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viernes, 10 de abril de 2015

CINETECA NACIONAL PRESENTA CHARLAS SOBRE LA ÉPOCA DE ORO DE HOLLYWOOD.

La era dorada de Hollywood será tema de estudio en la Cineteca Nacional.

El académico Raúl Miranda López impartirá 16 sesiones en las que se revisará el sistema de producción hollywoodense, sus autores principales, géneros y temas.

Acompañadas por la proyección de un largometraje, las charlas forman parte del Diplomado en Historia del Cine Mundial y tendrán lugar del 20 de abril al 10 de junio de 2015.

De forma muy similar a como ocurría en otros países, en Estados Unidos el cine nació a finales del siglo XIX primero como una curiosidad para después convertirse en una de las manifestaciones más importantes de la cultura popular.

A diferencia de industrias cinematográficas, la estadounidense tuvo su meca en Hollywood, misma que en menos de tres décadas creció vertiginosamente. Así, para finales de los años treinta esta industria estaba formada por magníficos estudios, lo último en tecnología y un sistema de talentos incomparable en el mundo. A partir de entonces y hasta principios de los años sesenta en Estados Unidos se filmaron películas icónicas que hoy son reconocidas como clásicas del cine universal.

Sobre este fundamental periodo en la historia del cine conocido como la Época de Oro de Hollywod se centrará el nuevo Módulo del Diplomado en Historia del Cine Mundial que coordina el Departamento de Extensión Académica de la Cineteca Nacional y que se llevará a cabo del 20 de abril al 10 de junio, los días lunes y miércoles de 18:00 a 21:00 horas, en la Sala 5, Matilde Landeta.

En el módulo será impartido por el académico Raúl Miranda López. Se analizarán los momentos más importantes de este periodo que vio nacer a luminarias y cintas emblemáticas. Se revisarán los antecedentes y también su culminación, mediante un repaso del sistema de producción hollywoodense, sus autores principales, géneros y temas.

El recorrido histórico y temático que se estudiará durante las 16 sesiones comprende la proyección de largometrajes que van desde Sunrise (F. W. Murnau, 1927) para retratar el momento de surgimiento de Hollywood, hasta To Kill a Mockingbird (Para matar a un ruiseñor, Robert Mulligan, 1962) como una de la últimas muestras del cine de esta época.

Raúl Miranda López ha sido programador de cine en Canal 11 y Canal 22, y se ha desempeñado como guionista en televisoras del interior de la República. Es autor del libro titulado Del quinto poder al séptimo arte: La producción fílmica de Televisa, editado por la Cineteca Nacional en el 2006, y coautor de Miradas al acervo, Cineteca Nacional, 2005; La ficción de la historia: El siglo XIX en el cine mexicano Cineteca Nacional, 2010; Cine y Revolución: La Revolución Mexicana vista a través del cine, Cineteca Nacional, 2010; entre otros títulos.

Para más información e inscripciones:
Del 25 de marzo al 17 de abril de 2015 o hasta completar aforo.
Departamento de Extensión Académica de la Cineteca Nacional
Orianna Paz: opaz@cinetecanacional.net
Teléfono: 41 55 12 38
Liliana Santana: lsantana@cinetecanacional.net
Teléfono: 41 55 12 00 ext. 3264




jueves, 12 de junio de 2014

NOCHE (NOCHE)



Por: Fabián Quezada León 

Miguel vivía obsesionado por el sonido y por capturarlo en grabaciones; no importaba si eran sonidos suaves, altos, bajos, graves, o si se trataba de los recuerdos inconexos de una pesadilla que lo traumatizó, en el cual el mugir de las vacas (a las cuales odia) lo saca de su sueño solo para darse cuenta de que unos ladrones han entrado a su casa y han empujado a que su madre se tire del balcón yéndose a estrellar en la piscina de cabeza y perdiendo en el trance la peluca; es ahí cuando Miguel reacciona y se percata en su sueño que su madre era en realidad un travesti .
Tras de su suicidio, Miguel deja algunas ropas y esas grabaciones destinadas a sus más cercanos amigos, quienes deben escucharlas mientras pernoctan en una casa (en la que él murió) situada en la mitad de ninguna parte. (Entre Ríos)
Cada uno de los seis  escucha las grabaciones de manera diferente y en esos pedazos de memorias que se van hilvanando, descubrimos las relaciones de Miguel con Pedro, Juan, Violeta, Matías y Laura.... y una chica a la que nadie parece advertir,  además, (por qué no?) también se abren ante nosotros  las singulares relaciones de esos amigos entre sí.

Noche es la opera prima de Brzezicki inscrita dentro de lo que podría considerarse un drama psicológico, de amplia sensibilidad, cuyas láminas fragmentarias se van acomodando de una cierta manera sin seguir un continuo lógico, fuertemente atadas por el forzoso despertar de los sentidos del espectador . 
El sonido, un elemento casi delirante dentro de la cabeza de Miguel, va sirviendo de transporte, alimentado por una fotografía casi salida de una vaporosa ensoñación, bosques, ríos, cielos y lunas que se mezclan en disolvencias donde el tiempo no existe, mientras las emociones se dan, al abrigo de la oscuridad, todas las licencias posibles.
Los personajes ensimismados tratan de llenar ese crucigrama al cual Miguel les ha conducido, Pedro su ex amante  se ha quedado en vilo, casi "perdido en el bosque" (o en una pesadilla) sin saber como reaccionar ante el suicidio de Miguel. 
Violeta, la mejor amiga de Miguel y  ex amante de Matías, también es otro eslabón que ha perdido coherencia y que, recordando a Miguel, trata de reavivar su relación con Matías.... aunque él ya tiene una nueva compañera.

La cinta tiene notables logros al capturar imágenes tan libremente lúdicas,  tal vez de una hermosura  pesadamente nostálgica,  simbólica, húmeda,  sobrepuestas  capa a capa, mayormente  tan lúgubres y  oscuras como se crea posible y aunque la narración no sigue un orden estrictamente lineal, pues se asemeja mucho más a la gramática de los recuerdos de un sueño, sumerge al espectador en este
rompecabezas sentimental donde se divaga contemplativamente junto con los personajes, sin que ello signifique que se está en la búsqueda  de respuestas a las interrogantes que pudieran surgir, ante el drama que transitan los personajes, en lugar de eso,  más bien se espera,  se sugiere,  la idea de descubrir en algún recoveco algo  que se integre al recuerdo y lo haga mas completo. 
Porque si de algo se trata Noche es de eso, de recuerdos matizados de todos los elementos posibles, sin que por fuerza sean parte de una misma vivencia o de un mismo momento, son fragmentos aislados como las circunstancias que las generaron y quienes  intervinieron en cada una.   
Recuerdos y sensaciones mezclados, donde los sentidos se privilegian. Pero los que tienen un elemento determinante,  no importa cuánto se recuerde  el pasado o se imagine la presencia de quienes ya no están.
 La vida continúa, recordar reinventa, pues los recuerdos rara vez son ordenados metódicamente y en este juego la imagen, el sonido y los sentimientos moldean esa nueva realidad generada por el recuerdo.  Cuando una noche se agota el día tiene por tarea reinventar el recuerdo de esa noche y ella a su vez reinventará al día.


Dirección: Leonardo Brzezicki

Reparto: Flavia Noguera, Jair Jesus Toledo, Maria Soldi, Nadyne Sandrone, Gaston Re, Julian Tello, Pablo Matias Vega
País Argentina/Italia
Año: 2013
Género: Arte/drama
Duración: 87 min
Clasificación: Mayores de 13. Temática, breves escenas sexuales
Fecha de estreno en México: 13 de junio

NOCHE SE ESTRENA EL VIERNES 13 DE JUNIO EN CINETECA NACIONAL.
PARA INFORMACIÓN DE HORARIOS Y SALAS, CONSULTAR: www.cinetecanacional.net

lunes, 15 de octubre de 2012

HAMLET: SER O NO SER.



Cineteca Nacional rinde tributo a la obra cumbre del escritor inglés William Shakespeare, Hamlet, con el ciclo fílmico  “Ser o no ser”.  

El evento se llevará a cabo del 13 al 22 de octubre y reúne las adaptaciones más sobresalientes  y representativas de esta reconocida obra literaria que se han realizado a lo largo de la historia del cine. El ciclo Ser o no ser está conformado por ocho largometrajes y se llevará a cabo del sábado 13 al lunes 22 de octubre en Cine Lido, sede alterna de la Cineteca Nacional.

Desde su publicación en 1603 Hamlet se ha convertido en una de las obras más celebradas de su autor, William Shakespeare, quien supo desentrañar temas universales como la venganza, el amor, el desamor y la ambición de poder en una misma historia. Son precisamente estos temas los que la han mantenido vigente hasta nuestros días, con una diversidad de adaptaciones cinematográficas en diferentes épocas y contextos.

El ciclo recorre poco más de cinco décadas en las que se incluyen desde el filme clásico de Sir Laurence Olivier realizado en 1948, hasta la versión de Michael Almereyda, ubicada en un contexto más contemporáneo.

La primera, protagonizada por el propio director, es la única adaptación de Shakespeare en la historia del cine que ha sido merecedora del premio Oscar a mejor película; mientras que la segunda, con el actor Ethan Hawke como Hamlet, está ubicada en la ciudad de Nueva York en el año 2000, en el contexto de una poderosa multinacional llamada Dinamarca.

Además de éstas, la programación rescata la adaptación de Grigori Kózintsev (Unión Soviética, 1964), académico especializado en la obra de Shakespeare que para crear su versión toma como modelo la adaptación de Laurence Olivier, aunque a diferencia de éste, Kózintsev pondera el tema del poder por encima de la melancolía.

La tragedia del dramaturgo y poeta inglés también está representada dentro del ciclo con Hamlet en el negocio, del realizador finlandés Aki Kaurismäki —Los Vaqueros de Leningrado en América, Un hombre sin pasado, La muchacha de la fábrica de cerillos—, quien traslada el drama solemne a una Helsinki moderna retratada en un gélido blanco y negro, readaptando la trama a los cánones de la economía de mercado que desde hace un par de años rigen nuestro planeta. De este modo, Kaurismäki deja atrás toda retórica sin que esto implique simplificar la tragedia de un personaje atormentado no tanto por la duda, sino por su vacío existencial.

A estos filmes se suma el de Franco Zeffireli, director que con La fierecilla domada (1967) y Romeo y Julieta (1968), escritas también por William Shakespeare, logró romper los prejuicios intelectuales que pesaban sobre el escritor para transformarlas en espectáculos que gozaron del gusto del público. Para su versión de Hamlet, Zeffirelli recurre a un reparto británico excepcional conformado, entre otros, por Mel Gibson en el rol protagónico, Glenn Close y Helena Bonham Carter.

“Ser o no ser”  también incluye dentro de su programación Rosencrantz y Guildenstern han muerto, de Tom Stoppard, quien expone la obra del bardo inglés desde el punto de vista de sus personajes secundarios, demostrando de este modo las infinitas posibilidades creativas que exist en alrededor de la obra.

La muestra fílmica cierra con el largometraje del irlandés Kenneth Branagh, quien filma la historia en 70 mm y opta por respetar la extensión original de la puesta en escena, que al momento de su estreno era de cuatro horas; y La tragedia de Hamlet, de Peter Brook, una coproducción entre el Reino Unido, Francia y Japón, realizada estrictamente para su exhibición en televisión.
 









Para mayor información consultar: www.cinetecanacional.net



miércoles, 8 de agosto de 2012

LLEGA LA 11ª. SEMANA DE CINE ALEMÁN CON LO MEJOR DEL CINE GERMANO.


Por primera vez, se podrá vivir la Semana de Cine Alemán en exclusiva en Cinépolis del 10 al 23 de agosto.

Este año la ceremonia inaugural se llevará a cabo en el Teatro de la Ciudad, con la proyección de Berlín: Sinfonía de una gran ciudad, musicalizada en vivo por Alex Otaola y el Kräut Ensamble

Para su 11ª edición la Semana ha programado una selección de 10 largometrajes germanos contemporáneos, así como una retrospectiva dedicada al realizador Andreas Dresen

Tras su exhibición exclusiva de la Ciudad de México en Cinépolis Diana, Perisur y Universidad, la Semana de Cine Alemán viajará a catorce ciudades de la República Mexicana, gracias al ciclo permanente Cineteca Va y al apoyo de Cinépolis en las ciudades de Metepec y Morelia.

Con el interés de llevar esta Semana al mayor público posible, Cinépolis estará ofreciendo un precio especial de entrada de $35 pesos, así como la oportunidad de adquirir un Cinebono el cual da acceso a 4 películas de la Semana de Cine Alemán por sólo $120 pesos.

Conaculta Cine, a través de la Cineteca Nacional y el Goethe-Institut Mexiko,  con el apoyo del Patronato de la Industria Alemana para la Cultura A.C. y por primera vez en colaboración con Cinépolis, presentan la 11ª. Semana de Cine Alemán, misma que se llevará a cabo del viernes 10 al jueves 23 de agosto en Cinépolis Diana, Cinépolis Perisur y Cinépolis Universidad. Cabe mencionar que, una vez finalizada su exhibición en estas tres sedes de la Ciudad de México, una selección de lo mejor de la Semana viajará a catorce ciudades del interior de la República, entre las que se encuentran Monterrey, Guadalajara, San Luis Potosí, Durango, Zacatecas, Puebla, Oaxaca, Cuernavaca, Tuxtla Gutiérrez y Tijuana, así como a dos conjuntos Cinépolis en Metepec y Morelia.
Para su 11ª edición, la Semana de Cine Alemán ha programado once largometrajes (tres documentales y siete filmes de ficción) que, en conjunto, representan lo mejor de la cinematografía germana contemporánea. Entre los documentales destacan Cima (2011), una coproducción entre Alemania e Italia dirigida por Hannes Lang, quien realiza una crónica de los esfuerzos de la industria turística por mantener vivos los Alpes y la problemática social a la que se enfrentan los residentes.
A éste se suman Esto no es California (2012), de Marten Piersel, y Gerhard Richter, pintor (2011), de Corina Belz; el primero sigue las andanzas de un grupo de jóvenes que descubren su pasión por patinaje en las banquetas del Berlín Oriental, mientras que el segundo es un retrato de Gerhard Richter, considerado uno de los más importantes artistas plásticos del mundo.
Por otra parte, la selección de largometrajes incluye las óperas primas Tótem (2012) y El río solía ser hombre (2011), de Jessica Krummacher y Jan Zabeil, respectivamente. También destacan El ladrón (2010), de Benjamin Heisenberg, quien a través de extensos travellings sigue las andanzas de un ágil maratonista alemán que comete una serie de robos en Austria; Lo que queda (2012), de Hans-Chrisitan Schmid, acerca de una familia que se dispone a disfrutar de un fin de semana sin imaginar que la reunión se tornará en una pesadilla, y Bárbara (2012), de Christian Petzold, galardonado con el Premio a Mejor Dirección en la Berlinale de este año. Complementan la programación Lo invisible (2011), de Chrisitan Schwochow; y Alto en el camino (2011), de Andreas Dresen, ganadora en la sección Una Cierta Mirada del Festival Internacional de Cine de Cannes 2011.
Asimismo, este año la retrospectiva de la Semana de Cine Alemán estará dedicada a la obra de Andreas Dresen, quien visitará en exclusiva nuestro país para presentar ante el público mexicano algunos de sus filmes.  Nacido y formado como director de cine y teatro en la ex Alemania del Este, Dresen es conocido por aportar a sus filmes una visión apegada a la realidad, con imágenes que logran captar la vida cotidiana alemana como ningún otro cineasta. Es este estilo realista el que lo ha hecho merecedor del Premio de las Casas de Cine de Arte Alemán y el Oso de Plata en la Berlinale del 2002 por A media escalera (2001), así como del Premio del Cine Alemán a la mejor dirección y el Coup de coeur du Jury en la sección Una Cierta Mirada del Festival de Cannes 2008 por En las nubes (2008), entre otros reconocimientos.
Además de Andreas Dresen, la Semana contará con la visita de Hans-Christian Schmid, director de Lo que queda, y Marten Persiel, director de Esto no es California.
Con el interés de hacer la Semana de Cine Alemán accesible al mayor público posible, Cinépolis estará ofreciendo un precio especial de entrada de $35 pesos a las películas de la Semana, así como la oportunidad de adquirir el Cinebono en taquillas de conjuntos Cinépolis donde exhibe la Semana de Cine Alemán. El Cinebono permitirá la entrada a 4 películas de la Semana por el precio de $120 pesos.
Para esta ocasión el Goethe-Institut Mexiko y la Cineteca Nacional han elegido inaugurar la Semana en el Teatro de la Ciudad el 8 de agosto a las 20:00 horas con una función gratuita de Berlín: Sinfonía de una gran ciudad (Walter Ruttmann, Alemania, 1927), filme silente que será musicalizado en vivo por Alex Otaola y el Kräut Ensamble, en cuyas filas militan Iraida Noriega, Chema Arreola, Luca Ortega, Natalia Pérez Turner, además de algunos miembros de Los Dorados y The Sconek-T.
Cabe destacar que la Cineteca Nacional adquirió los derechos de los títulos Alto en el camino, Bárbara, Tótem y Gerard Richter. Pintor, para su futura distribución
La función inaugural de Berlín: Sinfonía de una gran ciudad (Alemania, 1927), filme silente que será musicalizado en vivo por Alex Otaola y el Kräut Ensamble, así como algunos miembros de Los Dorados y The Sconek-T. es el próximo 8 de agosto en punto de las 20:00 horas en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, foro nacional e internacional por excelencia para las artes escénicas de la Ciudad de México, con una capacidad de 1 mil 344 butacas.
El público podrá reunirse en este recinto, considerado Patrimonio Cultural de la Humanidad, para disfrutar en pantalla grande la función musicalizada de uno de los clásicos del cine silente más representativos de su época, Berlín: Sinfonía de una gran ciudad, película que cobrará vida con la música que Otaola y, quienes lo acompañan esta vez, han preparado especialmente para la ocasión. Cinéfilos y melómanos tendrán la oportunidad única de presenciar uno de los grandes eventos cinematográficos del año, donde los asistentes también harán contribuciones sonoras, lo que promete ser una gran experiencia.
Para esta ocasión, Alex Otaola ha reunido el talento del Kräut Ensamble, en cuyas filas militan Luca Ortega, Chema Arreola, Natalia Pérez Turner, Dan Zlotnik-Carlos Maldonado, integrante de Los Dorados; Javier Ortiz, el grupo The Sconek-T, e Iraida Noriega, una de las cantantes de jazz de mayor reconocimiento en el país y quien a lo largo de su carrera ha editado un total de siete producciones discográficas: Efecto mariposa, ¿Quién eres tú?, Soliluna, Viaje de mar, Ven conmigo y Caracolito.
 
Miembro de los grupos Santa Sabina, La Barranca, y actualmente de San Pascualito Rey, Alex Otaola es uno de los guitarristas y compositores más reconocidos en la escena musical independiente, con más de 15 CD’s grabados y colaboraciones con músicos como Cecilia Toussaint, Regina Orozco, Zoé, Alonso Arreola, Panteón Rococó, entre otros. En la Cineteca Nacional, Otaola ha participado como músico invitado dentro del ciclo BandaSonoras: Cine Mudo a Ritmo de Rock, donde en el 2010 musicalizó El hombre de la cámara (Dziga Vertov, Unión Soviética, 1929).
Por otro lado, Chema Arreola, quien también participará en la musicalización del filme, dirige en la actualidad la sección Palomazos del sitio de Internet del festival Vive Latino. Además, formó parte de La Barranca y es autor de la novela corta Aire en espera. De igual manera, se desempeñó como locutor del programa Estación Marte, en Interferencia 710 AM, del Instituto Mexicano de la Radio.
Acompañado de estos grandes músicos, Otaola promete revivir a uno de los mejores documentales filmados en la Alemania de entreguerras, cuyo metraje desapareció casi por completo después de la derrota Nazi y la entrada del Ejército Rojo en 1945. Ruttman, autor del filme, retrata mediante un montaje que emula los experimentos del soviético Dziga Vertov, con su ojo-cámara como un observador más de la realidad, una ciudad que nace y muere mientras sus habitantes caminan por las calles, los negocios abren sus puertas y la vida en la urbe transcurre frenéticamente.

La invitación para la función de Berlín: Sinfonía de una gran ciudad, en el Teatro de la Ciudad se puede descargar de manera gratuita en la siguiente dirección: www.goethe.de/cinefest

Para mayor información consultar:



jueves, 12 de julio de 2012

ELENA: EL DESENCANTO MATRIMONIAL.

Por Julia Elena Melche.
Tras su exhibición con gran éxito en la 53 Muestra Internacional de la Cineteca, llega a las pantallas de las sedes alternas, Elena, título del reciente filme del ruso Andréi Zviáguintsev. Un drama intimista y sobrio es el pretexto para un retrato de personajes y situaciones de la sociedad rusa de nuestros días, a veinte años de la desaparición del régimen soviético, pero que no termina de completar su transición a la democracia y se abre camino tras una cultura y formación basadas en la idea de fuerza e imposición del poder. La cinta de Zviáguintsev, es un ejemplo claro.
Enfermera jubilada y casada en segundas nupcias, Elena depende totalmente de su pensionado y tiránico marido Vladimir (Andrei Smirnov) y se limita a cumplir obediente su rol de esposa. Vive en un magnífico departamento, decorado con buen gusto, y  su rutina doméstica es atender a su cónyuge, discutir con él sobre asuntos de dinero y remediar los problemas financieros de su vástago Serguei, casado, con dos hijos y desempleado.
En su tercer largometraje, el realizador instala a la madura mujer en el centro de una hermética sociedad patriarcal, pero alejándose de cualquier intento de juicio moral. Sigue su cotidianidad a través de una estética que busca atrapar el tiempo y adentrarse en su alma. Delinea su carácter áspero y seco como la narración misma y se inclina por una observación certera de comportamientos, estados anímicos e incomodidades colectivas para plantear la posición de la figura femenina en su país a través del dibujo de tres generaciones. Tanya, la nuera de Elena, no es muy diferente a su suegra. Ensimismada en sus labores, cuida a su hijito de meses y apenas cruza palabra con su pareja. Por su parte, Katya, la hija adolescente de Vladimir, vive entre drogas y alcohol distanciada de su padre, al que sólo busca por dinero. Formar una familia y tener hijos son cosas que están fuera de sus planes, “El hombre se reproduce para chuparle la vida a los hijos”, comenta.
Al desencanto vivencial de Elena se une la apatía de Tanya y el cinismo de Katya. No obstante, las une el deseo por tener una seguridad económica por encima de los afectos. La fotografía de Mijail Kritschmann captura estos momentos reveladores para dejar al desnudo sus interiores y la música minimalista del genial Philip Glass remarca las atmósferas de opresión.
Crónica de matrimonios opacos, barómetro de frustraciones y también revelación de decisiones que conducen el relato a un drama teñido de negro. Luego de que Vladimir sufre un infarto y decide dejar todos sus bienes a su hija, Elena toma las riendas de su vida, pero no para romper con sus ataduras, sino para el bienestar de su familia. El rompimiento con su sumisión no la libera del cordón umbilical con su sobreprotegido hijo. Elena elimina una carga para abrazar otra por gusto propio; es una madre empujada por su sentido del deber. La actriz Nadezhda Márkina la caracteriza de manera inmejorable.
De enorme fuerza visual, la cinta ganó el Premio Especial del Jurado de la sección Un certain regard en el Festival de Cannes de este año.

CONOCE AL DIRECTOR.
Con el colapso de la Perestroika, la industria fílmica rusa se vio afectada y cayó en una severa crisis. Se realizaron pocas películas y la mayoría eran productos comerciales. Sin embargo, algunos cineastas con aspiraciones artísticas, como Nikita Michalkov, reavivaron la calidad del cine de su país. Con una economía nacional más fortalecida, se crearon nuevas compañías cinematográficas a principios del 2000, inaugurándose un nuevo cine ruso con Andrei Zviáguintsev, entre sus principales exponentes. Su primera cinta El regreso, de un deslumbrante lirismo contemplativo, recibió el León de Oro en el Festival de Venecia 2003, entre otros reconocimientos. Su obra se distingue por los escasos diálogos y reflexiones en torno a las relaciones familiares, enfocándose en los conflictos entre padres e hijos, en los que refleja las dificultades de una Rusia poscomunista. La crítica especializada lo aprecia como “una prolongación de la tradición del cine existencial de Andrei Tarkovski” 
“A pesar de todo, las mujeres siguen siendo muy dependientes el día de hoy: dependen del dinero, de los maridos... Aún vivimos en una sociedad patriarcal. Pero no digo esto por medio de una protesta. Es sólo una observación. La verdad es que Elena eligió algo sola. Está consciente de qué está haciendo y de qué cosas nunca la dejarán tranquila”, comenta el realizador.

Elena podrá disfrutarse a partir del viernes 13 de julio en las siguientes sedes alternas de la Cineteca Nacional: Cinépolis Universidad, The Movie Company, Cinemas Lumiere Reforma, Cine Lido, Sala Moliére del IFAL, Centro Cultural Tlatelolco, y a partir del viernes 21 de julio, también en la Sala María Félix de la Alianza Francesa de Polanco.

Dirección: Andréi Zviáguintsev.
Reparto: Nadezhda Márkina, Andréi Smirnov, Yelena Liádova y Alekséi Rozin.
País: Rusia.
Año: 2011.
Género: Drama.
Duración: 109 minutos.
Clasificación: Mayores de 15 años.
Fecha de estreno: 13 de julio de 2012.