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sábado, 2 de diciembre de 2017

63 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE: WESTERN.

El tercer largometraje de Valeska Grisebach retrata la interacción con “el otro”, adaptando los códigos del género western al contexto europeo actual.

Formando parte de la selección oficial de Una cierta mirada en el pasado Festival de Cannes, el tercer largometraje de la cineasta alemana Valeska Grisebach, nominada al Oso de Oro de la Berlinale por Longing (2006), es un western que revisita, traslada y adapta los códigos de este género del cine norteamericano a las características del contexto europeo actual, abarcando temas como la xenofobia y la cercanía con el otro.

Coproducida por Maren Ade, directora de Toni Erdmann (2016), Western se construye lentamente —casi como un documental, confrontando ficción con realidad— con actores no profesionales y una fotografía muy apegada a la tradición realista. Se trata de una apuesta de un cine lejos de fórmulas clásicas y que propicia nuevas lecturas cinematográficas.

Western relata la historia de un grupo de obreros alemanes que se traslada al campo búlgaro para trabajar en la canalización de un río. La estancia en tierra extranjera los enfrenta a la desconfianza de un pueblo generada por las barreras lingüísticas y las diferencias culturales. Rápidamente, el pueblo se convierte en el escenario de las rivalidades entre dos de ellos, mientras da inicio una prueba de fuerza para conquistar el reconocimiento de los habitantes.

El tercer largometraje de la alemana Valeska Grisebach recurre a los elementos del western para realizar un estudio de la masculinidad, con un discurso geopolítico instalado en el contexto europeo actual, y abarcando temas como la xenofobia y la conexión con el otro. Fabien Lemercier de Cineuropa comenta sobre la cinta: “Jugando con sutileza, manteniendo a pesar de todo un mínimo de suspense en su hoja de ruta de transposición de un género que suele tomar habitualmente el camino de la violencia, Grisebach se apoya en un guion muy bien construido (firmado por ella misma), encadenando las escenas con una gran fluidez.”

Daniela Michel de Cine Premiere opina: “Como lo hiciera Buñuel con Los olvidados (1950), la cineasta se adentra en una realidad desde una óptica altamente realista, donde aborda la inmigración laboral alemana de Bulgaria. De un acontecimiento simple extrae interesantes respuestas sobre el modo de pensar en occidente.”

Dirección y guión: Valeska Grisebach.
Reparto: Meinhard Neumann (Meinhard), Reinhardt Wetrek (Vincent), Syuleyman Alilov Letifov (Adrian), Veneta Fragnova (Veneta), Vyara Borisova (Vyara), Kevin Bashev (Wanko), Aliosman Deliev (Mancho), Robert Gawellek (Tommy).
País: Alemania-Bulgaria-Austria.
Año: 2017.
Duración: 119 minutos.

WESTERN se exhibe del 29 de noviembre al 4 de diciembre en la Sala 1 Jorge Stahl y en la Sala 8 Ismael Rodríguez de la Cineteca nacional y el 5 de diciembre en Cinépolis Diana, Plaza Carso VIP y Samara VIP.

Consulta toda la información de la 63 Muestra Internacional en :
www.cinepolis.com.mx



63 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE: POESÍA SIN FIN.

Alejandro Jodorowsky demuestra su pasión por la poesía y retrata las cicatrices que dejó en Chile la Segunda Guerra Mundial.


Después de 23 años de ausencia en la industria cinematográfica, Alejandro Jodorowsky decidió iniciar un proyecto que mostrara sus experiencias a lo largo de la vida. Su primera película autobiográfica fue La danza de la realidad (2013), en la que confeccionó una mirada retrospectiva y desde su personal punto de vista, de su propia infancia, en la que mezcla la metáfora, la poesía y la mitología, reuniendo a algunos miembros de su familia.

Retomando este filme, ahora presenta Poesía sin fin, donde retrata sus años de juventud en Santiago de Chile, haciendo énfasis en su enfrentamiento a una figura paterna represora y en su amor a la poesía. Protagonizada por sus hijos, Adán y Brontis Jodorowsky, la cinta está ambientada en la época de la Segunda Guerra Mundial.

Luego de su estreno en México durante el Festival Internacional de Cine de Morelia, esta obra autobiográfica del polifacético cineasta chileno, realizada gracias al financiamiento y apoyo de sus seguidores, está ambientada a finales de la década de 1940, cuando un muy joven Alejandro Jodorowsky abandona su natal Tocopilla para mudarse junto a su familia a la ecléctica ciudad de Santiago de Chile, donde una vez instalado decidió convertirse en poeta y se anexó al círculo bohemio conformado por personajes como los escritores Enrique Lihn, Stella Díaz Varín o Nicanor Parra.

Con su particular estilo narrativo, pleno de elementos surrealistas y construcciones oníricas, la más reciente película de Jodorowsky, continuación de La danza de la realidad (2013), hace un recuento de la juventud del multifacético cineasta, director de teatro y psicomago, desde su llegada a la capital chilena hasta su partida rumbo a tierras francesas.

Boyd van Hoeij de The Hollywood Reporter comenta: “Diablos y esqueletos —o, más bien, gente disfrazada de ellos— se reúnen para celebrar la vida en general e iluminan la juventud y la filosofía de Alejandro Jodorowsky”. Y Owen Gleiberman de Variety opina: “Para Alejandro, la poesía es algo más que pasar las noches despierto leyendo a su ídolo Federico García Lorca. Es un anzuelo para lo desconocido.”

Dirección y guión: Alejandro Jodorowsky.
Reparto: Adán Jodorowsky (Alejandro), Pamela Flores (Sara / Stella Díaz Varín), Brontis Jodorowsky (Jaime), Alejandro Taub (Enrique Lihn), Alejandro Jodorowsky (Alejandro), Jeremías Herskovits (Alejandro, niño).
País: Francia-Chile.
Año: 2016.
Duración: 128 minutos.

POESÍA SIN FIN se exhibe del 29 de noviembre al 4 de diciembre en la Sala 1 Jorge Stahl y en la Sala 8 Ismael Rodríguez de la Cineteca Nacional y el 4 de diciembre en en Cinépolis Diana, Plaza Carso VIP y Samara VIP.

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lunes, 27 de noviembre de 2017

63 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE: GOOD TIME: VIVIENDO AL LÍMITE.

Robert Pattinson, dirigido por los hermanos Safdie, interpreta a un ladrón frustrado que se enfrenta a las crueldades de la metrópolis neoyorquina.


Josh y Benny Safdie, colaboradores desde su carrera como cortometrajistas a finales de los años 2000, han refinado paulatinamente su estilo (y su presencia internacional) hasta la cinta culminante que presentaron este año en la Competencia Oficial del Festival de Cannes: Good Time: Viviendo al límite, una vuelta a las sociedades callejeras que se desarrollan por debajo de la esperanza y de la legalidad, y que aprovecha las tragedias criminales de sus habitantes para retratar, con crudeza estilizada, algunas locaciones decadentes de Queens.

Un año después de que su ópera prima —la visceral Ni el cielo sabe qué (Heaven Knows What, 2014)— participara en Talento Emergente, los hermanos Safdie vuelven ahora con la historia de los hermanos Connie y Nick, quienes son perseguidos por la policía tras pretender robar un banco. El primero logra escapar, pero el segundo es detenido. Mientras intenta reunir el dinero para pagar la fianza y así liberar a Nick, Connie se embarcará en una frenética odisea a través de los bajos fondos de la ciudad de Nueva York.

Con una estética que combina un realismo casi documental, escenarios expresionistas y una audaz banda sonora, el segundo largometraje de Josh y Benny Safdie continúa por la línea narrativa de su trabajo previo: el examen de seres marginales y desamparados que buscan cristalizar un proyecto de vida en las excluyentes calles de las metrópolis estadounidenses.

Sobre la cinta Anthony Lane de The New Yorker comenta: “La película entera, de hecho, pulsa con un brillo neón que intensifica su aire de insomnia", y  Alberto Sáez Villarino de El antepenúltimo mohicano opina: “Un desenlace que evoca el desencanto de las nuevas generaciones por lo cotidiano, la apatía de un adolescente que tiene que enfrentarse a una realidad sin las posibilidades que le proporciona el entorno virtual y, en definitiva, un final posmoderno tan afortunado como el resto de una película de insólita lucidez”.

Dirección: Josh Safdie y Benny Safdie.
Guión: Josh Safdie y Ronald Bronstein.
Reparto: Robert Pattinson (Connie), Benny Safdie (Nick), Jennifer Jason Leigh (Corey), Buddy Duress (Ray), Barkhad Abdi (Dash), Taliah Webster (Crystal).
País: Estados Unidos.
Año: 2017.
Duración: 100 minutos.

GOOD TIME: VIVIENDO AL LÍMITE (GOOD TIME) se exhibe del 27 de noviembre al 2 de diciembre en la Sala 3 Fernando de Fuentes y en la Sala 10 Luis Buñuel de la Cineteca Nacional y el 2 de diciembre en Cinépolis Diana, Plaza Carso VIP y Samara VIP.

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63 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE: EN LA PENUMBRA.

El realizador turco Fatih Akin presenta una reflexión sobre la discriminación racial en la sociedad moderna.

Pese a la extinción del movimiento nazi en 1945, su ideología nacionalista y xenófoba sigue atormentando a diversas comunidades en la actualidad. No es de extrañarse que el reciente largometraje del realizador alemán-turco Fatih Akin intente abrir un debate sobre la forma en la que esta corriente política promueve la discriminación hacia pequeñas comunidades extranjeras. En la penumbra utiliza la historia de la víctima de un atentado para mostrar el racismo y la intolerancia que imponen las comunidades ultraderechistas.

La familia de Katja es víctima de un trágico atentado en un barrio de inmigrantes de Hamburgo, Alemania. Los primeros indicios de la investigación no arrojan resultados, lo que provoca una falta de justicia para los allegados de los fallecidos. Hundida en una profunda depresión que la conduce de vuelta a las drogas, Katja decidirá encontrar a los culpables para cobrar venganza.


Con un estilo que retoma el llamado cine de acción, En la penumbra es un crudo retrato de la violencia en la sociedad moderna que explora los problemas actuales del racismo en Europa, a partir del duelo y la destreza de una ávida mujer, interpretada magistralmente por la actriz Diane Kruger, galardonada con el premio a Mejor Actriz en el Festival de Cannes.

Fabien Lemercier de Cineuropa comenta: “Una vez más, desde otro ángulo y en un estilo completamente diferente, el director se apropia de su cultura dual, alemana y turca, para, en esta ocasión, condenar a los pequeños grupos que siembran el odio en Europa”.

Dirección: Fatih Akin.
Guión: Fatih Akin y Hark Bohm.
Reparto: Diane Kruger (Katja Şekerci), Denis Moschitto (Danilo Fava), Johannes Krisch (Haberbeck), Samia Chancrin (Birgit), Numan Acar (Nuri Şekerci), Ulrich Tukur (Jürgen Möller).
País: Alemania-Francia.
Año: 2017.
Duración: 100 minutos.

EN LA PENUMBRA (AUS DEM NICHTS) se exhibe del 25 al 30 de noviembre en la Sala 2 Salvador Toscano de la Cineteca Nacional y el 1º  de diciembre en Cinépolis Diana, Plaza Carso VIP y Samara VIP.

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domingo, 26 de noviembre de 2017

63 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE: UN MINUTO DE GLORIA.

La segunda entrega de la trilogía de los directores Kristina Grozeva y Petar Valchanov retoma su reflexión sobre la sociedad búlgara actual y sus vicisitudes.

Estrenado dentro de la Competencia Oficial en el Festival de Cine de Locarno de 2016, Un minuto de gloria es el segundo largometraje en conjunto de los realizadores búlgaros Kristina Grozeva y Petar Valchanov. Su ópera prima, La lección (2014), presente en la 62 Muestra Internacional de Cine, sorprendió a la crítica llevándose varias nominaciones y premios dentro del circuito de festivales. Esta segunda entrega de la trilogía que los directores planean filmar, ha sido seleccionada por Bulgaria para competir en los próximos Premios de la Academia como Mejor Película de Habla no Inglesa.

En esta ocasión, no sólo se repiten las temáticas y la implacable crítica a la corrupta sociedad de Bulgaria y a su diferencia de clases, sino que los directores utilizan a los mismos actores de su debut cinematográfico. La estructura narrativa del filme transita de la comedia negra a la crítica moral y ofrece una reflexión sobre la sociedad búlgara actual, inmersa en un mundo definido por la división de clases, la injusticia y las prácticas fraudulentas.

Narrada con tintes similares a los de la Nueva Ola Rumana; gran agilidad, premisas sencillas pero de gran desarrollo dramático y cámara en mano, Un minuto de gloria narra la historia del liniero Tsanko Petrov, quien encuentra un botín de dinero en las vías del tren y decide entregarlo a la policía. Por la honestidad de dicha acción, el gobierno lo premia cambiando su viejo reloj por uno nuevo, el cual pronto deja de funcionar. Cuando la jefa de relaciones públicas del corrupto Ministerio de Transportes pierde el antiguo reloj de Petrov, él intentará desesperadamente recuperar la reliquia.

Jordan Mintzer de The Hollywood Reporter, comenta: “La cinta está dirigida con ingenio y precisión estructural —no hay ningún momento que se sienta desperdiciado o que esté ahí sin razón alguna— Un minuto de gloria utiliza dos personajes opuestos para representar una sociedad plagada de fraude y crueldad”. Mientras Javier Ocaña de El País opina: “Se trata de una reflexión en forma de parábola sobre los dolores contemporáneos del país que mantiene las señas de identidad formal del Nuevo Cine Rumano, y deja la sensación de que, en tiempos complicados por la crisis económica y la campante corrupción, hay voces artísticas que denuncian el estado de las cosas”.

Dirección: Kristina Grozeva y Petar Valchanov.
Guión: Kristina Grozeva, Petar Valchanov y Decho Taralezhkov.
Reparto: Stefan Denolyubov (Tsanko Petrov), Margita Gosheva (Julia Staykova), Milko Lazarov (Kiril Kolev), Kitodar Todorov (Valeri), Ana Bratoeva (Ani).
País: Bulgaria-Grecia.
Año: 2016.
Duración: 101 minutos.

UN MINUTO DE GLORIA (SLAVA) se exhibe del 25 al 30 de noviembre en la Sala 2 Salvador Toscano de la Cineteca Nacional y el 30 de noviembre en Cinépolis Diana, Plaza Carso VIP y Samara VIP.

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63 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE: EL OTRO LADO DE LA ESPERANZA.

La más reciente producción de Aki Kaurismäki reflexiona sobre el problema migratorio actual a través del icónico estilo del cineasta finlandés.


Presentado en el 67 Festival Internacional de Cine de Berlín, la segunda parte de la que ya se perfila informalmente como "la Trilogía del Puerto" de Aki Kaurismäki —después de la exitosa El Havre: el puerto de la esperanza (Le Havre, 2011)— se ubica de nuevo en un conflicto geopolítico que, a pesar de ser pertinente para cualquier parte del planeta, se ha agudizado entre Asia y Europa durante varios años. El migrante que protagoniza la cinta en esta ocasión, El otro lado de la esperanza, es un joven sirio que es recibido hostilmente por la burocracia y los neonazis callejeros en su proceso de refugio en Finlandia.

El otro lado de la esperanza muestra  el peculiar estilo visual y narrativo que Kaurismäki ha afinado a lo largo de su carrera, en donde el humor negro y el deadpan se aprovechan para explorar temas sensibles y socialmente relevantes.

La cinta gira en torno a Khaled, un emigrante sirio que huyó de la guerra en Alepo y llega al puerto de Helsinki a bordo de un carguero. Después de un largo deambular por las calles de dicha ciudad, se encontrará con Wikström, un viejo comerciante que decide cambiar radicalmente su vida.

Se trata de la segunda entrega de la trilogía portuaria que Aki Kaurismäki inició con Le Havre: El puerto de la esperanza (2011). En esta ocasión ofrece un relato sobre la indiferencia burocrática y la violencia del ultranacionalismo en la Europa actual. La estética minimalista, la reflexión humanista y un áspero sentido del humor, son los elementos depositados de nueva cuenta en esta obra  del veterano cineasta finlandés.

Peter Bradshaw de The Guardian comenta: “El refugiado no es tratado con el lenguaje solemne y distanciado de las noticias o del documental, sino con el rasgo cómico y competentemente pensado que en un principio parece moderado o falso, pero que en realidad nos da una forma poética de relacionarnos con el personaje como algo más que un caso de estudio”.

Dirección y guión: Aki Kaurismäki.
Reparto: Sherwan Haji (Khaled), Sakari Kuosmanen (Wikström), Ilkka Koivula (Calamnius), Janne Hyytiäinen (Nyrhinen), Nuppu Koivu (Mirja), Simon Hussein Al-Bazoon (Mazdak).
País: Finlandia-Alemania.
Año: 2017.
Duración: 110 minutos.

EL OTRO LADO DE LA ESPERANZA (TOIVON TUOLLA PUOLEN) se exhibe del 24 al 28 de noviembre en la Sala 8 Ismael Rodríguez de la Cineteca Nacional y el 29 de noviembre en Cinépolis Diana, Plaza Carso VIP y Samara VIP.

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domingo, 19 de noviembre de 2017

63 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE: 120 LATIDOS POR MINUTO.

En su tercer largometraje, Robert Campillo retrató los años de combate para concientizar a la población francesa sobre el VIH.

Ganadora del Gran Premio del Jurado en el pasado Festival de Cannes y generadora de una gran expectativa entre los críticos y el circuito de festivales, 120 latidos por minuto es el tercer largometraje del director francés nacido en Marruecos Robin Campillo, coguionista de casi toda la filmografía de Laurent Cantet.

Utilizando su propia experiencia como miembro de Act Up, organización dedicada a la concientización sobre el VIH, Campillo crea un conmovedor retrato de la juventud francesa combatiendo contra la indiferencia del gobierno a inicios de los años noventa, a través de una historia de amor entre dos activistas de la organización.

La historia se desarrolla en París a principios de los años 90. Con la epidemia de VIH que ya había cobrado innumerables vidas durante la década de 1980, varios activistas de la organización Act Up multiplican sus acciones para protestar contra la indiferencia del gobierno. En ese contexto, Nathan, un recién llegado al colectivo, se enamora de Sean, un radical militante que gasta su último aliento en la lucha.

En su tercer largometraje, el director y guionista Robin Campillo recupera sus propias experiencias como integrante de Act Up para crear un emotivo relato sobre la lucha juvenil frente a la pasiva respuesta que las empresas y el Estado francés dieron a la crisis del VIH hace casi treinta años.

Isabelle Regnier de Le Monde, comenta: “Combinando químicamente la intimidad y la política, la película plasma la tragedia de una juventud abrumada que encontró la esperanza en el calor grupal y en el descubrimiento de su poder incendiario, cuya alegría nueva, intensa, se enfrenta a la fuerza entera de una máquina de muerte epidémica y a las fuerzas reaccionarias que son cómplices en la sociedad en la que explotó".

Dirección y edición: Robin Campillo.
Guión: Robin Campillo, con la colaboración de Philippe Mangeot.
Reparto: Nahuel Pérez Biscayart (Sean), Arnaud Valois (Nathan), Adèle Haenel (Sophie), Antoine Reinartz (Thibault), Félix Maritaud (Max), Simon Bourgade (Luc).
País: Francia.
Año: 2017.
Duración: 144 minutos.

120 LATIDOS POR MINUTO (120 BATTEMENTS PAR MINUTE) se exhibe del 19 al 24 de noviembre en la Sala 2 Salvador Toscano de la Cineteca Nacional y el 25 de noviembre en Cinépolis Diana, Plaza Carso VIP y Samara VIP.

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63 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE: CARTAS DE VAN GOGH.

El largometraje de Dorota Kobiela y Hugh Welchman rinde un homenaje a Vincent Van Gogh animando pinturas al óleo.

Presentando una propuesta fresca en la industria del séptimo arte al ser la primera película animada con pinturas a mano, Cartas de Van Gogh muestra la última etapa de la vida del icónico artista postimpresionista mediante la exploración de su misteriosa muerte por medio del protagonista del filme. La cinta de Dorota Kobiela y Hugh Welchman presenta un homenaje a uno de los exponentes más grandes del arte pictográfico.

Después de siete años de realización, en donde se digitalizaron alrededor de 65 mil pinturas al óleo, este largometraje innovador en el género de animación, coproducido entre Polonia y Gran Bretaña gracias a Break-Thru Films, dota de movimiento a la obra del pintor posimpresionista Vincent van Gogh para intentar descifrar el misterio de su muerte.

La película se compone de 65 000 fotogramas pintados al óleo que recrean muchas de las obras del artista holandés. La historia se desarrolla un año después de su muerte, cuando el joven Armand Roulin tiene la misión de entregar una carta que el fallecido escribió para su hermano. Su viaje lo llevará a conocer a varios de los personajes que Van Gogh pintó en la vida real. Cartas de Van Gogh es un logro cinematográfico que invita a mirar con mayor profundidad la lucha del artista y la naturaleza de su creatividad.

Dirección: Dorota Kobiela y Hugh Welchman.
Guión: Dorota Kobiela, Hugh Welchman y Jacek Dehnel.
Reparto: Douglas Booth (Armand Roulin), Robert Gulaczyk (Vincent van Gogh), Eleanor Tomlinson (Adeline Ravoux), Jerome Flynn (doctor Gachet), Saoirse Ronan (Marguerite Gachet), John Sessions (Père Tanguy), Helen McCrory (Louise Chevalier).
País: Reino Unido-Polonia.
Año: 2017.
Duración: 94 minutos.

CARTAS DE VAN GOGH (LOVING VINCENT) se exhibe del 19 al 24 de noviembre en la Sala 2 Salvador Toscano de la Cineteca nacional.

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63 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE: LA CORDILLERA.

El oscuro thriller político del cineasta argentino Santiago Mitre cuenta con un elenco internacional que incluye a Ricardo Darín, Daniel Giménez Cacho y Paulina García.


La carrera de Santiago Mitre dio un salto considerable este año, desde las modestas proporciones de su ópera prima El estudiante (2011), realizada sin apoyos institucionales y con muy poco presupuesto, y su segundo largometraje igualmente sencillo y aclamado por la crítica, La patota (2015), hasta el presupuesto de 6 millones de dólares y el elenco estelar de La cordillera, tercera película de uno de los directores emergentes que han destacado en la escena del cine de autor argentino en los últimos años.

Coescrito por Mariano Llinás e interpretada por algunos de los actores más representativos del cine de América Latina, como Ricardo Darín, Paulina García, Daniel Giménez Cacho, Elena Anaya y Alfredo Castro, este drama político se adentra en el mundo de la alta política para construir una historia que en vez de optar por un posicionamiento frente al poder, explora los códigos éticos y filosóficos en los que se basa; todo sin dejar de lado cuestiones como el papel del inconsciente o la existencia del mal.

La trama se centra durante una cumbre de jefes de Estado latinoamericanos en un hotel de los Andes, cuando Hernán Blanco, el presidente de Argentina, se ve atrapado por un asunto de corrupción que implica a su hija. Mientras lucha por evadir el escándalo que podría acabar con su carrera, también debe velar por los intereses políticos y económicos de su país.

Dirección: Santiago Mitre.
Guión: Santiago Mitre y Mariano Llinás.
Reparto: Ricardo Darín (Hernán Blanco), Dolores Fonzi (Marina Blanco), Érica Rivas (Luisa Cordero), Elena Anaya (Claudia Klein), Daniel Giménez Cacho (Sebastián Sastre, presidente de México), Alfredo Castro (Desiderio García), Gerardo Romano (Castex).
País: Argentina-España-Francia.
Año: 2017.
Duración: 114 minutos.

LA CORDILLERA se exhibe del 17 al 22 de noviembre en la Sala 1 Jorge Stahl de la Cineteca Nacional y el 24 de noviembre en Cinépolis Diana, Plaza Carso VIP y Samara VIP.

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63 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE: THE SQUARE.

El director Ruben Östlund satiriza el comportamiento de la clase alta de la sociedad, desde la banalidad de sus intereses hasta su hipocresía y su ambigüedad moral.

Ganador de la Palma de Oro, el máximo premio en el reciente Festival de Cannes, el nuevo largometraje del realizador sueco Ruben Östlund presenta una sátira hacia la conducta elitista de los pequeños grupos burgueses que se jactan de apreciar el arte. The Square caricaturiza a la clase alta para reflexionar sobre la ambigüedad moral y la hipocresía, haciendo énfasis en cómo estas comunidades son controladas por la influencia de unos cuantos individuos.

Teniendo como precedente la exhibición fotográfica “Rutan” —realizada por Östlund para poner a prueba la confianza entre los miembros de una sociedad—, esta parodia cinematográfica de la conducta del ser humano está inspirada en parte, por una instalación realizada por el mismo Östlund.

Se trata de un acercamiento al mundo del arte contemporáneo que cuestiona temas y valores como la confianza, la riqueza y el poder. The Square fue seleccionada en los festivales de Toronto, San Sebastián y New York y elegida para representar a Suecia en los próximos premios Oscar.

The Square gira en torno a Christian, el respetado curador de un museo de arte contemporáneo, un hombre divorciado y dedicado padre que ama pasar tiempo con sus dos hijas. Además, apoya causas ecologistas y se involucra en cuestiones humanitarias. Mientras prepara su próxima exposición, "The Square" la cual incita al público a recordar sus valores altruistas, es víctima de un robo. Sus ideales cambiarán cuando la agencia de comunicación de la galería lance una sorprendente campaña de marketing que lo hunde en una crisis existencial, catapultándolo a él y al museo entero.

Siguiendo el absurdo de su trabajo previo, Fuerza mayor (2014), el tercer largometraje de Östlund hace una sagaz crítica a las jerarquías de poder en la sociedad y al esnobismo que existe en la escena artística de nuestros días.

Dirección y guión: Ruben Östlund.
Reparto: Claes Bang (Christian), Elisabeth Moss (Anne), Dominic West (Julian), Terry Notary (Oleg), Christopher Læssø (Michael), Marina Schiptjenko.
País: Suecia-Alemania-Francia-Dinamarca.
Año: 2017.
Duración: 142 minutos.

THE SQUARE se exhibe del 17 al 22 de noviembre en la Sala 1 Jorge Stahl de la Cineteca Nacional.

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