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domingo, 16 de octubre de 2016

MEDITERRÁNEA, LA ODISEA DE LOS REFUGIADOS: LA TERRIBLE CRISIS MIGRATORIA.

Por Julia Elena Melche.

La migración, tema social candente y preocupante que se ha endurecido en tiempos recientes debido a la creciente inestabilidad de países de África, América Latina y de Oriente Medio, se ha convertido en un asunto de emergencia ante los desplazamientos masivos y forzados de víctimas de la pobreza, hambrunas y guerras.

El incremento del flujo descontrolado de refugiados solicitando asilo en países europeos se agudizó en 2015, tratándose así de la mayor crisis migratoria y humanitaria en Europa, después de la Segunda Guerra Mundial. Refugiados y migrantes ilegales en condición de vulnerabilidad, cruzan el Mediterráneo para ingresar a la Unión Europea a través de Grecia e Italia, en su mayoría para continuar su tránsito hacia Europa Central y Europa del Norte.

El drama real del inmigrante africano de Burkina Faso Koudous Seihon a Italia, es el tema de la ópera prima del joven realizador romano Jonas Carpignano quien narra los hechos con honestidad para hablar de la violencia y las dificultades que enfrentan los inmigrantes africanos en Italia.

Mediterránea, la odisea de los refugiados sigue a Ayiva (interpretado por el propio Koudous Seihon) y a Abas (Alassane Sy), dos amigos procedentes de Burkina Faso que se encuentran en Argelia  con el fin de llegar a Italia en busca de mejores oportunidades laborales. El camino será largo y dificultoso, cruzando fronteras y atravesando el desierto bajo temperaturas terribles y los ataques de saqueadores armados, hasta llegar a Libia y pagar a unos traficantes del lugar para embarcarse en una lancha neumática destartalada y sin salvavidas, con el fin de cruzar el mar mediterráneo rumbo a la costa italiana junto con algunos conocidos.

Al llegar a Calabria, en la ciudad portuaria de Rosarno, se ven obligados a laborar como ilegales cosechando naranjas por unos cuantos euros, encontrándose con la explotación del patrón y las pésimas condiciones de trabajo, además del rechazo de los habitantes racistas y xenófobos del pueblo.

Los protagonistas, actores no profesionales que accedieron a ponerse frente a la cámara para interpretarse a sí mismos, desempeñan un trabajo notable y convincente que trasmite al espectador toda la desazón de su travesía, en especial Koudous Seihon, quien, motivado por su propia experiencia, deja ver en su rostro la angustia y la rabia por la discriminación, la ilusión por tratar de encontrar la manera de enviar dinero a su hermana e hijita en África, con quienes se comunica a través de Skipe, y el desencanto y desánimo permanentes ante lo incierto de su nueva vida, muy distante a lo que él tenía en mente.

No obstante toda la hostilidad y dificultades que rodean a Ayiva y Abas, encontrarán apoyo en una madura y buena mujer, conocida como Mamma Africa, quien se dedica a ayudar a los refugiados ofreciéndoles comida y alojamiento.

El cineasta aborda el conflicto sociopolítico de manera emotiva y humana, utilizando cámara en mano, lo que le da a la historia un aire de documental. Su interés por esta historia tiene su origen en una serie de disturbios callejeros que tuvieron lugar en el poblado de Rosarno en 2010. Luego de que un trabajador africano fue asesinado por un ciudadano local, la comunidad negra en Calabria salió a marchar y a quemar automóviles en las calles como señal de protesta. El director conoció a Koudous Seihon durante una marcha que conmemoraba el aniversario de la matanza y revuelta de africanos.

Antes de realizar el largometraje, el director y su actor llevaron a cabo un par de cortos referentes al mismo tema: A Chjàna (2012), que recrea el levantamiento de 2010, y A Ciambra (2014), que retrata al pequeño Pio, un niño callejero y tramposo que vende artículos electrónicos robados en Rosarno, es adicto a los cigarrillos y aparece en Mediterránea, la odisea de los refugiados.

Premiada en los festivales de cine de Estocolmo, Estambul, Belgrado, Zúrich, El Cairo, entre otros, la cinta se aleja del melodrama, maniqueísmos y de la autoconmiseración. En su lugar, se guía por la emotividad al retratar con autenticidad la crisis migratoria y la lucha diaria por la supervivencia de seres envueltos en la melancolía y la añoranza por la tierra y seres queridos que han tenido que abandonar.

MUY RECOMENDABLE.

Dirección y guión: Jonas Carpignano.
Reparto: Koudous Seihon (Ayiva), Alassane Sy (Abas), Pio Amato (Pio), Francesco Papasergio (Mommo), Naciratou Zanre (Zena), Davide Schipilliti (Rocco), Ernest Zire (Arafat), Vincenzina Siciliano (Marta), Annalisa Spirli (Annalisa).
País: Italia-Francia-Estados Unidos-Alemania-Qatar.
Año: 2015.
Género: Drama.
Duración: 107 minutos.
Clasificación: Mayores de 15 años.
Fecha de estreno en México: 15 de octubre de 2016.

MEDITERRÁNEA, LA ODISEA DE LOS REFUGIADOS  (MEDITERRANEA) SE EXHIBE EN CINÉPOLIS Y EN LA CINETECA NACIONAL.

PARA INFORMACIÓN DE HORARIOS Y SALAS, CONSULTAR:
www.cinepolis.com.mx
www.cinetecanacional.net

sábado, 15 de octubre de 2016

LLÉVATE MIS AMORES: UN FILME EMOTIVO Y MUY INSPIRADOR.

La ópera prima del mexicano Arturo González Villaseñor aborda la labor humanitaria de las patronas de un poblado de Veracruz, tema que sirvió de inspiración al joven realizador para este documental de sencillez ejemplar. 

Desde hace 18 años un grupo de mujeres de distintas edades, habitantes del poblado Guadalupe La Patrona, prepara comida diariamente para los migrantes a bordo de La Bestia. 
El tren pasa diariamente trasportando a cientos de hombres en busca de una vida mejor, búsqueda que implica arriesgar su vida y pasar por situaciones inhumanas y degradantes. La labor solidaria y desinteresada de las llamadas ‘patronas’ contrasta con la violencia que viven los migrantes que se desplazan por el ferrocarril exponiéndose a todo tipo de peligros.
Con gran paso por festivales nacionales e internacionales, Llévate mis amores (2014) es la ópera prima del joven realizador mexicano Arturo González Villaseñor; un acercamiento íntimo a estas mujeres, que escogen un modo riesgoso en la vida que les tocó vivir. Conocidas como "Las Patronas", estas mujeres preparan kilos y kilos de comida, entre arroz, frijoles, soya, llevando canastas con pan de dulce. Comentan que ellas comparten “de lo que Dios les da”, que sienten impotencia por los atropellos que sufren los migrantes, que les da tristeza al verlos que se alejan de sus familias, aunque también les da gusto de poder ayudarlos con un poco de alimento.
El documental es de una sencillez ejemplar, los recursos audiovisuales se omiten para cederle al guión y al manejo de cámara la mayor importancia. De esta manera la cinta resulta honesta y directa, con testimonios personales donde las patronas explican los motivos que las llevan a seguir apoyando a los migrantes. 
El origen de Llévate mis amores nos remite a los días en que Arturo González Villaseñor, recién egresado de la carrera de comunicación social, tenía el propósito de realizar su tesis sobre una radio comunitaria en un poblado de Veracruz. Sin embargo fue imposible obtener los permisos legales. Eso le llevó a conocer la labor humanitaria de estas mujeres e interesarse en crear un testimonio para difundirla.
“Éste es el retrato de varias generaciones, todas con una asombrosa disciplina para levantarse todos los días y preparar, cocinar, embolsar y lanzar los lonches. Y lo más sorprendente es que las agradecidas con los migrantes son ellas, dicen que les han cambiado la vida, que las hacen sentir bien consigo mismas”, expresó el joven cineasta en una entrevista para el periódico La Jornada.
El equipo de trabajo comenzó a recabar los testimonios a inicios del 2001, labor que les tomó aproximadamente tres años y medio. El director comenzó escribiendo cuentos para después realizar el documental. En este transcurso se dio cuenta de que estas mujeres no sabían quiénes eran realmente, que sólo se reconocían al limpiar frijoles, cocer arroz y conseguir tortillas y pan para armar paquetes de comida.
“Arturo González Villaseñor ha sabido captar con la cámara, tanto en sus quehaceres y sus actos como en sus testimonios orales, el sentimiento de estas madres y esposas que han padecido problemas y que también se han sentido solas en algún momento de su vida. La progresión del documental nos vislumbra dos núcleos diferentes a tener en cuenta: el paso diario de los trenes y las historias humanas que interactúan arriba y abajo del tren”, comenta José Luis García en su crítica a Cinestel.
Arturo González Villaseñor estudió Comunicación Social en la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM-X), con especialidad en Políticas Públicas con orientación a comunicación. En 2013 fundó la productora Acanto Films.

Se trata de un filme emotivo, inspirador y honesto, de mujeres que no se rinden ni se dan por vencidas y dan lo mejor de sí mismas para que esos viajeros desconocidos puedan realizar sus sueños.
Muy recomendable.

Premios y festivales.

2016. Premio al Mejor Documental en el Festival Internacional de Cine Álamos Mágico, Sonora, México. Premio de Bronce. Mejor Mensaje de Derechos Humanos en el Festival Internacional de Documentales del Milenio, Bruselas, Bélgica. Premios al Mejor Documental y del Público en la Muestra de Cine Latinoamericano de Cataluña, España. Mejor Documental y Mención Honorífica del Jurado en el Festival Internacional del Cine Pobre, Gibara, Holguín, Cuba.

2015. Mención Honorífica al Mejor Largometraje Documental en el Festival Internacional de San Cristóbal de las Casas, Chiapas, México. Viva México, Encuentros Cinematográficos en París, Francia.

2014. Premio México Primero como Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Los Cabos,  México.

EL DIRECTOR.
Dirección: Arturo González Villaseñor.
Guión: Indira Cato y Arturo González Villaseñor.
País: México.
Año: 2014.
Género: Documental.
Duración: 90 minutos.
Clasificación: Mayores de 15 años.
Fecha de estreno en México: Octubre 14 de 2016.

LLÉVATE MIS AMORES SE EXHIBE EN CINÉPOLIS Y EN LA CINETECA NACIONAL.

HORARIOS EN CINETECA:
Sábado 15 de octubre. SALA 7:
Domingo 16 de octubre. SALA 7:
Martes 18 de octubre. SALA 7:
Miércoles 19 de octubre. SALA 7:
Jueves 20 de octubre. SALA 7:


PARA MAYOR INFORMACIÓN, CONSULTAR:
www.cinepolis.com.mx
www.cinetecanacional.net

jueves, 26 de mayo de 2016

LA BRUJA (THE WITCH): EL TEMOR A LO DESCONOCIDO.

Por Julia Elena Melche.

Con el título  y la clasificación en el género de terror, el público puede pensar que La bruja  es una típica cinta de miedo, sustos, de apariciones y fantasma, con sus rutinarios impactos visuales y sonoros para incrementar el temor. Sin embargo, nada de esto aparece en la película, aunque si mantendrá al espectador en una tensión constante y sin duda habrá de perturbarlo. El subtítulo que acompaña al filme en el inicio es lo que mejor define su contenido: “Basada en leyendas de Nueva Inglaterra”, leyendas que tienen su génesis en la creencia de lo sobrenatural, de la brujería, de la posesión demoníaca y  en el temor a lo desconocido.

En La bruja, el realizador norteamericano Robert  Eggers ambienta el relato en la Nueva Inglaterra de 1630, época de la llegada de los primeros colonos a Estados Unidos, cuando una familia de inmigrantes ingleses y devotos cristianos, es repudiada por su iglesia y expulsada de la aldea donde viven por el fanatismo religioso del patriarca de la misma, el estricto e inflexible William (Ralph Ineson), quien junto con su esposa, Katherine (Kate Dickie) y sus cinco hijos van a vivir en los límites de un bosque, donde construyen su casa y una granja.

Pronto, empiezan a suceder cosas extrañas e inquietantes; los animales se vuelven agresivos, la cosecha se malogra, el hijo más pequeño, un bebé de escasos meses de edad, desaparece misteriosamente cuando la hermana mayor, Thomasin (Anya Taylor-Joy) lo cuidaba, mientras el hijo adolescente parece estar poseído por un espíritu maligno. Envueltos en la paranoia por el temor de un mal sobrenatural, los miembros de la familia acusan a la joven Thomasin  de brujería, pero ella lo niega.

El cineasta y guionista Robert  Eggers hace su debut cinematográfico, por el que fue premiado como Mejor Director en el Festival de Cine de Sundance 2015. Luego de años de documentarse sobre la vida cotidiana de los primeros colonos ingleses en Nueva Inglaterra, consigue un retrato inquietante del extremismo religioso y del rígido puritanismo de esa época, cuando las mujeres eran consideradas como símbolo de oscuridad y de maldad y terminaban siendo perseguidas y acusadas de brujería y de confraternizar con el diablo. Envueltos en los prejuicios religiosos y la superstición, los miembros de la familia entran en estados de paranoia, desencadenándose un clima de histeria colectiva, en el que el mundo real y el de la magia se confunden.

En una escena, el patriarca Williams le dice a su hijo Caleb que todos los seres humanos nacen impuros y que son hijos de la culpa, que para ser un buen hijo de Dios hay que liberarse de todos los pecados;  lujuria, soberbia, ira. En su temor a ser juzgado y castigado por Dios, el jovencito vive angustiado por el deseo sexual que empieza a sentir por su hermana Thomasin cuando lanza miradas lascivas a sus senos, estableciendo una intolerancia absoluta  a la manifestación del despertar erótico y a la naturaleza femenina  porque resultan amenazas peligrosas a la moral.

El realizador construye un  acertado clima opresivo y de tensiones in crescendo para dar la sensación de que algo fatídico está por suceder, gracias al notable trabajo del fotógrafo Jarin Blaschke, con base en los paisajes  grises, fríos y nublados. La tétrica banda sonora incrementa los ambientes malsanos, remitiendo a El resplandor  (1980) de Stanley Kubrick, de quien el cineasta  es admirador. Por otra parte, consigue un pulso narrativo firme y extraer de los actores las emociones  precisas para conducirlos por los terrenos de un drama sicológico demencial que supera los tópicos del cine de terror.

Con ecos del autoritarismo y la intolerancia religiosa de El listón blanco (2009) de Michael Haneke, La bruja  consigue un discurso crítico y reflexivo al miedo del ser humano a lo diferente, a lo nuevo y a lo desconocido, al despotismo familiar, a la manifestación de las pasiones carnales como símbolo de pecado y a los mitos y supersticiones como generadores de tragedias.

Se trata sin duda del debut inteligente de un director muy prometedor.

Dirección y guión: Robert Eggers.
Reparto: Anya Taylor-Joy, Ralph Ineson, Kate Dickie, Harvey Scrimshaw, Lucas Dawson, Ellie Grainger, Julian Richings, Bathsheba Garnett, Sarah Stephens, Jeff Smith.
País: Estados Unidos –Canadá-Reino Unido.
Año: 2015.
Género: Drama sicológico.
Duración: 92 minutos.
Clasificación: Mayores de 15 años.
Fecha de estreno en México: Mayo 20 de 2016.

LA BRUJA (THE WITCH) SE EXHIBE EN CINÉPOLIS Y EN CINETECA NACIONAL.

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viernes, 4 de septiembre de 2015

XENIA: EXTRANJEROS EN SU PROPIO PAÍS.

Por Julia Elena Melche.

La Grecia actual, un país en recesión económica, cada vez más fascista y con una enorme inestabilidad social, sirve de telón de fondo para el relato de dos hermanos adolescentes que, tras la muerte de su madre albanesa, inician un viaje desde su natal Creta a Tesalónica con el objetivo de encontrar a su padre griego que los abandonó cuando eran unos niños y nunca se casó con su madre. 

Los chicos desean obtener el reconocimiento legal de su padre para conseguir la nacionalidad griega y dejar de ser extranjeros en su propio país, ya que en la nación helena, la nacionalidad se consigue solamente por los lazos de sangre y no por el lugar de nacimiento.

Como en su anterior filme Strella, más que una mujer 2009, el realizador gay griego Panos H. Koutras, combina en Xenia, drama y comedia para adentrarse en el mundo de homosexualidades asumidas y de rechazo social, solo que ahora lo hace mediante una mezcla de géneros, que va de la fábula al musical, pasando por lo onírico y fantástico, pero sin abandonar sus observaciones a la realidad social de una Grecia de ultraderecha, homofóbica y xenofóbica  donde los criterios y requisitos para permitir la estancia de extranjeros en el país son cada vez más inflexibles y las bandas neonazis callejeras ejercen su violencia contra todo aquel que no sea griego o heterosexual.

El director hace progresar el relato en una historia de afectos fraternales, que van fortaleciéndose a través de la convivencia de los antagónicos hermanos, quienes aprenderán a reconciliarse con su pasado y a aceptarse mutuamente. Dany, el menor, (Kostas Nikouli), es un gay que se expone abiertamente con su llamativa y extravagante apariencia. Caprichoso y con un espíritu ingenuo e infantil, vive en un mundo de fantasía, tiene una especial debilidad por los dulces, carga un conejo como mascota y a veces observa a su pariente con miradas de deseo.

Odysseas, el mayor, (Nikos Gelia), es serio, realista, cauto, aunque de carácter explosivo y representa la masculinidad heterosexual. Empleado en un puesto de comida, no ha renunciado a sus sueños de convertirse en un gran cantante. Ambos actores, albaneses de segunda generación, hacen su debut con fuerza y energía.

Koutras comenta acerca de su gran interés por el tema capturado en la película: "Quería hablar de esta generación que en Grecia forman unos 200,000 niños apátridas que tienen derecho de sangre y no de suelo. Esta gente nació en Grecia, fue a la escuela en Grecia, su lengua materna es el griego y, sin embargo, no son griegos ni podrán serlo nunca. En este tiempo de crisis, esta generación, que será la que soporte la mayor carga, no disfrutará del reconocimiento ni de lo esencial: poder elegir el país al que pertenece."

En la cinta hay elementos del cine de Pedro Almodóvar; desde el universo kitsch del cineasta manchego, con una estética colorida y luminosa, hasta números musicales en la línea de Los amantes pasajeros (2013). 

Por otra parte, hay que destacar el sello queer que el director imprime a su filme, al incluir como personaje a Patty Bravo, una cantante italiana que saltó a la fama en los años sesenta y que la madre de los héroes admiraba profundamente; un símbolo indiscutible de la emancipación femenina en Italia e ícono gay. Canciones exitosas como “La bámbola” y “Rumore” de la también italiana Rafaela Carrá, son coreografiadas con especial soltura por el fantasioso Dany, pero también por su entusiasmado hermano.

En Xenia, palabra griega que significa “hospitalidad”, prevalece un alegato en favor del respeto por la pluralidad y una marcada crítica a la falta de solidaridad entre los pueblos.

Dirección: Panos H. Koutras.
Guión: Panos H. Koutras y Panagiotis Evangelidis.
Reparto: Kostas Nikouli (Dany), Nikos Gelia (Odysseas), Aggelos Papadimitriou (Tassos), Yannis Stankoglou (Lefteris), Romanna Lobach (María), Marissa Triandafyllidou (Vivi).
País: Grecia-Francia-Bélgica.
Año: 2014.
Género: Comedia dramática.
Duración: 128 minutos.

PREMIOS EN 2014:
Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine de Gijón, España.
Hugo de Oro al Mejor Largometraje en el Festival de Cine de Chicago, Estados Unidos.
Premio al Mejor Actor (Kostas Nikouli) en el Festival Internacional de Cine Queer de Lisboa, Portugal.
Premio FELIX a la Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Río de Janeiro, Brasil.

EL DIRECTOR.
Panos H. Koutras nació en Atenas, Grecia, en 1965. Estudió realización cinematográfica en la Escuela de Cine de Londres y en La Soborna en París. Entre 1985 y 1995, dirigió varios cortometrajes y fundó 100% Synthetic Films, su compañía productora. Su primer trabajo, una cinta de horror fantástico, The Attack of the Giant Moussaka, vuelto un filme de culto, se estrenó en 1999. 

A este trabajo le siguió Real Life, una crónica sobre una familia disfuncional que obtuvo el Premio Nacional de la Crítica Griega en 2004. Strella, más que una mujer, su tercera cinta, presentada en 2009, lo posicionó como uno de los talentos más reconocidos de su país. Su filmografía se caracteriza por mezclar diversos géneros cinematográficos para crear discursos sociales a partir de las relaciones humanas. Xenia es su cuarto largometraje, y fue proyectado en la sección Una Cierta Mirada del pasado Festival de Cannes.

XENIA SE EXHIBE EN CINETECA NACIONAL Y EN CINÉPOLIS A PARTIR DEL 4 DE SEPTIEMBRE DE 2015. 

HORARIOS EN CINETECA NACIONAL:
Viernes 4 de septiembre. Sala 3 a las 19:00 y 22:00 horas.
Sábado 5 de septiembre. Sala 3 a las 19:00 y 22:00 horas.
Domingo 6 de septiembre. Sala 3 a las 18:30 y 21:15 horas.         

Lunes 7 de septiembre. Sala 3 a las 18:00 y 21:00 horas.               
Martes 8 de septiembre. Sala 3 a las 18:00 y 21:00 horas.
Miércoles 9 de septiembre. Sala 3 a las 18:00 y 21:00 horas.


PARA MAYOR INFORMACIÓN, CONSULTAR:
www.cinetecanacional.net
www.cinepolis.com.mx