltas, sólo busca rematar con una conclusión interesante. Sin embargo ocurre lo contrario. Todo esto lanza por la borda el poco entretenimiento que consigue y termina por convertirlo en otro thriller más que no logra superar por mucho a la película original. Con todo, McCormick la deja preparada para una posible secuela.

PAR DE COLMILLUDOS (OLD DOGS)

Director: Walter Becker.
Reparto: John Travolta, Robin Williams, Kelly Preston, Conner Rayburn, Ella Bleu Travolta.
País: USA.
Año: 2009.
Genero: Comedia.
Duración: 88 minutos.
Clasificación: Toda la familia.
Estreno en México 27 de noviembre de 2009.

Por Fabián Quezada León.

Dan (Williams) y Charlie (Travolta) son los mejores amigos y han trabajado juntos ascendiendo hasta tener al alcance su sueño dorado, realizar negocios con una firma japonesa. Dan es un tipo que ha tenido digamos que mala suerte en el amor y ahora está divorciado, mientras que Charlie es el soletero parrandero incurable.

Ambos han sido tan amigos que han compartido las experiencias más bizarras juntos y han sobrevivido. Todo parece marchar de maravilla y en sólo un paso más, un futuro brillante lleno de sueños alcanzados se extiende ante sus ojos

Pero, repentinamente su mundo se colapsa con la llegada de los desconocidos hijos gemelos de Dan a los que la pareja de amigos debe cuidar mientras su madre pasa una semana “a la sombra” por protestar civilmente.

Hasta ahí la trama podría con muchos esfuerzos sonar medianamente divertida propia para el típico domingo de tirarse a ver “lo que sea” hartándose de palomitas y cerveza… y a lo mejor la versión en inglés es menos patética que la doblada al español… pero esta última resulta una verdadera tortura maquiavélica de poder tolerar.

Travolta y Williams están desperdiciados no al 100 ni al 500% …. Digamos en cálculos conservadores, al 1000% la trama es de una bobería estruendosa y la premisa de que un hombre deje un jugosísimo contrato con una empresa a la que ha perseguido, por dedicarse a ser el niñero de dos “angelitos” a los que apenas conoció es…. Por mucho, más fantasioso que creer en superman.

Sin más aceptar la progenie de dos creaturitas fruto de “one night stand” es no digamos irresponsable, sino que abiertamente pregona una actitud de un descerebrado.

Los momentos de gag de la película son metidos con calzador y los chistes son más viejos que la abuelita de matusalén. (En su descarga quiero pensar que la versión en inglés pueda tener más sentido….) bromas sobre excremento, estallidos, racismo, discapacidades físicas e incendios… y hasta “pupú” de perro

Evidentemente la cinta es un “divertimento” familiar (que divirtió solamente a la familia Travolta, sea dicho de paso) pues la familia de John participa activamente: su esposa Kelly, y su debutante hija Ella forman parte del reparto.

Como es de esperarse para condimentar dignamente esta catástrofe, el segmento “inserte lagrima aquí” tiene su apoteósico momento cuando un fracasado Dan descubre que debe tirar toda su vida laboral al tambo, para obtener una familia (aquí si se puede morir de risa…) ¿es que acaso no existe un termino medio? O ¿a fuerza para tener una exitosa vida profesional se debe renunciar absolutamente a la familia?... Solo esperemos que cuando los pilluelos lleguen a la Universidad, sigan considerando que su papi hizo lo mejor al abandonar su próspera vida ejecutiva…

JUEGOS INOCENTES

Dirección: Adolfo Martínez Orzynski.
Reparto: Ignacio Riva Palacio, Abril Reyes, Eréndira Ibarra, Alan Fernando, Alberto Reyes, Oswaldo Zárate, Paola Galina, Miranda Núñez, José Alonso, Lourdes Munguía.
País: México
Año: 2007.
Género: Drama
Duración: 90 minutos
Clasificación: Mayores de 18 años (escenas de sexo, desnudos, violencia, uso de drogas y alcohol).

Por Fabián Quezada León.

Un grupo de estudiantes de prepa pasan un fin de semana salvaje en Cuernavaca en casa de uno de ellos. La fiesta comienza tranquila pero a medida que el uso de sustancias prohibidas aumenta, aumenta el desorden y el caos. Cuando un pervertido vecino va a silenciar el escándalo no imagina lo que va a suceder.

Una cinta más de los problemas juveniles en el uso de drogas y alcohol. Los personajes son estereotipos de tal densidad que no son capaces de salirse del apretado molde prefabricado que les impone el guión.

La fotografía es pobre y el tema por demás absurdo y gastado. Ya hemos visto ad nauseam los excesos de los jóvenes de la clase alta de este país, pero singularmente no hemos visto una propuesta de solución al problema de los desmanes. Juegos Inocentes se queda en el mismo nivel de todas las demás cintas que vez tras vez nos dicen lo pervertidos que son los chavos y la cuestión sería preguntar más allá de presentarnos a la gente borracha y drogada … plus desnuda, esta cinta deja algo más?.... no.

Los temas del abuso de droga y alcohol no son nada nuevo, los hemos visto desde Jauría Humana hasta Less than Cero o Trainspotting… pero de esas a Juegos Inocentes hay un abismo.

Y la cosa es que si, sabemos que esas “fiestas inolvidables” se dan, no sólo entre los altos estratos de la sociedad en México, sino entre todas las clases sociales, el problema de las adicciones es una realidad y merecería un tratamiento decente, no una simple colección de malas situaciones y tomas de “bebamos hasta pisarnos las manos” y de paso “calentemos el ambiente con escenas de sexo”.

Una vez más la policía es retratada como un ente corrupto, los vecinos gay son una pareja de yonquis postdatados y el vecino “pervertido” es un macho adicto que maltrata a su mujer que en lugar de saltar de júbilo cuando ve que no regresa… ¡llama a la policía!

Los personajes de los jóvenes que armaron una destrucción hogareña peor que en cualquiera de las películas gringas de frat houses demuestran que es menester en el cine que retrate a los muchachos mexicanos ponerlos con el nivel intelectual de un mosquito al tratar de deshacerse del cuerpo del delito…

Una cinta que flaquea por donde se le mire. Aún así, si quieres verla es bajo tu propio riesgo… no digas que no te lo advertimos.

EL SARCÓFAGO

Dirección: Ekachai Uekrongtham.
Reparto: Karen Mok, Ananda Everingham, Napakpapha Nakpasitte, Andrew Lin, Suchao Pongwilai, Tassawan Seneewongse, Aki Shibuya
País: Corea del Sur / Tailandia / Singapur / USA.
Año: 2009.
Género: Terror.
Duración: 86 minutos.
Clasificación: Mayores de 18 años.
Estreno en México: 27 de noviembre de 2009.

Por Jorge Cirerol.

Desde hace algunos años, los países asiáticos han estado a la vanguardia en cuanto a producciones de cine terror. Sin embargo ahora es Tailandia quien quiere ponerse la corona que han peleado duramente Japón y Corea, con propuestas frescas y provocadoras que exploran nuevos estilos expresivos que les permita captar mayor número de mercados internacionales.

Aprovechando sus historias y leyendas en las que los seres terroríficos siempre están presentes, es que llega El Sarcófago, un filme que busca seguir los pasos de Shutter (04), ópera prima de los realizadores Banjong Pisanthanakun y Parkpoon Wongpoom, película representativa del terror tailandés, que ha sido bien recibida en los festivales de cine fantástico y de terror en los que se ha presentado.

Por un lado está Chris (Ananda Everingham), un arquitecto quien se encuentra desesperado al ver a su novia en estado de coma por un problema cerebral. Y por el otro Sue (Karen Mok), una nutricionista hongkonesa que visita Tailandia y quien mantiene en secreto el tumor que padece. Los dos han recurrido a todos los métodos convencionales; el primero para que su novia recupere la salud y la segunda para erradicar el cáncer que sufre, pero ninguno les ha funcionado. Es por esto que deciden participar en un bizarro ritual tailandés que consiste en ser enterrado en un ataúd durante varios días mientas un grupo de monjes les rezan, para burlar a la muerte y deshacerse de la mala suerte que les rodea.

Con estos antecedentes donde el ataúd es el principal protagonista del filme, se desarrolla una historia que podría ser tema excelente para National Geografic, eliminando desde luego la parte fantasmal y terrorífica. Aquí, Chris y Sue, superando sus miedos experimentan lo que podría ser un milagro en sus vidas mientras forman parte del muy participativo rito ancestral. Sin embargo, ante este relato sobre la belleza de la vida y la muerte, no quedan exentos de ser víctimas de una serie de extraños hechos sobrenaturales y pavorosas apariciones que buscan hacerles daño.

Ekachai Uekrongtham, realizador que fue conocido en varios países por la cinta, Beautiful Boxer (04), en la que comprometía a un boxeador tailandés transvertido en busca de su identidad sexual, y posteriormente con Pleasure Factory (06), drama intimista sobre la zona roja de Singapur, es el encargado de dirigir este thriller sobrenatural que destaca sobre todo por una fotografía preciosista a cargo de Choochart Nantitanyatada.

Utilizando todos los recursos fílmicos que tiene a su alcance como la musicalización, el montaje así como los efectos especiales y golpes de sonido, el director busca incansable envolvernos en un clima de constante sorpresa en un intentando de atrapar y, en muy pocas ocasiones, de asustar al espectador, pero el poco peso de un guión predecible y aburrido no le ayuda mucho.

MORENITA EL ESCÁNDALO

Dirección: Alan Jonsson Gavica.
Reparto: Ignacio López Tarso, Maya Zapata, Horacio García-Rojas, Everardo Arzate, Dagoberto Gama, Ianis Guerrero, José Carlos Ruiz, Alfredo Sevilla, Mario Almada, Pedro Weber `Chatanuga´.
País: México.
Año: 2008.
Género: Thriller.
Duración: 92 Minutos.
Clasificación: Mayores de 15 años (Violencia).
Estreno en México: 27de noviembre de 2009.

Por: Fabián Quezada León.

Cuando su abuelo Santiago necesita una cirugía, Mateo, un joven pintor y experto entrenador de palomas mensajeras, vende 42 de sus palomas a Damián, alias “El Pinto” un narcotraficante sumamente peligroso.

“El Pinto” pone a las palomas a trabajar, pero estas fallan ocasionando una pérdida millonaria, por lo que la venganza de “El Pinto” no se hace esperar; tortura a Mateo y le da un ultimátum; deberá de recuperar el dinero en un lapso de cinco días o él y su familia morirán. Desesperado, Mateo ayudado pro su abuelo, decide llevar a cabo el robo más grande de los últimos 500 años.

Una cinta más sobre la violencia, la corrupción y el desenfrenado comercialismo en torno a la figura de la pobre Virgen de Guadalupe, quien, si cobrara regalías por cada vez que los medios y las producciones nacionales la usan en sus programas, sería más millonaria que JK Rowling.

La cuestión es que sobre una buena anécdota se construye una parafernalia de cosas desagradables de México. Y no es que se niegue la situación del país, ni se quiera cerrar los ojos ante la realidad, pero la cuestión es que ya se ha ventilado tanto, que se comienza a aparentar que “esa” es la verdadera y la única salida, el camino del narcotráfico, la tranza y la comercialización. ¿Será?

Como se ha dicho, Mateo vende sus palomas para que se pongan a trabajar de “mulas” transportando droga, y una sencilla primera pregunta es: ¿acaso existe un traficante tan inocente como para confiar millones de dólares a una parvada de palomas?

Concediendo la duda, ¿Existen narco comerciantes que se toquen el alma con sus deudores?¿De verdad hay quien se trague la blandura de las interrogaciones de un departamento policiaco que el cine y la cinta misma se han encargado de poner como una sucursal del infierno en la tierra?

Si pensabas que lo habías visto todo… espérate a llegar a la parte de “El Virgentón”… es la aberración más grande de la trama… para no mencionar que la “cooperación” que los narcos ofrecen por la Virgencita es casi una grosería. ¿Era esto un gag?

En fin… Pero la cinta es audaz, y mucho. No solo consiguió el permiso para filmar en la Basílica a puerta cerrada, lo que llama la atención es que bajo el aire de una farsa, no deja bien parada a la iglesia, a la policía, ni al pueblo mexicano… porque de entrada se le presenta como una masa de zombies que no hacen nada más que juntarse para pagar el rescate… Aunque la campaña de recolección de fondos suene más falsa que un billete de dos pesos… La gente paga a un ladrón/secuestrador para que le devuelva algo que por principio de cuentas no le pertenece, aunque todos sepan por sobreentendido que grandes tajadas de dinero van a ir a parar en la aceitada para que el sistema funcione…

Porque de cualquier manera la corrupción somos todos y cada quien está buscando hacer negocio; desde el ladrón, hasta el alto funcionario, todos roban, unos a otros y todos a todos.

La resolución final del conflicto es fuera de toda proporción, los malos terminan aniquilándose al cien por ciento entre ellos (como si eso fuera posible…) y los menos malos dan marcha atrás.
Pero no todo es desaprovechable en esta película, La cuestión es que sí enseña algo: dar marcha atrás, igual que el buen ladrón, al momento de decidirse a verla. Ese sí sería un milagro de la niña del Tepeyac.

PLANET 51

Director: Jorge Blanco.
País: España.
Año: 2009.
Género: Animación.
Duración: 91 minutos.
Clasificación: Toda la familia.
Estreno en México: 27 de noviembre de 2009.

Por Dulce Ma. Casasola Mendoza.

La película de animación más cara del cine español Planet 51, llega a las pantallas de los cines mexicanos.

Escrita por Joe Stillman, guionista nominada al Oscar por Shrek (Adamson y Jenson, 01), dirigida por el cineasta Jorge Blanco, esta original aventura alienígena cuenta la historia del astronauta Capitán Charles “Chuck” Baker, quien aterriza en el Planeta 51. Creyendo ser el primero en pisar su superficie , descubrirá para su sorpresa que ya está habitado por unos curiosos seres verdes que viven en un mundo que recuerda a los Estados Unidos de los inocentes años 50, sumidos en la paranoia de una inminente invasión alienígena. Con la ayuda del joven Lem y sus amigos, Chuck intentará regresar a su nave antes de ser capturado. La cinta incluye guiños a hitos del cine fantástico como E.T. o Alien, con la presencia de un ‘perrito’ de sospechoso parecido con la criatura del filme de Ridley Scott. Javier Abad, el co-director del filme, lo describe como «un Expediente X a la inversa, en el que los humanos somos los alienígenas.

La película cuenta con las últimas tecnologías de vanguardia y con un presupuesto de más de 40 millones de euros, lo que la convierte en el proyecto más caro de la historia del cine español; para su realización se contó con el trabajo de aproximadamente 250 diseñadores e ingenieros quienes por siete años trabajaron en la realización de la cinta; además para reforzar el lanzamiento mundial de la película, los estudios cinematográficos Ilion Animation Studios, ya están trabajando para el lanzamiento del videojuego de Planet 5| y en diversas aplicaciones y contenidos para teléfonos celulares.

Aunque en Estados Unidos ha sido fuertemente criticada por la prensa especializada, (quizá porque a los norteamericanos siempre les gusta ser los mejores y aquí no lo son); la película es bastante original, partiendo del punto que ahora los humanos somos los alienígenas invasores; además del excelente trabajo de doblaje hecho para Latinoamérica; el ritmo no decae y las escenas de acción están muy bien logradas, lo que mantiene al público atento en todo momento, además de los chistes que hacen reír a todos los espectadores.

Una muy buena opción para toda la familia.

LUNA NUEVA (NEW MOON)

Dirección: Chris Weitz.
Reparto: Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, Ashley Greene, Rachelle Lefevre, Billy Burke.
País: USA.
Año: 2009.
Género: Ciencia Ficción / Romance / Suspenso.
Duración: 121 minutos.
Clasificación: Mayores de 13 años (Escenas de violencia y acción)
Estreno en México: 20 de noviembre de 2009.

Por Fabián Quezada León.

Luna Nueva es un fenómeno por donde quiera que se le mire, difícilmente se podría hablar de alguna otra serie cinematográfica que haya suscitado tanto furor entre las mujeres adolescentes (y algunas no tanto) en todo el planeta. Sin duda resulta interesante y llamativo el hecho de que todo esto es y será producto de una de las más brillantes -y bien llevadas a cabo-, campañas de marketing cinematográfico. Desde la primera entrega, aún en libro, Crepúsculo ha desatado las pasiones y la erupción volcánica del romanticismo hormonal; vampiros, hombres lobo, y el insondable abismo de la depresión amorosa adolescente. (¡una combinación ganadora!).

Esta es una de las secuelas más esperadas del año y miles de chicas alrededor del mundo han chillado enardecidamente sólo de ver los escasos segundos de los cortos...ahora por fin, la espera ha terminado -y la preventa agotada para la función de estreno lo confirma-.

La base de una buena cinta es una buena historia; La saga completa de crepúsculo es todo, menos una historia de una calidad lietraria excepcional, sin embargo su mérito es que pega donde debe de pegar, no deja un ápice al descubierto en su público objeto, eso es absolutamente cierto. La psique amorosa de las adolescentes se verá imbuída por la depresiva atmósfera y los siempre nublados y sombríos días en Forks. El desencanto del amor perdido (y peor aún del amor que se ha ido para no regresar) y la absoluta tentación de dejarse llevar por la atracción de otro “prospecto” moverán todos los resortes adecuados para llevar al arrobamiento a sus fans.

La cinta, indiscutiblemente tiene un público objeto, está hecha por y para el éxtasis de las fans. El dolor del abandono, el amargo sabor del amor ausente, los atentados por desafiar el recuerdo y la cordura, y la volcánica presencia del “mejor amigo que quiere dejar de serlo” caen parados con precisión milimétrica en su sitio. La cámara vaga de aquí para allá dándole un movimiento visual envolvente a la película y la música complementa de manera perfecta esta especie de cataclismo dramático/hormonal/romántico/desahuciado.

La trama es conocida de antemano por todos los fans, Bella y Edward se separan y Jake entra en escena descubriendo dos de los plots que van a seguir hasta el final de la saga: el secreto de los indígenas quiluetes y por el lado chupasangre, la dinastía de los Volturi.

Bella, luego de que Edward la abandona, se sumerge en una depresión casi catatónica mientras va en contra de todo lo que podría ser la cordura con la intención de auto aniquilarse para poder contemplar a su amado ausente. Jake llega al rescate y la señorita Swan se ve dividida entre dos amores.

Stephenie Meyer encontró la fórmula mágica y el arrobamiento de las fans hizo el resto. Bella Swan (Stewart) con su casi dark presencia y actitud, se ha construido como una icónica heroína correspondiente al cien a su afición romántica con seres “extraordinarios” ; no es frágil, y sin embargo se desmorona por la depresión, es fiel pero se ve tentada por otra relación y se yergue como el eje central de toda la cinta. Edward (Pattinson) casi desaparece y deja entrar perfectamente al quite a Jake (Lautner) que valga decirlo, le metió durísimo al ejercicio para quedarse con el rol… Todo para complementar un oscuro triángulo romántico que va a hacer estremecer a las seguidoras (además por que en la trama no se pierde la ocasión para mostrar que Jake y sus amigos viven descamisados enseñando el abdominal de ocho cuadritos y los bíceps hiperdesarrollados…)

La película tiene dos partes muy reconocibles, en la primera se alarga, (y casi podría decir se regodea) el sufrimiento de la decepción amorosa y la lenta y dolorosa reestructuración del amor, aquí abundan las escenas largas con tomas en las que la cámara gira en sí misma para aletargar y hacer más patente la "depre" de Bella Lla música aprieta como torniquete para evitar que la víctima se desangre por completo… para llegar a la segunda mitad con el aliento suficiente para contemplar la acción, peleas, recuperaciones, desafíos vampiricos y arriesgues de vida en aras de “reencontrar al amor”. Y aunque la acción es continua es una acción aletargada por las tomas en cámara lenta, las confesiones y el pie a la siguiente cinta, a los plots y personajes que van a seguir enmarañando este mundo de Bella y Edward se plantan justo aquí como si sólo estuviéramos contemplando un corte a comercial para la siguiente entrega.

Sin duda la saga de Crepúsculo vino a dar un giro interesante a la manera en la que el romance postmoderno es concebido, con ciertos tintes de oscuridad, peligro y muerte, pero a la vez, resaltando que ninguna mujer es inmune a los encantos de un cortejo cuidadoso. No importa la rapidez y lo inmediato que se viva en los “dosmiles”. La fragilidad del compromiso, la velocidad en las relaciones y la aparente pérdida del romance alrededor de la figura del vampiro (sin importar lo emo que pueda parecer o la caricatura de su verdadera esencia), así como su irresistible seducción, está basada y en mucho, en su anacronismo, su inmortalidad, su letal peligrosidad y la perspectiva asegurada de que ese amor, al menos… si es eterno.