TALENTO EMERGENTE: NUNCA VAS A ESTAR SOLO.

El cineasta chileno Alex Anwandter se inicia como director con una cinta que ha circulado por el mundo y que está inspirada en un controvertido caso real.

El filme aborda la difícil relación de un joven gay con su padre, en medio de un mundo marcado por la discriminación y encierra un duro alegato contra la homofobia.

En 2012, Daniel Zamudio —de tan sólo 24 años— fue atacado violentamente por un grupo de agresores en un parque de Santiago de Chile. Veinticinco días después, murió a causa de la gravedad de las heridas. La razón del asesinato: su homosexualidad. A partir de entonces, su nombre pasó a ser el símbolo en contra de la violencia homofóbica en Chile.

El realizador Alex Anwandter se ha basado en este triste episodio para la realización de su ópera prima Nunca vas a estar solo (2016), película que podrá apreciarse en la Cineteca Nacional del 5 al 10 de octubre como parte de la segunda edición de Talento Emergente.

El joven realizador eligió a un personaje secundario, el padre del adolescente gay, para contar una historia queer en la que se refleja la realidad de un mundo donde la discriminación y la hipocresía están vigentes. Así, vemos que tras un violento ataque a su hijo adolescente, Juan deberá luchar entre pagar los altos costos médicos de su hijo y un último intento por convertirse en socio de su jefe. Este proceso lo obligará a descubrir que el mundo que creía conocer está lleno de discriminación y violencia.

Ganadora del Teddy Especial del Jurado a la Mejor Película en la pasada Berlinale, Nunca vas a estar solo significa la incursión en el largometraje de Alex Anwandter, quien en su cinta buscó llamar a la conciencia luego de la tragedia que selló la vida del joven Daniel Zamudio.

“Para mí es decepcionante el interés un tanto morboso que hay en Daniel comparado con la poca voluntad que hay para tratar más profundamente el tema de la discriminación. Mi interés no es en Daniel en particular, es el combatir la violencia que sufrió para que otros jóvenes no vuelvan a sufrirla”, comentó el director en entrevista para Noisey.

La primera mitad del filme se centra en Pablo, quien irá revelando su sexualidad de forma pública y, lo sabrá después, arriesgada. Su mundo privado es su habitación, donde comparte sus intimidades con su amiga Mari. Después de que su hijo es brutalmente golpeado y queda en coma, Juan toma conciencia no sólo de la sexualidad de su hijo, sino de la negligencia del sistema de salud en Chile y de la hipocresía de la sociedad.

En su crítica para Cinerama Plus, Guillermo Colantonio comentó que la película de Anwandter expresa la mirada sobre un Chile que no se conoce, en la que “la ciudad nunca pasa de una mirada gris, somnolienta, producto de una realidad oprimida por la rutina y las dificultades diarias. No hay dinero para solventar los gastos y no hay cárcel para los agresores (la homofobia no se condena)”.

Alex Anwandter es cantautor y músico, además de productor y realizador. Comenzó como integrante de la banda Teleradio Donoso, en la que dirigió videoclips. Tras la disolución del grupo, realizó dos proyectos en solitario, entre ellos un álbum en conjunto con Daniel Riveros (Gepe). Daniel Zamudio, el joven asesinado, se declaraba fan de su música. Alex, en shock por su muerte, asumió ser portavoz en la lucha por los derechos de las minorías sexuales.

Premios y festivales.

2016. Teddy Especial del Jurado a la Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Berlín, Alemania. Premio del Público y Premio a la Mejor Actuación de la Competencia de Cine Chileno (Sergio Hernández) en Santiago Festival Internacional de Cine (SANFIC), Chile. Gran Premio del Jurado al Mejor Largometraje Iberoamericano en el Festival Internacional de Cine de Seattle, Estados Unidos. Premio a la Mejor Película en el Festival de Cine LGBT de Tel Aviv, Israel. Selección Oficial de la sección Premio Maguey en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara, México. Selección Oficial de la sección Another View en el Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary, República Checa.

EL DIRECTOR.

Dirección, guión y música: Alex Anwandter.

Reparto: Sergio Hernández (Juan), Andrew Bargsted (Pablo), Jaime Leyva (Félix), Antonia Zegers (Ana), Astrid Roldán (Mari), Edgardo Bruna (Bruno), Gabriela Hernández (Lucy), Benjamín Westfall (Martín).

País: Chile.

Año: 2016.

Género: Drama.

Duración: 82 minutos.

NUNCA VAS A ESTAR SOLO SE EXHIBE EN EL MARCO DE “TALENTO EMERGENTE” EN LA CINETECA NACIONAL DEL 5 AL 10 DE OCTUBRE DE 2016.

Consulta toda la información de la segunda edición de Talento Emergente en el micrositio: http://www.cinetecanacional.net/micrositios/talento_emergente2/

TALENTO EMERGENTE: LA NOCHE (THE NIGHT/YE)

Aclamada en la Berlinale, la ópera prima del chino Zhou Hao, contiene guiños a las obras de R. W. Fassbinder y Wong Kar-wai, e ilustra un triángulo erótico entre un travesti, una prostituta y un cliente enamorado.

No pocos han sido los casos en que la visión de un cineasta rebase sus límites económicos. Las restricciones financieras no detuvieron a Rainer Werner Fassbinder para consolidar sus primeros cortometrajes, que sacó adelante gracias a sus colegas del teatro y al uso de fondos propios. Este modelo de producir películas sigue muy vivo y uno de los nuevos talentos en la escena cinematográfica de China sigue los pasos del alemán en algo más que la precariedad de sus inicios.

Con un presupuesto prácticamente nulo y con la ayuda de sus compañeros de escuela, el joven director chino Zhou Hao realizó La noche (Ye, 2014), un relato erótico e introspectivo que se presentará en la Cineteca Nacional del 5 al 10 de octubre en el marco de la segunda entrega de Talento Emergente.

Al momento de concluir la producción del filme, el realizador tenía sólo 21 años y, dado al reducido número de recursos con los que contaba y a la naturaleza íntima de su relato, se encargó asimismo de interpretar el papel protagónico. Nardo es el pseudónimo con el que su personaje se enmascara ante la calle, siguiendo el acuerdo al que llega con la nueva prostituta de su barrio, Narciso, de llamarse con nombres de flores.

Como el apodo de la chica lo señala, el tema del narcisismo es uno de los ejes alrededor del cual gira la narración de La noche. Entre las secuencias callejeras y encuentros amorosos está intercalado el interminable duelo entre Nardo y su espejo: el joven se mira, se prueba distintas camisas, se baila, se coquetea y se evalúa en un ritual necesario para salir a dominar su mundo nocturno.

El símil entre Zhou Hao y Fassbinder ha sido referido por los pocos críticos que tuvieron la oportunidad de ver el filme en la sección Panorama del 64 Festival Internacional de Cine de Berlín o en el Festival de Cine Independiente de China del mismo año. Todos encontraron la cualidad disidente que distinguía al autor germano, así como el predominio de la temática sexual en sus argumentos y personajes.

De igual manera, la influencia del estilo de Wong Kar-wai es evidente por el lenguaje sensual, la narración en primera persona y el uso del espacio metropolitano como extensión de las reuniones carnales entre extraños. "Con una selección muy limitada de locaciones, un fuerte impacto visual y una serie de referencias (cinematográficamente, del Fassbinder de Querelle al hongkonés Wong Kar-wai; literariamente, una serie de autores de la mitología griega), demuestra perfectamente el metabolismo de manera personal", escribió Roberto Rippa para Rapporto Confidenziale.

La película fue grabada con tan sólo dos cámaras DSLR y, como resultado de ello, la fotografía de Yang Zhan Wen —quien también fungió como editor y sonidista— en el oscuro lugar de trabajo de Nardo y Narciso quedó teñida de un tono ámbar que, lejos de intentar un estilo sofisticado, refuerza la imagen ordinaria y cruda que caracteriza al trío de personajes y al lugar en donde viven.

Luego de su estreno en la Berlinale, en donde también estuvo nominada al Premio a la Mejor Ópera Prima, La noche ganó el Premio de la Crítica en el Black Movie Film Festival y fue nominada al Premio FIPRESCI en el Festival Internacional de Cine de Hong Kong.

Premios y festivales.

2014. Selección Oficial de la sección Panorama en el Festival Internacional de Cine de Berlín, Alemania. Proyección Especial en el Festival Internacional de Cine de Hong Kong, China. Selección Oficial en el Festival Internacional de Cine Queer de Lisboa, Portugal.

2015. Premio de la Crítica en el Festival de Cine Black Movie de Ginebra, Suiza.

EL DIRECTOR.

Dirección, guión, edición y producción: Hao Zhou.

Fotografía: Yang Zhan Wen.

Reparto: Hao Zhou (Nardo), Liu Xiao Xiao (Narciso), Li Jin Kang (Rosa), Zhou Feng Qi (El Pretendiente).

País: China.

Año: 2014.

Género: Drama.

Duración: 95 minutos.

LA NOCHE (THE NIGHT/YE) SE EXHIBE EN EL MARCO DE “TALENTO EMERGENTE” EN LA CINETECA NACIONAL DEL 5 AL 10 DE OCTUBRE DE 2016.

Consulta toda la información de la segunda edición de Talento Emergente en el micrositio: http://www.cinetecanacional.net/micrositios/talento_emergente2/

TALENTO EMERGENTE: BANG GANG: UNA HISTORIA DE AMOR MODERNO.

La ópera prima de la realizadora francesa Eva Husson evita la mirada sensacionalista y los juicios morales para retratar los inestables afectos de la juventud contemporánea.

La desinhibición, las nuevas experiencias, la rebeldía, la atracción por lo prohibido, los deseos desmedidos y la juventud como paradigma son el territorio de exceso, fantasía y crudeza que presenta Bang Gang: una historia de amor moderno (2015), el primer largometraje de Eva Husson, el cual se suma a la programación de Talento Emergente 2016 y podrá disfrutarse del 3 al 8 de octubre.  

Son días de invierno en un instituto de Biárritz, Francia. George, la chica más popular de la escuela, se enamora de Alex. Para llamar su atención decide empezar un juego colectivo con sus amigos más cercanos: el Bang Gang, un curioso pacto donde llevarán al límite su sexualidad. Nutrido por las redes sociales y las drogas, el Bang Gang pronto se convierte en un acto en el cual participan varios compañeros del instituto.

El filme explora las confusiones y dudas de un grupo de adolescentes inmersos en el mundo virtual. Cada uno de sus protagonistas se ocupa de este intenso periodo de forma radical, en medio de escándalos, amores y un transgresor sistema de valores.

Sin juicios morales, la película descifra los inestables afectos de la juventud contemporánea. Convence por su sentido innato de códigos contemporáneos juveniles (idioma, forma de caminar, relación con la música o las redes sociales) y su extremo y cruel retrato de las relaciones románticas actuales.

En entrevista para IndieWire, la directora señaló que aunque se trata de una película sobre adolescentes enamorados en medio de un apocalipsis sexual, no fue eso lo que le interesó mostrar, sino “entender cómo estos jóvenes, sin ninguna predisposición especial para este tipo de comportamientos, habían sido capaces de llegar tan lejos, es bastante aterrador enfrentarse a esa realidad”.

Atendiendo a cuestiones formales de la película, Fabien Lemercier apunta en su crítica para Cineuropa que Husson esquiva la mirada sensacionalista y logra captar “una aguda percepción de la espontaneidad física y los confusos estados de ánimo de la adolescencia, donde la fotografía preciosista de Mattias Troelstrup y la música de White Sea retienen un acontecimiento fuera de las normas”.

Eva Husson es realizadora y actriz nacida en Francia, estudió Literatura Española e Inglesa en La Soborna. Asimismo, obtuvo el grado de Maestra en Dirección por el American Film Institute. Su primer cortometraje, Hope to die (2004), se ha proyectado en varios festivales.

Premios y festivales.

2016. Sección Voices en el Festival Internacional de Cine de Róterdam, Países Bajos.  Sección Gran Público en el Festival de Cine de la Riviera Maya, México.  Sección Talents en el Festival Internacional de Cine de Autor de Barcelona, España. Selección Oficial de la sección Debuts en el Festival de Cine de Jerusalén, Israel.

2015. Sección Platform en el Festival Internacional de Cine de Toronto, Canadá.  Competencia de Operas Primas en el Festival del Instituto Británico de Cine (BFI) en Londres, Reino Unido.

LA DIRECTORA.

Dirección y guión: Eva Husson.

Reparto: Finnegan Oldfield (Alex), Marilyn Lima (George), Daisy Broom (Laetitia), Lorenzo Lefèbvre (Gabriel), Fred Hotier (Nikita)

País: Francia.

Año: 2015.

Duración: 98 minutos.

BANG GANG: UNA HISTORIA DE AMOR MODERNO (BANG GANG UNE HISTOIRE D’AMOUR MODERNE) SE EXHIBE EN EL MARCO DE “TALENTO EMERGENTE” EN CINETECA NACIONAL DEL 3 AL 8 DE OCTUBRE DE 2016.

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TALENTO EMERGENTE: LLÉVATE MIS AMORES.

Con gran paso por festivales nacionales e internacionales, la ópera prima del mexicano Arturo González Villaseñor aborda la labor humanitaria de las patronas de un poblado de Veracruz, tema que sirvió de inspiración al joven realizador para este documental de sencillez ejemplar. 

Desde hace 18 años un grupo de mujeres de distintas edades, habitantes del poblado Guadalupe La Patrona, prepara comida diariamente para los migrantes a bordo de La Bestia. 

El tren pasa diariamente trasportando a cientos de hombres en busca de una vida mejor, búsqueda que implica arriesgar su vida y pasar por situaciones inhumanas y degradantes. La labor solidaria y desinteresada de las llamadas ‘patronas’ contrasta con la violencia que viven los migrantes que se desplazan por el ferrocarril exponiéndose a todo tipo de peligros.

Llévate mis amores (2014) es un acercamiento íntimo a estas mujeres, que escogen un modo riesgoso en la vida que les tocó vivir. La ópera prima del joven realizador mexicano Arturo González Villaseñor se integra a la programación de Talento Emergente 2016 y podrá disfrutarse del 3 al 8 de octubre.  

El documental es de una sencillez ejemplar, los recursos audiovisuales se omiten para cederle al guión y al manejo de cámara la mayor importancia. De esta manera la cinta resulta honesta y directa, con testimonios personales donde las patronas explican los motivos que las llevan a seguir apoyando a los migrantes. 

El origen de Llévate mis amores nos remite a los días en que Arturo González Villaseñor, recién egresado de la carrera de comunicación social, tenía el propósito de realizar su tesis sobre una radio comunitaria en un poblado de Veracruz. Sin embargo fue imposible obtener los permisos legales. Eso le llevó a conocer la labor humanitaria de estas mujeres e interesarse en crear un testimonio para difundirla.

“Éste es el retrato de varias generaciones, todas con una asombrosa disciplina para levantarse todos los días y preparar, cocinar, embolsar y lanzar los lonches. Y lo más sorprendente es que las agradecidas con los migrantes son ellas, dicen que les han cambiado la vida, que las hacen sentir bien consigo mismas”, expresó el joven cineasta en una entrevista para el periódico La Jornada.

El equipo de trabajo comenzó a recabar los testimonios a inicios del 2001, labor que les tomó aproximadamente tres años y medio. El director comenzó escribiendo cuentos para después realizar el documental. En este transcurso se dio cuenta de que estas mujeres no sabían quiénes eran realmente, que sólo se reconocían al limpiar frijoles, cocer arroz y conseguir tortillas y pan para armar paquetes de comida.

“Arturo González Villaseñor ha sabido captar con la cámara, tanto en sus quehaceres y sus actos como en sus testimonios orales, el sentimiento de estas madres y esposas que han padecido problemas y que también se han sentido solas en algún momento de su vida. La progresión del documental nos vislumbra dos núcleos diferentes a tener en cuenta: el paso diario de los trenes y las historias humanas que interactúan arriba y abajo del tren”, comenta José Luis García en su crítica a Cinestel.

Arturo González Villaseñor estudió Comunicación Social en la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM-X), con especialidad en Políticas Públicas con orientación a comunicación. En 2013 fundó la productora Acanto Films.

Premios y festivales.

2016. Premio al Mejor Documental en el Festival Internacional de Cine Álamos Mágico, Sonora, México. Premio de Bronce. Mejor Mensaje de Derechos Humanos en el Festival Internacional de Documentales del Milenio, Bruselas, Bélgica. Premios al Mejor Documental y del Público en la Muestra de Cine Latinoamericano de Cataluña, España. Mejor Documental y Mención Honorífica del Jurado en el Festival Internacional del Cine Pobre, Gibara, Holguín, Cuba.

2015. Mención Honorífica al Mejor Largometraje Documental en el Festival Internacional de San Cristóbal de las Casas, Chiapas, México. Viva México, Encuentros Cinematográficos en París, Francia.

2014. Premio México Primero como Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Los Cabos,  México.

EL DIRECTOR.

Dirección: Arturo González Villaseñor.

Guión: Indira Cato y Arturo González Villaseñor.

País: México.

Año: 2014.

Género: Documental.

Duración: 90 minutos.

LLÉVATE MIS AMORES SE EXHIBE EN EL MARCO DE “TALENTO EMERGENTE” EN LA CINETECA NACIONAL DEL 3 AL 8 DE OCTUBRE.

Consulta toda la información de la segunda edición de Talento Emergente en el micrositio:

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TALENTO EMERGENTE: NI EL CIELO SABE QUÉ…(HEAVEN KNOWS WHAT)

El tercer filme de los hermanos y cineastas independientes Josh y Benny Safdie fue premiada en Italia y en Japón y ofrece una mirada voyeurista a la problemática rutina de una vagabunda perdida en la calles de Manhattan.

La agitada vida de Harley está siempre bajo el poderoso influjo de dos fuerzas: su amor por Ilya y su amor por la heroína. Ambos la han maltratado y puesto al borde del suicidio, pero la muchacha, una de los tantos homeless que deambulan por las calles de Manhattan, sobrevive día con día gracias a la limosna, la ayuda de sus camaradas y la ansiedad constante de conseguir su próxima dosis.

Inspirados por las aventuras de Arielle Holmes, que se interpreta a sí misma en la película, los hermanos Josh y Benny Safdie hicieron Ni el cielo sabe qué... (Heaven knows what, 2014), un acercamiento a la vida cotidiana de los barrios bajos estadounidenses que se incorpora a Talento Emergente en su segunda edición y que se proyectará del 29 de septiembre al 4 de octubre en la Cineteca Nacional.

Los cineastas independientes conocieron a Arielle en la calle, atraídos por la chica mientras trabajaban en la preproducción de su siguiente película. Luego de escuchar sus anécdotas y de ver cómo vivía, la convencieron de escribir la novela autobiográfica Mad love in New York City. Aunque el texto aún no está publicado, sirvió de base para el guión de Ni el cielo sabe qué…, ficción que reemplazó lo que los Safdie hacían entonces.

A través de una combinación de encuadres a larga distancia y claustrofóbicos primeros planos, Harley y sus amigos se desenvuelven frente a la cámara precisa de Sean Price Williams con naturalidad. La mayoría de ellos vive al momento, paseándose por restaurantes de comida rápida, parques y centros de computación, pidiendo dinero y traficando drogas.

La única que da la impresión de romper con el letargo de todos los personajes, a pesar de que se encuentra bajo la influencia de opioides durante toda la película, es Harley. La chica está en movimiento constante, ya sea en búsqueda de su amado Ilya (interpretado por el actor tejano Caleb Landry Jones) o huyendo de él, pero siempre dependiente de los caprichos del joven que, también sumido en la estupefacción, juega con sus sentimientos.

La interpretación de Arielle Holmes, más que estar fundamentada en trabajo de actuación, es un reflejo de su propio modo de vida. Como el comienzo de un proceso terapéutico, el papel de Harley le dio la oportunidad de exponer sus vicios sin pudor ante públicos de todo el mundo, incluyendo el grado de violencia de sus relaciones interpersonales y la degradación a la que estaba dispuesta a llegar por amor. Al concluir el rodaje de Ni el cielo sabe qué..., Holmes le pidió a sus directores que le ayudaran a pagar su rehabilitación.

Después de la electrizante presencia de la ex-vagabunda, se encuentra el protagonismo de la ciudad de Nueva York. Jordan Hoffman, en su crítica para The Guardian, destacó la importancia de los extras en el filme: “[hay] un uso inteligente de la enorme población de la ciudad como un ubicuo y desinteresado personaje secundario. Mientras nuestra pandilla de ruidosos, frecuentemente peleoneros mugrosos entran y salen de varios Dunkin Donuts, White Castles y las avenidas del Upper West Side, es impresionante lo presentes que están los ocupados neoyorquinos en el cuadro”.

Actualmente, los hermanos Safdie están terminando la producción de Good time, la historia de un ladrón de bancos interpretada por Robert Pattinson. Arielle Holmes continúa la promoción de American honey (2016), la más reciente película de la cineasta británica Andrea Arnold, en donde formó parte del elenco.

Premios y festivales.

2014. Premio C.I.C.A.E. en la Muestra Internacional de Arte Cinematográfico de Venecia, Italia. Gran Premio a la Mejor Película y Premio al Mejor Director en el Festival Internacional de Cine de Tokio, Japón. Premio a la Mejor Actriz ex aequo (Arielle Holmes) en el Festival de Cine Europeo de Sevilla, España. Proyección Especial en el Festival de Cine de Nueva York, Estados Unidos.

2015. Selección Oficial de la sección Spectrum en el Festival Internacional de Cine de Róterdam, Países Bajos.

Los directores.

Dirección y guión: Joshua Safdie y Benny Safdie, basados en la novela Mad Love in New York City de Arielle Holmes.

Reparto: Arielle Holmes (Harley), Caleb Landry Jones (Ilya), Buddy Duress (Mike), Ron Braunstein Necro (Skully), Eléonore Hendricks (Erica).

País: Estados Unidos-Francia.

Año: 2014.

Género: Drama.

Duración: 97 minutos.

NI EL CIELO SABE QUÉ… (HEAVEN KNOWS WHAT) SE EXHIBE EN EL MARCO DE “TALENTO EMERGENTE” EN LA CINETECA NACIONAL DEL 29 DE SEPTIEMBRE AL 4 DE OCTUBRE DE 2016.

Consulta toda la información de la segunda edición de Talento Emergente en el micrositio: http://www.cinetecanacional.net/micrositios/talento_emergente2/

TALENTO EMERGENTE: SOPLADORA DE HOJAS.

Primer largometraje del mexicano Alejandro Iglesias Mendizábal.

Según The Hollywood Reporter, la cinta “busca mostrar un lado del país que no es todo pesimismo y fatalidad”.

“¿Saben a quién le pasó algo así? A mi tío Samuel. Un día estaba desayunando, estornudó, le dio hipo y se echó un pedo, los tres al mismo tiempo, y ¡pum! que se le truena una costilla”. Así de hilarante es el guión de Sopladora de hojas (2015), primer largometraje de Alejandro Iglesias Mendizábal, que llega a la Cineteca Nacional como parte de Talento Emergente 2016 y que podrá apreciarse del 1 al 6 de octubre.

Lucas, Emilio y Rubén son tres adolescentes unidos por la amistad. Hoy están juntos en una misión muy especial: encontrar unas llaves perdidas en un montón de hojas secas. Parece una tarea sencilla, pero se convertirá en toda una odisea cuando la situación los confronte con sus propios miedos, entre ellos, dejar ir el pasado, confesar verdades dolorosas, atreverse a tomar riesgos y crecer. Esa tarde podría cambiar el rumbo de sus vidas.

Mendizábal se adentra en un nuevo género mucho más realista en comparación con sus dos cortometrajes de tinte fantástico, Contrafábula de una niña disecada (2012) y El humo denso que nos oprime el pecho (2015). El primero formó parte de la selección oficial del Festival de Cannes y fue ganador del premio a mejor director y película por el Festival de Cortometrajes de Shorts México 2013.

Sopladora de hojas fue rodada en seis semanas en un parque de la Ciudad de México y compitió en el Festival Internacional de Cine de Morelia de 2015. Está protagonizado por Francisco Rueda, Alejandro Guerrero y Fabrizio Santini, nominados en el 2015 al premio Ariel por Mejor revelación masculina.

Tanto para la realización del guión como para la producción, el realizador contó con el apoyo de sus amigos y excompañeros del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), Luis Montalvo y Samuel Sosa, con quienes además vivió la historia que inspiró su película. 

En su crítica para The Hollywood Reporter, Boyd van Hoeij calificó la cinta como “un drama con toque ligero pero sólido sobre la comprensión de la vida emocional de los protagonistas y que a pesar de no ser una cinta ajustada exactamente al cine mexicano, es material que busca mostrar un lado del país que no es todo pesimismo y fatalidad”.

Alejandro Iglesias Mendizábal tiene estudios profesionales en Literatura Dramática y Teatro por la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM y es Licenciado en Cinematografía por el CCC, donde se especializó en Dirección de Cine. También realizó estudios en dirección escénica y cinematográfica en la escuela de cine de Praga en la República Checa (FAMU).

Premios y festivales.

2015. Premio al Mejor Guión Ex aequo en el Festival de Cine de Turín, Italia. Selección Oficial de la sección Largometraje Mexicano en el Festival Internacional de Cine de Morelia, México.

2016. Premio de la Prensa al Mejor Largometraje Mexicano en el Festival Internacional de Cine de Guanajuato, México. Nominación al Premio Ariel en la categoría Revelación Masculina (Fabrizio Santini y Alejandro Guerrero) por la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, México. Selección Oficial de la sección Múltiples Miradas: Panorama del Cine Latinoamericano en el Festival de Cine de Lima, Perú.

EL DIRECTOR

Dirección: Alejandro Iglesias Mendizábal.

Guión: Alejandro Iglesias Mendizábal y Luis Montalvo.

Reparto: Fabrizio Santini (Lucas), Francisco Paco Rueda (Emilio), Alejandro Guerrero (Rubén), Andrés Delgado (Martín), José Carlos Rodríguez (José Carlos).

País: México.

Año: 2015.

Duración: 90 minutos.

SOPLADORA DE HOJAS SE EXHIBE EN EL MARCO DE “TALENTO EMERGENTE” EN LA CINETECA NACIONAL DEL 1 AL 6 DE OCTUBRE DE 2016.

Consulta toda la información de la segunda edición de Talento Emergente en el micrositio:  http://www.cinetecanacional.net/micrositios/talento_emergente2/