36 FORO INTERNACIONAL DE LA CINETECA: NORTE, EL FIN DE LA HISTORIA.

Considerada por la revista británica Sight & Sound como la novena mejor película en 2013, la cinta del filipino Lav Diaz retrata las delicadas condiciones sociales de su país.

Con poco más de cuatro horas de duración, el filme muestra el desafiante estilo naturalista del director y guionista.

Al veterano cineasta independiente  de 58 años Lav Diaz le ha interesado ilustrar la política y las repercusiones socioeconómicas de los eventos históricos que han moldeado a su país de manera completamente distinta al cine épico que provee la única mirada emotiva a la historia para millones de espectadores alrededor del mundo. Diaz busca el naturalismo libre de entonaciones melodramáticas.

Con esta visión realizó Norte, el fin de la historia (Norte, Hangganan ng Kasaysayan, 2013), un relato que narra la historia de Joaquín, un hombre pobre y sencillo que es encarcelado por un doble crimen que no cometió. Eliza, su esposa, queda desprotegida y en lucha por sostener a sus dos hijos. Fabián, el verdadero criminal, un intelectual con ideas radicales, sigue en  libertad, pero no vive tranquilo.

La premisa y su forma dramática se asemejan a Crimen y castigo de Fiódor Dostoievsky y a la observación psicológica y espiritual de los novelistas rusos. El realizador va tejiendo dos historias cruzadas que caminan hacia la tragedia, donde retrata las condiciones sociales de Filipinas en plena modernidad, en donde el ritmo económico capitalista repercute en los valores de la gente y la someten a distintas clases de presión. De nueva cuenta está presenta una crítica a las catástrofes políticas y el derrumbe moral de la sociedad de su país, donde la religión y la ideología funcionan como un inconsistente escape social.

El aspecto más reconocible del cine de Diaz es su ritmo. Los 250 minutos de duración del largometraje, quizás de apariencia imponente para las audiencias acostumbradas a películas más concisas, no se comparan con los 485 minutos (ocho horas) de su más reciente producción: Hele Sa Hiwagang Hapis (A Lullaby to the Sorrowful Mystery /Canción de cuna para el misterio doloroso, 2016), realizada en blanco y negro, en lengua filipina, español e inglés, sobre la lucha de Filipinas por la independencia de España en el siglo XIX.  De acuerdo con el autor, la renuencia del público por las cintas de larga duración ha disminuido lentamente con la llegada de la era digital.

Según declaró para Philstar Global: “La cultura es un organismo y crece. Cuando empecé a hacer estas películas, hubiéramos visto a cinco personas en la sala. En una función en Tailandia de Ebolusyon (Evolución de una familia filipina, 2004) sólo había una persona viendo lapelícula. Pero con la era digital y las redes sociales, las reseñas están en internet y eso ha sido una gran ayuda. Más gente joven está viendo”.

A. O. Scott, de The New York Times, defendió el formato de Norte, el fin de la historia argumentando que, efectivamente, el consumo de productos audiovisuales por internet ha generado mayor apertura en la gente. “Uno puede pasar más tiempo viendo una serie de televisión de corrido, pero eso significaría navegar a través de escenas de ágil edición, diálogos extremadamente obvios y resoluciones emocionales pre-hechas. Al Sr. Díaz le interesa otra clase de inmersión”, comentó.

Precursor del llamado Nuevo Cine Filipino, Lav Diaz comenzó su trayectoria como documentalista. Además de realizador se ha desempeñado como guionista, fotógrafo, editor, actor y compositor. Ha realizado ficciones de extensa duración como Melancholia (2008), de siete horas de metraje, y Hele Sa Hiwagang Hapis, de ocho horas, que obtuvo el Premio Alfred Bauer en la Berlinale de 2016.

Premios y festivales.

2013. Selección oficial de la sección Una cierta mirada en el Festival de Cine de Cannes, Francia. Selección oficial de la sección Masters en el Festival Internacional de Cine de Toronto, Canadá. Selección oficial de la Competencia Internacional en el Festival Internacional de Cine de Locarno, Suiza. 

2014. Selección oficial de la sección Spectrum en el Festival Internacional de Cine de Róterdam, Países Bajos. Nominación a la Mejor Película Extranjera por el Círculo de Críticos de Cine de Londres, Reino Unido.

EL DIRECTOR.

Dirección y edición: Lav Diaz.

Guión: Rody Vera y Lav Diaz, basado en un argumento del primero, de Michiko Yamakoto y Raymond Lee.

Reparto: Sid Lucero (Fabián), Angeli Bayani (Eliza), Archie Alemania (Joaquín), Mailes Kanapi (Hoda), Soliman Cruz (Wakwak), Mae Paner (Magda).

País: Filipinas.

Año: 2013.

Duración: 250 minutos.

NORTE, EL FIN DE LA HISTORIA (NORTE, HANGGANAN  NG KASAYAAYAN) SE EXHIBE EN EL MARCO DEL 36 FORO INTERNACIONAL DE LA CINETECA NACIONAL DEL MIÉRCOLES 27 DE JULIO AL LUNES 1 DE AGOSTO DE 2016 EN LA CINETECA. DEL JUEVES 4 AL DOMINGO 7 DE AGOSTO EN LAS SALAS DE ARTE DE CUATRO COMPLEJOS DE CINÉPOLIS. ASÍ COMO EN VARIAS SALAS DE CINEMEX, EN CINEMATÓGRAFO DEL CHOPO, SALA JOSÉ REVUELTAS Y LA CASA DEL CINE, ENTRE OTRAS SEDES.

PARA MAYOR INFORMACIÓN CONSULTAR EL MICROSITIO:

http://www.cinetecanacional.net/micrositios/foro36

http://www.cinepolis.com/muestras-y-festivales

36 FORO INTERNACIONAL DE LA CINETECA: MALDITO CIELO (STINKING HEAVEN).

Con interesantes estrategias formales, el quinto largometraje del estadounidense Nathan Silver permite al espectador palpar vívidamente el desastre vital en el que se encuentran sumidos sus personajes.              

La libertad creativa radical, la juventud como paradigma y el empeño por retratar los valores alternativos catalogados bajo la famosa etiqueta de “Generación X”, son algunos de los temas que inundan el cine independiente del director, guionista, actor, editor y productor estadounidense Nathan Silver, como ahora en su reciente filme Maldito cielo (Stinking heaven, 2015), cuyo título original al español es Cielo apestoso.

Su historia gira en torno a Jim y Lucy, un matrimonio a cargo de una comuna para ex adictos en el New Jersey suburbano de la década de los noventa. La armonía del lugar será pervertida cuando Ann, una adicta y examante de uno de los integrantes, irrumpe en el hogar desatando tras de sí un imparable torbellino de paranoia, drogas y muerte.

El realizador continúa en su exploración sobre grupos de gente buscando un lugar con el que se sientan identificados. Al igual que en Uncertain terms (2014), la cual se situaba en un santuario para adolescentes embarazadas, Maldito cielo toma como escenario una especie de cooperativa terapéutica para continuar explorando las fascinación del cineasta por las dinámicas disfuncionales que atraen y (apenas) mantienen juntos a personajes bajo un mismo techo.

Silver y el director de fotografía Adam Ginsberg crearon una estética que subraya su rechazo al trazo limpio. Fue filmada en formato betacam, con una cámara de la época de los noventa. El resultado es una imagen algo tosca que remite a esas viejas cámaras de vídeo-casete barato, una especie de reivindicación de lo sucio que mira de un modo extrañamente amoroso al desastre vital en el que se encuentran sumidos sus personajes.

Tanto esta opción estética como la cercanía visual y emocional que va con la intimidad de los protagonistas que pueblan la cinta, proponen al espectador una experiencia de inmersión sin reparos. La imagen se acerca en extremo a los rostros de sus personajes mediante un recurso continuo al primer plano o el plano detalle, y el uso de una cámara en mano siempre en movimiento, tan inquieta y nerviosa como los habitantes de la casa.

Roger Koza, en el sitio web del FICUNAM, comenta que en el rodaje de Maldito cielo la convivencia real entre los actores explica la eficacia de las improvisaciones y la magnífica capacidad del director para capturar gestos fugaces de sus intérpretes, una de las virtudes de toda su obra.

Por su parte, Guy Lodge escribiendo para Variety habla sobre las interpretaciones, pues ya sea que las escenas se inclinen hacia una farsa mordaz o un trauma punzante, hay una sensación convincente –intencionada o no– de que los actores están manejando el tono de escena a escena. Esto lo consigue el cineasta con el apoyo de su incisivo editor Sephen Gurewitz, quien consigue determinar las transiciones emocionales entre  secuencia y secuencia. Y subraya que “si hay algo admirable en la economía formal de Silver, es la manera en que desarrolla el caos íntimo de la película en poco más de 70 minutos”.

Nathan Silver se graduó de la Escuela Tisch de Artes de la Universidad de Nueva York en 2005. Desde entonces ha escrito y dirigido varios cortos y seis largometrajes con los que estableció su nombre en la escena independiente. Sus películas son realizadas con bajos presupuestos y a través de una intensa colaboración con sus actores, quienes improvisan libremente. Es admirador del cine del francés Maurice Pialat, del alemán Rainer Werner Fassbinder  y del español Luis Buñuel de quien le encanta su humor y su sentido de lo absurdo.

Festivales.

En 2015: Selección oficial en el Festival de Cine de Champs Elysées, Francia. Sección Spectrum en el Festival Internacional de Cine de Róterdam, Países Bajos.

EL DIRECTOR

Dirección: Nathan Silver.

Guión: Nathan Silver y Jack Dunphy.

Reparto: Deragh Campbell (Lucy), Keith Poulson (Jim), Hannah Gross (Ann), Eléonore Hendricks (Betty), Tallie Medel (Courtney), Henri Douvry (Kevin), Jason Giampietro (Alex).

País: Estados Unidos.

Año: 2015.

Duración: 70 minutos.

MALDITO CIELO (STINKING HEAVEN) SE EXHIBE EN EL MARCO DEL 36 FORO INTERNACIONAL DE LA CINETECA NACIONAL DEL MIÉRCOLES 27 DE JULIO AL LUNES 1 DE AGOSTO DE 2016 EN LA CINETECA. DEL MIÉRCOLES 3 AL SÁBADO 6 DE AGOSTO EN LAS SALAS DE ARTE DE CUATRO COMPLEJOS DE CINÉPOLIS. ASÍ COMO EN VARIAS SALAS DE CINEMEX, EN CINEMATÓGRAFO DEL CHOPO, SALA JOSÉ REVUELTAS Y LA CASA DEL CINE, ENTRE OTRAS SEDES.

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36 FORO INTERNACIONAL DE LA CINETECA: ME LLAMO NOJOOM, TENGO DIEZ AÑOS Y ME QUIERO DIVORCIAR.

La realizadora yemení Khadija al-Salami se apoya en la realidad impactante de los matrimonios arreglados en Yemen para articular este filme.

El caso real de la niña Nujood Ali sirve a la cineasta para desafiar a un sistema  inflexible hacia los derechos de las mujeres.

Es febrero de 2008 en Yemen y Nujood Ali tenía diez años de edad cuando sus padres arreglaron su matrimonio con un hombre de treinta años, permitiéndoles deshacerse de sus gastos y aprovechar el dinero de su dote. Dos meses después de la boda, luego de ser golpeada  y violada por su esposo, Nujood Ali escapó y se dirigió directamente a un juzgado para tratar de obtener un divorcio. 

La pequeña logró diluir su matrimonio gracias a una movida legal que fue paradigmática para el estricto código de conducta en Yemen. Junto a su abogada Shada Nasser —una aguerrida feminista de 54 años, especialista en Derechos Humanos, quien, según el diario árabe Asharq Al-Awsat, fue la primera jurista en presentarse ante los tribunales yemenitas con el rostro descubierto— Nujood fue nombrada “Mujer del año” por la revista Glamour.

La cineasta adapta a la pantalla grande esta historia de vida que representa una  nueva inspiración para el movimiento feminista en el Medio Oriente por la fortaleza de las mujeres involucradas, como la propia realizadora, quien es la primera productora de cine en Yemen y cuyos numerosos documentales anteriores han fortalecido su carrera tras su paso por diversos festivales de cine y reflejan las dificultades que tienen las mujeres de su país, como en Amina (2006), sobre una mujer en prisión que fue acusada de matar a su marido y condenada a morir.

Como la protagonista de su reciente cinta, la directora sufrió las consecuencias de su propio matrimonio infantil arreglado por su tío y fue violada por su esposo. Tras intentar suicidarse y con el apoyo de su madre, la pequeña logró divorciarse. Ambas mujeres fueron repudiadas por la familia pero Khadija trabajó y estudió a la vez hasta lograr graduarse y solicitar a una ONG norteamericana una beca para estudiar en Estados Unidos. Allí se formó como cineasta, motivada principalmente por darles voz a las mujeres de su país a través de sus películas, cuya mirada es sin duda eminentemente personal.

A pesar de tratarse de un relato de superación, la cinta de Al-Salami no evita exponer los eventos más sensibles de la vida marital de Ali (rebautizada como Nojoom en la película), como es el caso de las violaciones infringidas por su marido, para intentar sensibilizar al espectador al respecto de un tema que, aunque presentado a manera de ficción, es muy real y sucede actualmente en países como Yemen; en las zonas rurales más de la mitad de las niñas se casan antes de la mayoría de edad.

Además, la realizadora advierte que cada dos segundos una niña es obligada a casarse y que, si no se hace algo, en 2020 habrá 140 millones de niños casados en todo el mundo. Según Khadija, los hombres utilizan la religión para conseguir niñas sumisas como esposas. “Los habitantes de la India realizan matrimonios infantiles, como también musulmanes y la comunidad judía de Yemen celebran matrimonios forzosos con niñas. Todos se escudan en la religión y en la tradición pero lo cierto es que se trata sólo de una excusa para hacer lo que quieren. Ninguna religión promulga el matrimonio infantil”, explica Khadija que considera que “sólo las leyes que lo prohíban y la educación, de las familias y de las niñas, logrará erradicar esta práctica terrible”.

El filme nos presenta a Nojoom perseguida por su marido y corriendo por las calles para llegar a la corte y solicitar el divorcio. Tras la violación de su hermana mayor, su familia tuvo que mudarse a la ciudad de Saná, la capital de Yemen, donde su padre, incapaz de albergar y alimentar a sus dos esposas y cuatro hijos, la vendió a un hombre para contraer matrimonio.

Jay Weissberg, escribiendo para Variety, aplaudió el uso efectivo de ciertas técnicas cinematográficas que, aunque ya han sido usadas repetidamente, bajo la dirección de Al-Salami cobran nueva vida (como el uso de flashbacks para expresar la visión infantil corrompida por los asaltos del matrimonio) así como la edición del filme; sin embargo, consideró que lo más importante es el mensaje que la obra intenta comunicar al público.

“Dramatizar la historia de la niña probablemente ofrece un mayor potencial de exposición del que un documental hubiera podido manejar, aunque la cinta no debería ser confundida con ‘cine de arte’: Esta es una película diseñada para llamar la atención hacia una perturbadora prevalencia de matrimonios infantiles en Yemen”, argumentó.

Por otro lado, el cambio de nombre en el título no atiende a ningún propósito de confidencialidad, sino que responde a la voluntad de la protagonista misma. A partir de junio de 2015, Nujood cambió oficialmente su nombre a Nojoom debido al significado de los mismos y la connotación negativa de su identidad original: Nujood significa “escondida” mientras que Nojoom, “estrellas en el cielo”.

Premios y festivales.

2014. Premio Muhr a la Mejor Película de Ficción en el Festival Internacional de Cine de Dubái, Emiratos Árabes Unidos.

2015. Selección oficial de la sección Cinema of Our Time en el Festival Internacional de Cine de Vancouver, Canadá.

2016. Premio de la Audiencia en el Festival de Cine y Derechos Humanos de Donostia-San Sebastián, España.

LA DIRECTORA.

Dirección y guión: Khadija Al-Salami.

Reparto: Reham Mohammed (Nojoom a los diez años), Rana Mohammed (Nojoom a los cinco años), Adnan Alkhader (juez), Ibrahim Al Ashmori, Nazhiha Alansi, Husam Alshiabali.

País: Yemen-Francia-Emiratos Árabes Unidos.

Año: 2014.

Género: Drama.

Duración: 99 minutos.

ME LLAMO NOJOOM, TENGO DIEZ AÑOS Y ME QUIERO DIVORCIAR (ANA NOJOOM BENT ALASHERAH WAMOTALAGAH) SE EXHIBE EN EL MARCO DEL 36 FORO INTERNACIONAL DE LA CINETECA NACIONAL DEL LUNES 25 AL SÁBADO 30 DE JULIO DE 2016 EN LA CINETECA. DEL MARTES 2 AL VIERNES 5 DE AGOSTO EN LAS SALAS DE ARTE DE CUATRO COMPLEJOS DE CINÉPOLIS. ASÍ COMO EN VARIAS SALAS DE CINEMEX, EN CINEMATÓGRAFO DEL CHOPO, SALA JOSÉ REVUELTAS Y LA CASA DEL CINE, ENTRE OTRAS SEDES.

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36 FORO INTERNACIONAL DE LA CINETECA: OSCURO ANIMAL.

La cinta  del colombiano Felipe Guerrero fue la gran triunfadora en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara (FICG) y se exhibió en el Festival de Cine de la Riviera Maya.

En su primera ficción, el documentalista dibuja un crudo drama sobre los desplazados por la violencia en su país.

Muerte, pobreza, desaparición. Casas abandonadas, pueblos destrozados. Huida. Es el retrato que Felipe Guerrero traza en una ficción carente de palabras, pero no de sonidos. Se trata de Oscuro Animal (2016), donde habla del terror y el acoso de la guerra en Colombia  a través de la historia de tres mujeres (cada una por su cuenta), quienes emprenden un viaje con el deseo de escapar de su violento entorno. Una vez que llegan a Bogotá, tomarán un respiro para enfrentar el nuevo curso de sus extraviadas vidas.

Con una puesta en escena contemplativa, el primer largometraje de ficción dirigido por Felipe Guerrero, pone en manifiesto la materialidad del cine para mostrar el sentir de sus protagonistas, determinado por el temor asociado a lo inminente de la violencia, a su sexualidad y a la esperanza en medio de un conflicto armado ya instalado en el inconsciente colectivo y en el cuerpo social de su país.

En la cinta los diálogos son escasos y son los sonidos de la selva los que ocupan un lugar importante. La naturaleza produce tanto miedo como el más penetrante ritmo musical que identifica a un grupo frente a otro. El Oscuro Animal del título puede referirse a muchas cosas, pero aquí sobrevuela la oscura condición humana que provoca guerras y tragedias, y también las oscuras consecuencias en las víctimas de tanta sinrazón, de tanto abuso, de tanto desconsuelo.

Tras dos largometrajes previos que se acercaban más a la labor documental, Paraíso (2006) y Corta (2012), Felipe Guerrero construyó el guión de este filme a partir de sus lecturas de informes de Human Rights Watch y Amnistía Internacional en los que víctimas del conflicto en Colombia relataban sus historias. El resultado es un relato muy duro, que exige mucho al espectador pues su director no negocia en pantalla el sufrimiento que se ha vivido en el país sudamericano desde la década de los ochenta del siglo pasado.

Co-producción entre Colombia, Argentina, Holanda, Alemania y Grecia, la película se desarrolla por triadas, tres protagonistas y tres partes diferenciadas para cada una de ellas. Un primer fragmento para la exposición de las razones por las que sufren; un segundo con el largo camino para llegar al otro lado, al hipotético mundo en el que estas mujeres no encontrarán violencia y serán respetadas; y una tercera con la llegada a la gran ciudad de Bogotá, la meta común a la que tienden las mujeres, independientemente de su pasado diferente, habida cuenta de la violencia que impera en las zonas rurales del país.

Durante la presentación de la película en la edición 31 del Festival de Guadalajara, donde arrasó con los premios a Mejor Película Iberoamericana, Mejor Director Iberoamericano, Mejor Actriz y Mejor Fotografía, el director compartió que al encontrarse haciendo este trabajo, se dio cuenta  de que no había necesidad de utilizar diálogos: “Ni siquiera me sentía cómodo escribiéndolos en el guión. No me salían las palabras. Y eso se refleja en el resultado.  El filme es una posición frontera de cómo se representa la guerra y en ese sentido el diálogo no era necesario. Es una metáfora del ‘silenciamiento’, del hostigamiento, la opresión de la violencia al lenguaje”, comenta.

En El Antepenúltimo Mohicano, Miguel Martín Maestro describe a Oscuro Animal como una película femenina y una sobrecogedora apuesta del cine colombiano para reivindicar la memoria de los que no suelen ser protagonistas: “Cine necesario y de nivel que precisa de un empujón para llegar a occidente”.

Durante el estreno internacional del filme, en el Festival de Rotterdam, Roberto Oggiano escribió para Cineuropa que lo que impacta de la película de Guerrero es la seguridad con que emplea el medio cinematográfico. “El montaje paralelo da fluidez a la cinta, los primeros planos insistentes sobre los rostros de las protagonistas contrastan con larguísimos planos de los Andes colombianos, impregnados por una naturaleza hostil de la que hay que escapar para encontrar resguardo en la ciudad”, señaló.

Otros Premios y Festivales.

2016. Selección oficial de la sección Bright Future en el Festival Internacional de Cine de Róterdam, Países Bajos. Selección oficial en el Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias, Colombia.

EL DIRECTOR

Dirección y Guión: Felipe Guerrero.

Reparto: Marleyda Soto (Rocío), Luisa Vides Galiano (Nelsa), Jocelyn Meneses (La Mona).

País: Colombia-Argentina-Países Bajos-Alemania-Grecia.

Año: 2016.

Género: Drama.

Duración: 107 minutos.

OSCURO ANIMAL SE EXHIBE EN EL MARCO DEL 36 FORO INTERNACIONAL DE LA CINETECA NACIONAL DEL LUNES 25 AL SÁBADO 30 DE JULIO DE 2016 EN LA CINETECA. DEL LUNES 1 AL JUEVES 4 DE AGOSTO EN LAS SALAS DE ARTE DE CUATRO COMPLEJOS DE CINÉPOLIS. ASÍ COMO EN VARIAS SALAS DE CINEMEX, EN CINEMATÓGRAFO DEL CHOPO, SALA JOSÉ REVUELTAS Y LA CASA DEL CINE, ENTRE OTRAS SEDES.

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36 FORO INTERNACIONAL DE LA CINETECA NACIONAL: EL CUARTO PROHIBIDO (THE FORBIDDEN ROOM).

De naturaleza descabellada y onírica, el filme del canadiense Guy Maddin muestra su fascinación por el movimiento surrealista.

Co dirigida por Evan Johnson, la cinta se presentó en el Riviera Maya Film Festival.

El lenguaje cinematográfico de la actualidad ya está muy distante de las necesidades y las precariedades del cine silente de principios del siglo XX. Antes de que llegaran las talkies (sobrenombre que se le dio a las primeras películas con sonido), la comunicación entre el filme y el público tenía que recurrir a métodos que compensaran la falta de audio, como intertítulos y gesticulaciones artificiales.

El cuarto prohibido (The forbidden room, 2015), largometraje dirigido por Evan Johnson y el canadiense Guy Maddin., es una buena oportunidad para las nuevas generaciones de recuperar esa expresividad del cine mudo modernizada con valores de la actualidad. Con un formato fractal que presenta historias dentro de historias dentro de historias, esta cinta novedosa será parte del 36 Foro Internacional de la Cineteca Nacional.

Maddin se ha distinguido por su original recreación de la estética y métodos del cine mudo y del primer cine sonoro para contar sus historias. Muestra de ellos son sus 11 largometrajes, que incluyen temas tan excéntricos como la lucha de un soldado amnésico en las postrimerías de la Primera Guerra Mundial en Arcángel (Archangel, 1990) o los romances problemáticos que provoca una estatua de Venus en El crepúsculo de las ninfas de hielo (Twilight of the ice nymphs, 1997), donde  el cineasta ha intentado basar su técnica en las prácticas de intertitulaje y actuación corporal.

Esta renovación del estilo del cine mudo sostiene en El cuarto prohibido una serie de narraciones que parecen no estar ligadas entre sí: las desventuras de la tripulación de un submarino que emplea métodos poco ortodoxos para mantener su ración de oxígeno en el fondo del mar, un famoso cirujano secuestrado por “mujeres esqueleto”, un bigote que busca la compañía de la viuda de su antiguo portador, un grupo de bandidos del bosque, un batallón de niños soldados, son entre otras, las escenas delirantes que conjuntan personajes que se abren camino hacia las ideas progresistas sobre la vida y el amor.

La naturaleza descabellada y onírica del filme es consecuencia de la fascinación de su autor por el movimiento surrealista. Desde su primer cortometraje, El padre muerto (The Dead Father, 1985), Maddin ya aprovechaba las capacidades del formato blanco y negro en 16 mm para narrar cinematográficamente a la manera de sus mayores influencias en ese entonces: Luis Buñuel y Man Ray.

Al seguir con la tradición prácticamente museográfica e interactiva de sus instalaciones artísticas, es también notable el hecho de que El cuarto prohibido fue grabada en estudios públicos en donde cualquiera puede ingresar para presenciar el rodaje; el primero de ellos en el Centre Georges Pompidou en París y el segundo en el Centre PHI en Montreal.

En general, esta producción ha sido recibida positivamente en su gira de festivales y apoyada por críticos como Stephen Holden, de The New York Times; Todd McCarthy, de The Hollywood Reporter, y J. R. Jones, del Chicago Reader, a pesar de su carácter experimental y de contar con una técnica narrativa que bien podría considerarse anacrónica en nuestra era.

Premios y festivales.

2015 Premio al Mejor Director en el Festival de Cine de Bildrausch-Basilea, Suiza. Selección oficial de la sección Nuevas Fronteras en el Festival de Cine de Sundance, Estados Unidos. Selección Oficial de la sección Forum en el Festival Internacional de Cine de Berlín, Alemania. Selección oficial en el Festival Internacional de  Cine de Hong Kong, China. Selección oficial en el Festival Internacional de Cine de Autor de Barcelona, España.

EL DIRECTOR.

Dirección: Guy Maddin y Evan Johnson.

Guión: Evan Johnson, Robert Kotyk, Guy Maddin, basados en un argumento de Allan Dwan y un relato de John Ashbery.

Reparto: Mathieu Almaric (Thadeusz M / mozo), Geraldine Chaplin (tía Chance / institutriz), Charlotte Rampling (madre del mozo), Maria de Medeiros (madre ciega / Clotilde), Roy Dupuis (Cesare), Clara Furey (Margot), Louis Negin (Mary /Smithy / Mars / organizador / señor Lanyon).

País: Canadá.

Año: 2015.

Duración: 130 minutos.

EL CUARTO PROHIBIDO (THE FORBIDDEN ROOM) SE EXHIBE EN EL MARCO DEL 36 FORO INTERNACIONAL DE LA CINETECA NACIONAL DEL SÁBADO 23 AL JUEVES 28 DE JULIO DE 2016 EN LA CINETECA. DEL DOMINGO 31 DE JULIO AL MIÉRCOLES 3 DE AGOSTO EN LAS SALAS DE ARTE DE CUATRO COMPLEJOS DE CINÉPOLIS. ASÍ COMO EN VARIAS SALAS DE CINEMEX, EN CINEMATÓGRAFO DEL CHOPO, SALA JOSÉ REVUELTAS Y LA CASA DEL CINE, ENTRE OTRAS SEDES.

PARA MAYOR INFORMACIÓN CONSULTAR EL MICROSITIO:

http://www.cinetecanacional.net/micrositios/foro36

http://www.cinepolis.com/muestras-y-festivales