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domingo, 5 de marzo de 2017

EL CLIENTE (FORUSHANDE/THE SALESMAN): EL COLAPSO DE UN MATRIMONIO.

Por Julia Elena Melche

Con El cliente, el realizador iraní Asghar Farhadi ha conseguido su segundo Oscar en la categoría de Mejor Película de Habla no Inglesa. Un merecido premio para un gran director. En 2011 fue por Una separación, drama sobre un matrimonio iraní que planea salir del país en busca de una vida mejor, pero un desafortunado evento inesperado obligará a la pareja a abandonar sus planes provocando también el fin de su relación.

Sin embargo, en esta ocasión el director no asistió a la ceremonia de los Oscar en solidaridad y respeto por la gente de su país y de las otras 6 naciones de población en su mayoría musulmana (Irak, Siria, Yemen, Somalia, Sudán y Libia.), que el inhumano veto migratorio de Donald Trump prohíbe su entrada a los Estados Unidos.

Pese a las dificultades que vive el país, Irán tiene una de las industrias cinematográficas más dinámicas y creativas del mundo. Prueba de ello es la presencia constante de sus películas y cineastas en los festivales internacionales de cine más importantes, como Berlín y Cannes, en los que las películas de Farhadi son siempre aclamadas y premiadas. El año pasado El cliente, su octavo largometraje, recibió en este último, el Premio al Mejor Guión y a la Mejor Interpretación Masculina.

Con un cine comprometido y sutil y contemplativo, el prestigiado realizador explora de nueva cuenta en las relaciones de pareja en un afortunado drama con tintes de thriller, que también escribe, y que ha sido una de las cintas más taquilleras en la historia del cine iraní. Los protagonistas son Emad (Shabah Hosseini), un joven maestro de literatura, y su esposa Rana (Taranah Alidoosti), dedicada al hogar. Ambos son actores, tienen su pequeña compañía de teatro y ensayan Muerte de un viajante del dramaturgo estadunidense Arthur Miller, interpretando a los personajes de la obra Willy y Linda Loman respectivamente.

Cuando su departamento en Teherán corre el riesgo de derrumbarse, se mudan a uno que les consigue un compañero de la compañía de teatro, pero un terrible incidente provocará que su relación empiece a resquebrajarse. Una noche, Rana se dispone a tomar una ducha y alguien entra a la vivienda. Emad encuentra a su mujer en un hospital con serios golpes en la cabeza. Los vecinos que ayudaron a su esposa le comentan que seguramente fue un cliente de la antigua inquilina quien llevaba una vida “salvaje”.

En adelante Emad se ve invadido por sentimientos de ira, impotencia y venganza en su obsesión por saber lo que sucedió realmente y quién fue el agresor, pero sobre todo por no tener la certeza de que su mujer fue víctima de una violación, una duda que incrementará su malestar y será el principal punto de tensión del filme. 

Si bien, Rana ha sido la verdadera víctima y va tratando de superar la agresión sufrida, tratando de retomar sus rutinas domésticas en silencio, es Emad quien parece ser el más afectado. El posible ataque sexual a su esposa representa para él una humillación pública y el reconocerlo debilita su condición de hombre dentro de los usos y costumbres iraníes, de ahí que no denunció el hecho a la policía. Además, la sospecha de que el asaltante confundió a Rana con una mujer de dudosa reputación hiere su orgullo masculino.

Con gran habilidad, el director va creando una espiral de dudas y sospechas en torno al hecho, donde el suspenso sicológico juega un papel importante. Maneja con eficacia y sin prisas cada nueva revelación en las que se va mostrando el distanciamiento anímico y afectivo en que va cayendo la pareja en un camino sin retorno. Y como los personajes de sus anteriores filmes, Rana y  Emad deberán enfrentarse a los difíciles dilemas morales que les plantean sus actos, semejantes a los asuntos éticos que deben resolver los protagonistas de la obra que están representando.

Se trata de un inquietante análisis de las complejas relaciones de pareja en el Irán de hoy que solo un realizador sensible como Farhadi puede retratar de manera sencilla, lúcida y sobria.

MUY RECOMENDABLE.

EL DIRECTOR.
Dirección y Guión: Asghar Farhadi, inspirado en la obra teatral La muerte de un viajante, de Arthur Miller.
Reparto: Shahab Hosseini (Emad), Taraneh Alidoosti (Rana), Babak Karimi (Babak), Mina Sadati (Sanam), Farid Sajjadihosseini (el cliente), Maral Bani Adam (Kati) y Mehdi Kooshki (Siavash).
País: Irán-Francia.
Año: 2016.
Género. Drama.
Duración: 125 minutos.
Clasificación: Mayores de 15 años.
Fecha de estreno en México: 3 de marzo de 2017.

ELCLIENTE (FORUSHANDE/THE SALESMAN) SE EXHIBE EN CINETECA NACIONAL Y EN CINÉPOLIS.

PARA INFORMACIÓN DE HORARIOS Y SALAS, CONSULTAR:




miércoles, 18 de enero de 2017

“FUOCOAMMARE: FUEGO EN EL MAR”, RETRATO DEVASTADOR DE LA CRISIS HUMANITARIA

Por Julia Elena Melche.

El documentalista italiano Gianfranco Rosi retrata la terrible experiencia de cientos de migrantes africanos que arriesgan sus vidas en el Mar Mediterráneo huyendo de la guerra y el hambre y llegan cada día a las costas de la pequeña isla de Lampedusa, al sur de Italia.

La cinta mereció el Oso de Oro a la Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Berlín y fue seleccionada para representar Italia en la próxima entrega de los premios Oscar en la categoría de Mejor  Película de Habla no Inglesa.

Con alrededor de 6.000 habitantes, la isla de Lampedusa es el punto más meridional de Italia y desde 1990 se ha convertido en un lugar de arribo de inmigrantes ilegales procedentes de tierras africanas en embarcaciones de pésimas condiciones. En poco más de 20 años, cerca de 20,000 personas han perecido durante la travesía para alcanzar lo que supone una vía de entrada a Europa.


En ese contexto transcurre el documental Fuocoammare: Fuego en el mar, que retrata como contrapunto a esta tragedia, la apacible vida cotidiana en Lampedusa, donde sus habitantes son testigos del flujo diario e incesante de embarcaciones atestadas de migrantes que aspiran a llegar al viejo continente buscando escapar de la guerra y el hambre.

Y en ese otro lado de la historia, se encuentra un niño de 12 años llamado Samuele (Samuele Pucillo), quien lleva una vida común; va a la escuela, le gusta cazar pájaros con su resortera, acompañar a su padre pescador en su pequeño barco y jugar con su amigo Mattías a disparar al aire con un fusil imaginario. Escucha las anécdotas que le cuenta su abuela María, sobre buques militares que lanzaban cohetes luminosos al aire durante la guerra y las de un pariente de cuando viajaba durante meses a bordo de barcos cargueros.

La idea inicial del director era realizar un cortometraje de 10 minutos, pero cuando fue a Lampedusa y empezó a conocer a las personas del lugar y el drama de los refugiados, pero sobre todo, conversar con el médico de la isla que lleva muchos años ocupándose de todos los inmigrantes que llegan a las costas en malas condiciones, se dio cuenta que tenía que realizar un largometraje. Para obtener suficiente material y poder capturar la llegada masiva de refugiados al lugar, se instaló en la isla durante más de un año.

Así, el cineasta deja ver desde el inicio el dramatismo de los migrantes africanos a través de la desesperada llamada de auxilio de una embarcación que se está hundiendo y es capturada por la radio del navío de un lugareño. En adelante capturará los rescates de refugiados deshidratados, hambrientos, exhaustos, en condiciones infrahumanas; son los que han conseguido llegar con vida y a quienes les espera un futuro incierto.

El médico que dirige la clínica de la isla, Pietro Bartolo, lleva años curando las severas quemaduras que presentan los migrantes, debido a las sustancias químicas y el combustible en las embarcaciones; atiende a las mujeres embarazadas, realiza autopsias y hasta ayuda a sepultar a los niños que no han logrado sobrevivir. Su labor es difícil como médico y como hombre sensible que es y a lo que nunca terminará por acostumbrarse pues son cientos los que mueren

Fuocoammare: Fuego en el mar avanza con un ritmo pausado para permitir la contemplación de los acontecimientos con detenimiento. Una cámara siempre alerta, a cargo del propio realizador, registra una realidad dolorosa que conmueve y en la que los rescatistas y algunos pobladores juegan un rol esencial de ayuda. No obstante, habrá otros, como el pequeño Samuele, que se muestran indiferentes ante esta devastadora crisis humanitaria.

Filme duro e hiriente sobre dos realidades contrastantes, pero una sobre todo, preocupante y extrema.

EL DIRECTOR.

Luego de pasar su juventud en su natal Italia, Gianfranco Rosi se mudó en 1985 a Nueva York, donde realizó sus estudios de cine. Su primer largometraje, Boatman (1993), fue proyectado en diversos festivales. En 2013 obtuvo el León de Oro a Mejor Película en la Muestra de Venecia por su documental Sacro GRA. En El sicario, habitación 214 (2010)  hizo el seguimiento de un capo de la droga en México. Con Fuocoammare, su quinto trabajo, mereció el Oso de Oro a la Mejor Película, el Premio del Jurado Ecuménico, el Premio de Amnistía Internacional a la Mejor Película y el Premio del Jurado de los lectores del diario Berliner Morgenpost en el Festival Internacional de Cine de Berlín 2016.

Dirección, Guión y Fotografía en Color: Gianfranco Rosi.
Reparto: Samuele Pucillo, Maria Costa, Pietro Bartolo, Samuele Caruana, Giuseppe Fragapane, Maria Signorello.
País: Italia-Francia.
Año: 2016.
Género: Documental.
Duración: 108 minutos.
Fecha de estreno en México: 13 de enero de 2017.

FUOCOAMMARE: FUEGO EN EL MAR (FUOCOAMMARE) SE EXHIBE EN CINETECA NACIONAL Y EN CINÉPOLIS.

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viernes, 2 de septiembre de 2016

LA DELGADA LÍNEA AMARILLA: VIAJE DE AMISTADES Y DESCUBRIMIENTOS.

Por Julia Elena Melche.

La delgada línea amarilla, ópera prima del cineasta mexicano Celso García, narra el viaje de cinco hombres que son contratados para pintar la línea divisoria de una carretera que conecta dos pueblos de México, San Jacinto y San Carlos. A bordo de una vieja camioneta, inician el trabajo de más de doscientos kilómetros de asfalto y pintura amarilla que deberán completar en menos de quince días. 


Cinco solitarios que, por azares del destino, se unen con el único propósito de ganar unos pesos, pero sin buscarlo, este viaje cambiará su manera de ver y entender la vida. Al finalizar el recorrido, comprenderán que existe una delgada línea entre el bien y el mal; entre la risa y el llanto; entre la vida y la muerte.

Con diferentes personalidades y formas de ver la vida, Toño (Damián Alcázar), el encargado de la obra, Gabriel (Joaquín Cosío), Atayde (Silverio Palacios), Mario (Gustavo Sánchez Parra) y Pablo (Américo Hollander), el más joven de todos, conviven bajo las inclemencias del clima, un calor agobiante, luego la lluvia, y siempre cuidándose de los autos, camiones y tráilers que pasan a altas velocidades. En la monotonía laboral, se mueven entre fricciones y tolerancias para poco a poco conocerse y llegar a un verdadero entendimiento de amistad y hermandad.

Narrada a manera de road-movie y en una mezcla de comedia y drama, se trata de una historia sencilla, entrañable y reflexiva que habla del perdón, de segundas oportunidades, de las complicadas relaciones humanas y de autodescubrimientos.


En La delgada línea amarilla, la carretera se convierte en un espacio monótono, interminable e incómodo, donde los hombres dejan ver sus miedos, sus flaquezas y carencias, pero también sus deseos, sueños y fortalezas. El título mismo se erige como metáfora de una línea que divide, pero también como el trazo que sirve de guía en la vida.

Con un excelente reparto y 14 nominaciones al Premio Ariel 2016, entre ellas a Mejor Película, Mejor Actor (Damián Alcázar), Mejor Coactuación Masculina (Gustavo Sánchez Parra, Joaquín Cosío y Silverio Palacios), La delgada línea amarilla recibió el Premio Especial del Jurado como Mejor Guión en el Festival de Gijón 2015, y 5 merecidos Premios en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara, como Mejor Guión Iberoamericano, el Premio del Público, Premio Especial del Jurado, Premio de la Prensa Especializada y el Premio Academia Jalisciense de Cinematografía a Mejor largometraje de ficción.

Dirección y guión: Celso García.
Reparto: Damián Alcázar, Joaquín Cosío, Gustavo Sánchez Parra, Silverio Palacios, Américo Hollander.
País: México-Francia.
Año: 2015.
Género: Drama.
Duración: 95 minutos.
Clasificación: Mayores de 15 años.
Fecha de estreno en México: 2 de septiembre de 2016.

LA DELGADA LÍNEA AMARILLA SE EXHIBE EN CINÉPOLIS Y EN CINETECA NACIONAL.

HORARIOS EN CINETECA.
Viernes 2 de septiembre. SALA 2:
Sábado 3 de septiembre. SALA 2:
Domingo 4 de septiembre. SALA 2:
Lunes 5 de septiembre. SALA 2:
Martes 6 de septiembre. SALA 2:
Miércoles 7 de septiembre. SALA 2:
Jueves 8 de septiembre. SALA 2:

PARA INFORMACIÓN DE HORARIOS Y SALAS, CONSULTAR:
www.cinepolis.com.mx



viernes, 26 de agosto de 2016

TE PROMETO ANARQUÍA: INTELIGENTE RETRATO DE LA JUVENTUD MEXICANA.

Por Julia Elena Melche.

Con Te prometo anarquía, el cineasta, guionista y productor de origen guatemalteco y afincado en México Julio Hernández Cordón, lanza una mirada fresca, realista y desprovista de prejuicios  a un grupo de jóvenes de nuestros días que pasan el tiempo patinando  en las calles de la Ciudad de México y se dedican a conseguir dinero fácil, vendiendo su sangre y la de otros en el mercado negro.

Los protagonistas son Miguel y Johnny, amigos y amantes furtivos que se conocen desde la infancia y quienes son interpretados de manera notable por Diego Calva Hernández y Eduardo Martínez Peña respectivamente, actores no profesionales sino expertos skaters que fueron reclutados por el director entre dos y seis meses antes de iniciar rodaje, lo que otorga a la cinta una mayor naturalidad.

Te prometo anarquía, título que proviene de un blog homónimo de poesía que el director encontró, también da significado al espíritu rebelde de los personajes, los skaters, esos virtuosos de la patineta que se deslizan sobre ruedas en piruetas increíbles y toman los espacios abiertos de manera subversiva y con un sentimiento de pertenencia, debido a que no poseen espacios propios para ocuparlos libremente, haciendo suya la gran urge a contracorriente de las reglas.

En su quinto largometraje, el realizador consigue un retrato inteligente del fenómeno de las tribus urbanas, integradas por jovencitos en busca de su identidad. A pesar de sus diferencias sociales (Miguel pertenece a una familia acomodada, mientras  Johnny es el hijo de la empleada doméstica en casa del primero), los chicos son muy unidos, no solo por ser socios en su turbio negocio clandestino y su relación homosexual, sino por los lazos que han ido creando en el submundo de la cultura callejera, en la que ser rico o pobre no representa una barrera para relacionarse.

Luego de filmar sus anteriores películas en Guatemala (Gasolina, 2008; Las marimbas del infierno, 2010; Polvo, 2012; Hasta el sol tiene manchas, 2012), Hernández decide ahora capturar al México del narcotráfico, de los secuestros y desapariciones de personas, junto con toda la impunidad que gira a su alrededor, asuntos que aborda en seco y en un inmejorable tono de cine negro.

Se trata de un espejo honesto, realista e incómodo de una juventud mexicana que vive entre  la corrupción, la violencia, el comercio ilegal, la falta de oportunidades, asesinatos y ambientes adversos, fríos, abandonados, con graffitis, donde se entrecruzan la expresión contracultural, el amor gay, la marginalidad social y los lucrativos negocios del crimen organizado.

Te prometo anarquía fue exhibida en la competición oficial del Festival de Locarno, Suiza y ha merecido premios  y menciones especiales en el Festival Internacional de Cine de Morelia, en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, Cuba y el Premio FIPRESCI a la Mejor Película Latinoamericana en el Festival Internacional de Río de Janeiro,  Brasil y en el Festival Internacional de Cine de Los Cabos a la Mejor Película Mexicana.

Con una lograda banda sonora que enriquece sus líneas argumentales, el filme es sin duda un trabajo que no pasa desapercibido, de un cineasta de vocación naturalista y comprometido con sus preocupaciones sociales que sabe plasmar en la pantalla con una gran madurez.

EL DIRECTOR
Dirección y guión: Julio Hernández Cordón.
Reparto: Diego Calva Hernández (Miguel), Eduardo Martínez Peña Pelukaz (Johnny), Shvasti Calderón (Adri), Gabriel Casanova (Gabriel), Diego Escamilla (Techno), Martha Claudia Moreno (Brenda), Milkman (David).
País: México- Alemania.
Año: 2015.
Género: Drama.
Duración: 88 minutos.
Clasificación: Mayores de 15 años.

Fecha de estreno en México: 26 de agosto de 2016.

TE PROMETO ANARQUÍA SE EXHIBE EN LAS SALAS DE ARTE DE CINÉPOLIS Y EN CINETECA NACIONAL.

HORARIOS EN CINETECA:

Viernes 26 de agosto. Sala 1:
Sábado 27 de agosto. Sala 1:
Domingo 28 de agosto. Sala 1:
Lunes 29 de agosto. Sala 1:
Martes 30 de agosto. Sala 1:
Miércoles 31 de agosto. Sala 1:
Jueves 1 de septiembre. Sala 1:


El sábado 27 de agosto en la función de las 17:00 horas se contará con la presencia del director Julio Hernández Cordón.

PARA MAYOR INFORMACIÓN, CONSULTAR:
www.cinepolis.com.mx
www.cinetecanacional.net


viernes, 27 de mayo de 2016

SAINT LAURENT: EL GENIO CREATIVO DEL MUNDO DE LA MODA.

Por Fabián Quezada León


Es sin duda singular que en un solo año se hayan hecho dos biografías dramatizadas de la vida de Yves Saint Laurent y en esta ocasión dirigida por Bertrand Bonello (L'Apollonide (Souvenirs de la maison close, 2011; De la guerre, 2008; Tiresias, 2003; Le pornographe, 2001).

Sin duda es un tema donde Bonello se puede explayar porque incluye lujo, excesos, sexo y sustancias ilegales, alrededor de un genio creativo que fue una de las influencias más importantes en el mundo desde los 60’s. No solamente se constituyó a sí mismo como un ícono del diseño, sino que creó, como otros diseñadores de renombre, una industria que abarcó no solamente moda sino toda una manera de vivir la vida.


Yves, de origen argelino, fue uno de los iconoclastas del diseño al incorporar fuentes y tendencias en la inspiración de sus colecciones fue el primero en buscar influencia a sus colecciones en tierras lejanas a Europa y el primero que dejo ver los senos de las mujeres debajo de transparencias.


“Saint Laurent”, no sigue una línea de tiempo cronológica, sino que flota, de entre 1965 y los mediados de los 70’s  hacia atrás o hacia adelante, impregnándose mucho más por la moda y la vibración de las tendencias y los acontecimientos en la vida de Yves que por un recuento ordenado de los hechos y de esta manera se transforma en una especie de evocación, a la que las leyes de la narración no se apegan estrictamente, libre gira en torno a momentos que generaron sensaciones, drama, creaciones o pasiones.


Y en torno a este centro Bertrand Bonello construye una historia de fama, poder, moda, excesos y glam (a tal grado que en uno de los diálogos cuando le preguntan a Yves al registrarse en el hotel ¿cuál es el motivo de su estancia en París?, responde que “vino a dormir”)


Obvio, en este mundo de las pasarelas y alta costura, los vicios caros y las bajas pasiones no están para nada ausentes y aunque este podría ser un motivo “morboso” para ver la cinta, el drama subyacente al interior de la vida de Yves es mucho más impactante y es un hecho que en la vida de este hombre hay intensidad dramática suficiente.  


Saint Laurent es representado por Gaspard Ulliel, integrante del mundo fashion dada su profesión de modelo para la casa Chanel, y el cual aunque no sea muy parecido al original físicamente, no ha dejado desapercibido ninguno de los tics y gestos que, dicen los íntimos, poseía Yves;  su trabajo es impecable; sin embargo esta versión no contó con la bendición de la casa Saint Laurent y por ello se tuvieron que reconstruir vestidos de dos colecciones (45 vestidos en total) y así mismo el icónico departamento de la Rue Babylon  donde vivieron Yves y Berge fue replicado minuciosamente.


Lo remarcable de esta versión dirigida por Bonello es el derroche de lujo y de un tremendo sex appeal, encabezado por los tres protagónicos Ulliel, Seydoux y Valade en esta especie de  ménage à trois en que la vida de YSL se desarrolló junto con sus dos musas (Loulou De la Falaise  y Betty Catroux)




Al divagar en la línea del tiempo, se da la libertad de omitir pasajes de la biografía de YSL como su niñez o sus años de juventud trabajando para Dior y nos da una visión más selectiva en la que vivimos junto con los grandes triunfos, los grandes fracasos, las grandes inseguridades y las debilidades enfermizas, la relación con su socio y pareja de toda la vida, Berge y su romance con el modelo  Jacques de Bauscher (Garrel) que significara una gran disputa con Karl Lagerfeld



La única cosa que se podría reclamar al film es que habiendo flotado sin seguir un continuum, opte por obligar a un pase de tiempo introduciendo a un Yves mayor encarnado por un destrozado Helmut Berger (quien en los 70’s era catalogado como el hombre más bello del mundo y de cuya más que intensa vida podrían hacerse varias cintas)


En lo que se refiere al impacto visual de la película, la cinematografía de Josee Deshaies provee al film de atmósferas lujosas plenas de remembranzas setenteras, donde se cuida cada detalle y todo ello se enmarca sonoramente en un soundtrack cuyo rango lo mismo abarca a la Callas que a la música disco setentera, que se arropan entre telas suntuosas con influencia Argelina y estampados caprichosos, desde los vestidos y transparencias en el pecho, las bolsas, los turbantes, los smoking perfectamente cortados y las joyas, hasta el perfume o los cigarrillos. Este es el sello de la cinta y del nombre, todo dentro del mundo YSL tiene estilo no en balde ha sido catalogado como “el último diseñador de su tipo”.


Premios y festivales

2014 Premio ICS de la Sociedad Cinéfila Internacional. Festival de Cannes. Francia. Selección Oficial del Premio Louis Delluc. Francia

2015 César al mejor vestuario. Academia de las Artes y Técnicas del Cine de Francia. 



Dirección: Bertrand Bonello.

Reparto: Gaspard Ulliel, Jeremie Renier, Louis Garrel, Helmut Berger, Aymeline Valade, Brady Corbet, Lea Seydoux, Amira Casar, Valeria Bruni-Tedeschi, Jasmine Trinca, Travis Kerschen.

País: Francia-Bélgica,

Año: 2014,

Género: drama biográfico

Duración: 150 min.

Clasificación: Mayores 18, uso de drogas, sexo, desnudos

Fecha de estreno en México: 27 de mayo de 2016.



SAINT LAURENT (SAINT LAURENT) SE EXHIBE EN CINETECA NACIONAL Y EN CINÉPOLIS.


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viernes, 29 de abril de 2016

LOS MUERTOS: LOS EXCESOS DE LOS NIÑOS BURGUESES.

Por Julia Elena Melche.

Las vidas aburridas, decadentes, ociosas y sin ambiciones de unos jóvenes de la clase alta mexicana, son retratadas con especial crudeza por el joven realizador mexicano de 26 años Santiago Mohar Volkow, quien comenta que el título de su primer largometraje, Los muertos, hace referencia a varias muertes que suceden en la historia, pero también a los personajes que están muertos en vida, unos mirreyes sin emoción, ni sentimientos e incapaces de sentir ni de comprender las cosas que les pasan a ellos y al entorno social, político y económico, en el que viven.

Inspirada en situaciones que le sucedieron al cineasta, a amigos cercanos y a familiares, Los muertos relata un fin de semana en la existencia de cinco chicos adinerados, quienes se sienten que están por encima del resto de la población, desprecian a los “morenitos” y a la clase trabajadora y creen que sus actos no tienen consecuencias. 

Primero se reúnen en una lujosa casona media vacía, propiedad del abuelo de uno de ellos, donde abunda el sexo, el alcohol y las drogas. En sus encuentros con la violencia, destruyen muebles y se divierten con un juego peligroso que se sale de control.

Con estudios en Barcelona, España, de guión y dirección, el realizador ofrece una mirada crítica a la realidad cotidiana de un México clasista con personajes vacíos, prepotentes, crueles, sexistas y machistas, quienes llegan a contagiar al espectador su malestar existencial y se mueven en atmósferas irrespirables, capturados en atractivos encuadres. Hablan de las víctimas del crimen organizado, de robos, de secuestros, de violaciones, a manera de cuentos de terror y en una indiferencia social absoluta.

Se trata de una crónica en seco que invita a la reflexión y se aleja de dramatismos y juicios morales sobre una juventud nihilista, amoral y derruida de antemano.

Dirección y guión: Santiago Mohar Volkow.
Reparto:Ignacio Beteta (Ignacio), Jorge Caballero (Diego), Santiago Corcuera (Santiago), Elena Larrea (Elena), Florencia Ríos (Elsa).
País: México.
Año: 2014.
Duración: 89 minutos.
Género: Drama.
Fecha de estreno en México: 22 de abril de 2016.

LOS MUERTOS SE EXHIBE EN CINETECA NACIONAL Y EN CINÉPOLIS CENTRO MAGNO DE GUADALAJARA.

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